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Ces ciels qui filent, ces travelings d’une fluidité surréaliste, cette vie qui passe à toute vitesse : depuis leur avènement, les time lapses et leur esthétique si spéciale font un carton parmi les pros comme les amateurs de belles images.

Commissionné par le Canon Digital Learning Center (dont il est l’un des ambassadeurs), le célèbre photographe et vidéaste Vincent Laforet (lire notre interview du personnage par ici) nous livre un guide pour découvrir cette discipline. La première vidéo (en anglais, mais très compréhensible), éclaire sur les concepts globaux.

Pour approfondir les connaissances, notamment au niveau du matériel requis, Laforet a écrit cet article pour vous. Une seconde vidéo sera prochainement publiée, en attendant, appréciez notre sélection de time lapse !

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+ Retrouvez tous les time lapse présentés sur Lense

+ Notre interview de Vincent Laforet

Pour ce numéro de “Révisons nos classiques”, redécouvrons un pionnier solitaire et rebelle qui, pendant 70 ans, a inventé un langage photographique à part : Celui qui disait « Mon anglais est mauvais. Mon français est mauvais. La photographie est ma seule langue. » Le premier photoreporter de l’histoire, le pionnier en tant de domaines, André Kertész.

Martinique, 1er janvier 1972

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Si on vous dit son nom, vous pensez:

• noir et blanc
• ombres
• abstraction
• lignes graphiques
• distorsions
• Paris, New york

Et aussi: la fourchette la plus célèbre de l’Histoire, des corps de femmes nues dans des miroirs déformants, des squares et des réverbères de nuit, des lignes architecturales de New York sous la neige, des polaroïds poétiques, des ombres de passants sur les bords de Seine…

Bien. Tout cela est juste. Profitons-en pour compléter un peu…

Place de la Concorde 1928

“Je ne témoigne pas, je donne une interprétation personnelle”

Le petit Andor nait à Budapest en 1894 dans une famille juive aisée. Dès 1912, il parcourt les rues alentour, son premier appareil photo en main (et les piles de plaques en verre qui vont avec…) et immortalise la belle nature hongroise et les gens simples qu’il croise. Voilà posés les thèmes qu’il suivra toute sa vie: les petits détails de beauté hasardeux.

Kertész se définit comme “sentimental” et aborde la photo comme un carnet d’esquisses et de notes. Sa vaste production suivra les aléas et les pérégrinations de sa vie. Pour dire ça simplement: il y a autant d’étapes dans sa carrière que d’escales géographiques. Il n’appartient à aucun courant esthétique particulier. Il trace une route personnelle et novatrice tout le long du siècle.

Baignade, Dunaharaszti, Hungary, 1919

Première Guerre Mondiale: Kertész est sur le front, mais il ne va pas photographier les massacres ni réaliser de reportages historiques :  il tire les portraits de ses camarades soldats (et lui-même) dans leur quotidien. Ou bien ceux des paysans qu’il croise sur les routes. Ces images où la guerre semble mise à distance seront ses premières publications.

Sans le sou, en 1925, il s’installe à Paris, qui est alors THE place to be artistique. C’est l’époque de Dada, des surréalistes, les débuts de la photo de pub, les photographes modernistes commencent à peine à sortir des studio pour s’attaquer à la rue… Kertész, lui, le fait déjà depuis 10 ans!

Notons au passage qu’il est le premier photographe professionnel à utiliser un Leica, un certain appareil révolutionnaire apparu en 1925. Voilà notre amoureux de la photo de rue libéré de ses pesantes plaques de verre !

Kertész fréquente l’Avant-Garde artistique et s’y fait très vite une place de choix parmi Colette, son compatriote Brassaï (nous y reviendrons) et Mondrian surtout, dont il photographie l’atelier sous tous les angles. (On peut imaginer en quoi leurs recherches respectives sur les formes, les lignes et les ombres ont soudé leur amitié).

Alors que certaines de ses photos font de lui une figure centrale de l’innovation artistique (la fameuse « Fourchette » (1929), l’entrée de l’atelier de Mondrian (1926), les Distorsions 1933), Kertész travaille en indépendant pour des revues. Il est notamment engagé pour couvrir des sujets pour VU (le premier magazine illustré). On lui commande des images apportant un regard personnel et distancié, une oeuvre à part entière. Et c’est ainsi qu’André Kertész devient tout simplement… le premier photo-reporter de l’Histoire. Rien que ça.

Un nouveau métier vient de naître et il en est le pionnier! Pour VU il réalise 35 reportages en 8 ans et quelques images mémorables (les Quarante ans de la Tour Eiffel, les gamins de Paris…)

En 1936, Kertész et sa femme partent à New York pour une commande ; ils y resteront, à cause de la guerre. Les offres de travail lui sont limitées parce qu’il est étranger. Commence une période sombre, voire dépressive qui se ressent dans ses photos: un sentiment de solitude se dégage de l’ensemble. Des corps vulnérables entourés de dangers, des êtres (et des nuages!) isolés, des alignements de cheminées aux allures trop humaines…

On est bien loin des visions modernistes des photographes new-yorkais de l’époque qui subliment le gigantisme de la ville!

Kertész est finalement naturalisé américain, il travaille, certes, pour Vogue, Harper’s Bazaar… mais son style très personnel et sans concession n’est pas toujours compris. Il accepte des commandes qui l’ennuient (photographier des maisons de riches pour un magazine de déco d’intérieur !) …

En 1962, il se déclare à la retraite et décide de ne plus photographier que pour lui. Il reprend ses flâneries à la recherche des détails de la ville ou passe des heures à shooter depuis sa fenêtre, au douzième étage du n°2 de la Vème avenue. Il immortalise Washington Square à toutes les saisons, à toutes les heures.

Il se trouve que c’est à cette période qu’on (les musées, les média) commence à s’intéresser à l’Histoire de la photo. Kertész ressort ses travaux anciens, récupère des négatifs restés en France. Le monde découvre alors l’oeuvre incroyable produite en 50 ans par cet émigré  discret… qui devient enfin célèbre internationalement.

Le MoMA l’expose en 64, le centre Pompidou en 77. Cette même année, son épouse décède. André crée alors à New York la Fondation André et Elisabeth Kertész. Mais son coeur est resté accroché en France: en 84 il donne tous ses négatifs et travaux à l’état français et disparaît en 1985.

Hongrois, français, américain: trois identités, trois mondes, trois façons de penser, trois périodes artistiques distinctes… Ce parcours atypique n’a peut-être ce pas aidé Kertész à obtenir de son vivant la reconnaissance qu’il méritait. Il a fallu attendre 2011 et le Jeu de Paume pour admirer une vaste rétrospective de son oeuvre en Europe. Enfin on trouve mis en perspective l’incroyable apport de Kertész à l’Histoire photographique: une longévité artistique miraculeuse, pendant laquelle il n’a jamais perdu de son acuité visuelle ni cessé d’innover dans les formes et les techniques.

Ah, au fait, on a dit qu’au début des années 80, il faisait même des chefs d’oeuvre avec… un polaroïd?

Danseuse burlesque, Paris 1926

En quoi a-t-il révolutionné la photographie?

Bon, sans vouloir trop se répéter, tout de même insistons: André Kertész a photographié non-stop de 1912 à 1984. Il est passé, avec une longueur d’avance, par tous les courants artistiques, sans pourtant jamais en rejoindre un seul. Il parvient à tester toutes les innovations techniques (à en inventer certaines même) sans jamais dévier pourtant d’une ligne personnelle magistralement cohérente. Ceci suffirait à le placer au Panthéon de nos Grands Classiques.

“Quoi que nous ayons fait, Kertesz l’a fait le premier.”

Et celui qui dit ça est pourtant bien placé dans la liste des grands novateurs de la photo: Henri Cartier-Bresson himself le reconnaît, l’influence de Kertész est partout. Selon les styles et les époques, on y voit tantôt Brassai, Bérénice Abbott, tantôt Man Ray… ou carrément ce cher Doisneau avec qui il  partage une certaine nostalgie de Paris.

Il fait de la photo en extérieur dans les années 1910. Il flirte avec l’abstraction constructiviste dans les années 20 et avec l’effet d’optique en même temps. Il invente le reportage social dans les 30′s. Et ce presque malgré lui: il ne se soucie pas consciemment de l’actualité ou de proposer des thèmes documentaires: c’est sa sensibilité qui le mène à immortaliser la “vraie vie”. Il avance guidé par ses sentiments, par une subjectivité presque émotive… Bref, un photo-reporter avec une approche pas du tout journalistique!

3rd avenue/46th street, 1936

Mais si on veut être plus précis, disons que c’est au niveau de la composition que Kertész a été le précurseur absolu. Et ce dès les années 20. Cet autodidacte, qui avance à l’instinct, parvient à employer les formes modernes de l’avant-garde (ce que font par exemple en arts plastiques Mondrian ou Calder), c’est-à-dire des lignes, des ombres, des abstractions pour en faire des compositions poétiques. Un équilibre étrange entre réalisme et onirisme.

On dit de Cartier-Bresson qu’il a l’oeil d’un géomètre, avec ses photos ultra-structurées en plusieurs plans. Voilà qui est parfaitement valable pour Kertész. C’est comme s’il cherchait l’équilibre spatial des villes, un centre fragile d’architecture entre les lignes et les humains. Un point sensible permettant au monde autour de ne pas s’écrouler. Comme dans un mobile de Calder…

Kertész enfin a été un des pionniers de la retouche. Dès les années 20 il retravaille sur les négatifs et les positifs, s’essaye à la polarisation, et surtout il recarde, re-zoom, jusqu’à tirer en grand format d’infimes détails de ses photos.

Assumant une recherche parfaitement subjective, une quête de la photo sensible plutôt que le témoignage, une photo volontairement éloignée du réel, une photo qui fait rêver, on pourrait presque dire que Kertész est… l’inventeur de la photo d’Art. Mais bon, on le crédite déjà d’avoir inventé le photo-reportage, cela commencerait à faire beaucoup !

Alors juste une petite citation pour la route. Signée Roland Barthes, à propos de l’originalité des photos de Kertész:

« Les rédacteurs de Life refusèrent les photos de Kertész, à son arrivée aux États-Unis, en 1937, parce que, dirent-ils, ses images “parlaient trop” ; elles faisaient réfléchir, suggéraient un sens — un autre sens que la lettre. Au fond la Photographie est subversive, non lorsqu’elle effraie, révulse ou même stigmatise, mais lorsqu’elle est pensive. »

A quoi reconnaît-on une photo d’André Kertész?

Bon, on a bien compris que ça va dépendre des périodes… Dressons tout de même la liste des thèmes récurrents. Les ombres bien sûr sont sa particularité number one (une spécialité d’Europe de l’Est. Les amateurs de cinéma expressionniste allemand apprécieront). Pierre Mac Orlan, l’auteur de Quai des Brumes (1927), ami et soutien de Kertész, disait:

« Chez Kertész, l’inquiétude d’un fantastique de la rue, plus conforme aux goûts de l’Europe centrale, interprète les éléments secrets de l’ombre et de la lumière, pour que d’autres en retirent de romanesques situations. »

Ombres d’objets, de passants ou… de lui-même. Ombres portées, coupées de leurs modèles, qui deviennent elles-mêmes les héroïnes. De l’ombre métaphysique, diraient des analystes sérieux.

Kertész traque aussi les cheminées (ou ombres de cheminées!). Les squares. Les chaises en métal des parcs. Les lignes ou les traces bien définies (dans la neige notamment). Et tout ce qui est reflet: dans les vitres, les miroirs, les surfaces polies, les façades, les flaques, les ondulations de l’eau.

De là viennent ses expérimentations sur les déformations visuelles et les effets d’illusions d’optiques. (En visite au Palais des Glaces, devant un miroir déformant, vous pouvez donc plaisanter avec chic: “Regarde, on se croirait dans une photo de Kertész!”)

Distorsion

Ces reflets sont aussi souvent à la base des jeux d’écho qui forment ses compositions.

Dans une photo de Kertész, il y a des petits éléments qui se répondent avec une précision exacte. Il s’attarde sur les détails inattendus, pas sur ce qui est grandiose ou sublime.

D’ailleurs ses sujets ne sont finalement pas vraiment centraux: il fragmente, il déconstruit l’espace. Avec lui, l’Empire State Building est un reflet dans une flaque d’eau. Une photo à la Kertész, c’est une image qui laisse à imaginer, qui pose une question. Il y a une ambiance et un manque.

Si le mot “ellipse” vous vient à l’esprit en contemplant un photo, vous pouvez lancer “Tiens, on dirait du Kertész“, ça passera bien. Je voudrais shooter “à la Kertész”. Des conseils?

• Photographier comme on tient un journal…

Ma photographie est vraiment un journal intime visuel [...]. C’est un outil, pour donner une expression à ma vie, pour décrire ma vie, tout comme des poètes ou des écrivains décrivent les expériences qu’ils ont vécues.

• … mais avec humilité vis à vis de son appareil.

« L’art photographique est un art de soumission. La vie lui impose ses projets, ses hypothèses parfois. L’objectif se venge en révélant, en découvrant ce que l’observateur le plus habile et le plus sensible ne voit pas toujours, à cause de ses deux yeux »

• Prendre son temps… et ouvrir les yeux

“Je ne regarde pas, je vois. Ce sont deux choses différentes. Je ne sors pas pour photographier. J’ai toujours mon appareil avec moi et je m’arrête pour photographier des choses qui me captivent. Souvent, je ne prends même pas une photo.

• Kertész a toujours revendiqué une pratique amateur, refusant les contraintes professionnelles du marché, il s’est battu pour suivre sa propre voie, toute en subjectivité et en sentiment.

« Je ne documente jamais, j’interprète toujours avec mes images. C’est la grande différence entre moi et beaucoup d’autres. [...] J’interprète ce que je ressens à un moment donné. Pas ce que je vois, mais ce que je ressens ». « Une bonne photographie transmettra quelque chose non seulement à l’œil, mais aussi à l’intérieur. Les yeux ne sont jamais suffisants. Les yeux sont toujours entre l’image et l’âme.

• Bref, ce qui compte ce n’est pas une perfection intellectuelle, mais de presser le bouton au moment où on le sent

L’Instant Décisif, n’est pas lorsque tout est parfaitement aligné, lorsqu’un élément permet une composition particulière, mais lorsque le monde extérieur participe d’un sentiment personnel.

Ah et pour parler matériel, Kertész a toujours suivi les progrès techniques et aimé les expérimentations: du ICA de son enfance au premier Leica, il a aussi utilisé, pendant sa période New Yorkaise, téléobjectif, zoom et même télescope! Et en 1979, il s’est mis au Polaroid SX-70. Sans doute qu’aujourd’hui il ne se gênerait même pas pour tenter quelques expérimentations au smartphone.

Woman in Window Looking Down Air Shaft, 23rd Street, New York .

Quelques anecdotes pour briller en société

Amateur d’ombre et de défis techniques, c’est lui a a réalisé la toute première photo de nuit, et ce en 1914! Oui, il y a un siècle! On vous laisse imaginer le temps de pose pour obtenir une image valable avec le matériel de l’époque…

C’est grâce à Kertész que Brassaï a commencé la photo et c’est un euphémisme de dire que la rencontre (l’influence) fut déterminante: si Brassaï, lui aussi d’origine hongroise, est devenu une référence mondiale, c’est grâce à ses images de Paris by night. Henry Miller le surnomma même “L’oeil de Paris”. Merci qui?

La célébrissime série Distorsion fut réalisée initialement (en 1933) pour commande d’un magazine -disons- “coquin” : Le Sourire. Deux  modèles + deux miroirs déformants + un gros travail de recadrage = les images érotiques les plus surréalistes qui soient.

Notons que le succès fut assez faible, y compris du point de vue des critiques artistiques. Kertész voulait faire éditer grâce à un partenariat entre une maison française et une allemande, mais l’arrivée d’Hitler au pouvoir avorta le projet. Il faudra attendre 40 ans pour que le livre paraisse finalement, en édition francais-américaine.

Pendant ses premières années parisiennes, André Kertész tirait un grand nombre de ses photo sur un papier de petit format (9×14 cm) portant la mention « carte postale » préimprimée au verso. C’était une coutume courante pendant la guerre: les photos du front étaient éditées sous forme de cartes postales pour collecter de l’argent pour les veuves et les orphelins. Kertész a du continuer à tirer ses images comme ça pour des raisons pratiques (il développait chez lui, dans un labo sommaire) et économiques… mais pas que: ce résultat intimiste, très personnel, ces images conçues pour circuler auprès des proches, c’est tout à fait dans la démarche artistique du cher André, non? L’alliance réussie du fond et de la forme.

André Kertesz, Autoportrait en ombre, Paris, 1927

Pour aller plus loin…

Le livre de référence de l’oeuvre de Kertész a été orchestré par le maître lui-même: Soixante ans de photographie, 1912-1972 (ed. du Chêne) doit se trouver aujourd’hui en occasion. Idem pour ses deux classiques J’aime Paris (1974) et Of New York… (1976).

A débusquer chez un bouquiniste, son dernier opus (1981) et peut-être le plus poignant : From my Window, dédié « à Elisabeth » (sa femme) regroupe ses cinquante-trois polaroids de bustes de verre et de jeux de lumière.

Bon, en attendant de mettre la main dessus, vous pouvez déjà approfondir vos connaissances avec le petit volume qui lui est consacré dans la fort bonne collection Photopoche.

Mais notre chance, c’est que les ouvrages parus à l’occasion de l’expo du Jeu de Paume en 2011 sont encore trouvables dans les bonnes librairies. Petit budget: le hors-série de Télérama est pour vous. Envie de gâter sa table basse: voilà le gros et beau catalogue édité chez Hazan.

Pour des analyses plus pointues, vous pouvez écouter les commissaires de l’expo qui parlent bien (c’est ici). Enchaînez ensuite avec cette video (en anglais easy) d’une interview du photographe Gurbo qui a été l’assistant de  Kertész à la fin de sa vie.

Enfin, et surtout, savourez le visionnage de cette charmante video : derrière les commentaires poétiques de la voix off, vous y suivrez M. Kertész en promenade dans Paris en 1982, son Olympus en main, vous flânerez dans le Quartier Latin et entre deux émerveillements sur les détails de la ville, vous tomberez par hasard sur… Robert Doisneau.  “Oh! That’s charming”

polaroid, 1979

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Cet essentiel d’André Kertész vous a plu ? Lisez nos autres “Révisons nos classiques” !

• + Révisons nos classiques : Henri Cartier Bresson
• + Révisons nos classiques : Martin Parr
• + Révisons nos classiques : Richard Avedon
• + Révisons nos classiques : Diane Arbus

Comment mieux démarrer l’année ? Notre quatrième sujet est une femme à la carrière éclair et la galerie de personnages la plus hétéroclite qui soit: aujourd’hui (re)découvrons celle qui disait «Je ne serai jamais juste comme il faut»: Mme Diane Arbus.

Enfant avec une grenade à la main

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Si on vous dit son nom, vous pensez:

• “freaks” et marginaux
• New-York underground
• noir et blanc
• portraits
• géants, nains, jumeaux…
• travestissement

Et aussi: des jumelles-siamoises inquiétantes, un(e) transsexuel(le) à bigoudis le regard las, des trisomiques flous dansant dans le soleil, vieilles dames ou bébé hurlant en très gros plans…

Bien. Tout cela est juste. Profitons-en pour compléter un peu…

Je suis née en haut de l’échelle sociale, dans la bourgeoisie respectable, mais, depuis, j’ai fait tout ce que j’ai pu pour dégringoler.

Diane Nemerov naît dans les beaux quartiers de New York en 1923. Ses parents tiennent un magasin sur la 5e avenue, Russeks. L’enfant grandit entourée de domestiques du côté de Park Avenue.

J’ai grandie en me sentant immunisée, exemptée des circonstances. Il y a une chose dont j’ai souffert, c’est de ne jamais sentir l’adversité. J’étais confinée en dehors de la réalité.

Elle a 14 ans quand elle rencontre Allan Arbus, 18 quand elle l’épouse contre l’avis des parents, qui bien sûr rêvent de mieux qu’un petit photographe fauché pour leur fille. Ensemble, ils ouvrent un studio photo de pub et mode. Ils signent bien quelques séries pour Vogue, Glamour & co, mais globalement les affaires ne marchent pas très bien. Rien d’éclatant.

Il faut dire que si le couple n’aime pas vraiment la photo de mode, Allan n’a pas non plus un talent spectaculaire. Diane, si, mais dans l’entreprise familiale, elle se cantonne à faire la styliste et l’administrative. Le photographe, c’est Monsieur qu’elle admire tant. En privé, elle est surtout une maman dévouée à ses filles, Amy et Doon.

A la fin des années 50, Diane quitte le studio. Le couple ne résiste pas longtemps: son mari la quitte (ils resteront toujours très proches, un peu -dit-on, comme… des jumeaux). En 1960, Madame Arbus a 38 ans et décide (enfin) de se consacrer à son destin : elle devient photo-reporter pour la presse (Esquire, Harper’s Bazaar…)  mais surtout, elle développe son travail (très) personnel.

En 63, elle reçoit la bourse Guggenheim pour réaliser une série sur “les rites, les manières et les coutumes américaines”. Elle écrit:

«Je veux photographier les considérables cérémonies de notre présent»

“Alors que nous regrettons que le présent ne soit pas comme le passé et désespérons de le voir jamais devenir futur, ses innombrables habitudes attendent toujours leur signification. Je veux les réunir, les cueillir, comme une grand-mère qui met des fruits en bocaux, parce qu’ils sont si beaux”

Plus sa cote en tant qu’artiste monte, moins les journaux font appel à elle. Peu importe: sa notoriété se fait rapidement. Six ans après ses débuts, trente de ses portraits sont exposés au MoMA au côté de deux immenses stars de la photo-documentaire :  Friedlander et Winogrand.

Ce sera la seule exposition de son vivant: il faut dire qu’Arbus ne se préoccupe pas trop d’être exposée et que ses portraits provocants ont tendance à déranger…

Elle ne reçoit pas de commandes? Tant pis! Photographe ultra-déterminée et débordante de propositions, elle écrit (remarquablement bien) aux directeurs artistiques des magazines pour exposer ses idées et dresse des listes sans fin de ce qu’elle veut immortaliser (couples dépareillés, armes, jumeaux…). On est à l’opposé de “l’instant décisif” de Cartier-Bresson. Arbus fonce, force les portes, part seule faire des reportages sur les marginaux et les étrangetés de la société. Elle prend à bras le corps ses modèles et tisse avec eux des liens intimes. D’où ces résultats troublants.

Sa frénésie de travail est entrecoupée de phases de depression violente et d’inertie. Son ami l’artiste Marvin Israël la retrouve ainsi dans sa baignoire en juillet 71: elle s’est suicidée deux jours plus tôt.

Des photos d’elle sont exposées à la Biennale de Venise l’année suivante.  Elle est la première photographe américaine à y être présentée. Le retentissement est immense.

Photographe sur le tard et disparue encore jeune, cette boulimique de travail forcément iconique laisse derrière elle des dizaines de portraits, offrant la postérité à tous ces magnifiques et étranges anonymes. Personnalité troublée, se jouant des paradoxes, l’univers d’Arbus est aussi sombre et mystérieux que ses muses.

Une exposition majeure, “Révélations” a tourné en 2004-05 à travers le monde, ouvrant quelques uns des tiroirs secrets de la dame. Mais le travail d’Arbus, pourtant star incontestable, continue de fuir la lumière…

En quoi a-t-elle révolutionné la photographie?

Une des forces du travail d’Arbus, c’est qu’elle parvient à prendre une place bien à part tout en s’inscrivant clairement dans l’Histoire de la photo. Ses portraits frontaux en noir et blanc de “petites gens” s’inscrivent à première vue dans une démarche de photo-documentaire telle qu’elle se développait en Amérique dans les années 50/60. (lignée dont son collègue Lee Friedlander est un des ambassadeurs). On voit aussi l’influence de son ami Walker Evans -considéré aujourd’hui comme le père du photo-journalisme américain- qui photographiait dès les années 30 les pauvres et les rejetés de la société. On pense aussi à Weegee, le photographe qui shootait les secrets nocturnes de la ville.

Voilà pour l’hérédité. Mais Arbus aborde le portrait avec une liberté très déroutante. Elle ne fait pas du reportage, ni de la socio, non. Elle “plonge” au coeur de ses sujets. Elle n’en fait pas des emblèmes, des icônes, au contraire: elle saisit leurs quotidiens, leurs corps. Ces êtres bizarres et dérangeants à première vue, elle est les embrasse sans jugement ni distance.

Au moment de l’expo au MoMA, le conservateur John Szarkowski écrit:

Leurs prédécesseurs se mettaient au service d’une cause sociale. Ils voulaient montrer ce qui n’allait pas et persuader les autres d’agir pour y remédier. Le but de ces jeunes photographes n’est pas de réformer la réalité, mais de la connaître.

Cinq membres du fan-club des monstres

Arbus fut brièvement l’élève de Lisette Model, photographe tranchante voire virulente (avec elle la bourgeoisie est grotesque, la pauvreté sale et triste). Celle-ci lui répétait “N’ayez pas peur”. Semble-t-il qu’Arbus l’ai prise au pied de la lettre.

Elle part en reportage chez les “décalés”: concours de beauté du 3 âge, école de Pères Noël (si, si), échangistes, camp nudiste, congrès de jumeaux. ”Diane la chasseresse”, comme l’appelait son ami Evans, photographie ses voisins, aborde les inconnus des bas-fonds de New York et c’est comme si elle dressait un catalogue de l’incroyable. Un herbier des étrangetés humaines.

«J’écrirai tout ce qu’il sera nécessaire pour décrire plus avant et élucider ces rites ; j’irai partout où il faudra pour les trouver. Ce sont nos symptômes et nos monuments. Je veux simplement les sauver, car ce qui est cérémonieux, curieux et commun, sera un jour légendaire.»

Le résultat n’est ni méchant, ni emphatique. Ni admiratif ni dégouté. Ni voyeur ni pudique.

De là peut-être vient la gène du spectateur: dans ses images on sent à quel point la photographe s’identifie à son modèle et combien elle a du aller loin en elle-même.

Le travail d’Arbus pose des interrogations profondes et universelles sur l’identité. Sur la “normalité”. La sexualité. L’altérité. Sur les genres sexuels. Sur les apparences. Les tabous.  Bref, sur tout ce qui nous constitue personnellement et socialement. Aïe.

Ce que j’ai le plus photographié, ce sont les “freaks”. Ca a été un de mes premiers sujets ; ils avaient pour moi quelque chose d’excitant. Je les adore.  Je veux pas dire que ce sont mes meilleurs amis mais ils me provoquent un mélange de honte, d’effroi et de respect. Les freaks ont quelque chose de légendaire. Comme un personnage de conte de fée qui vous pose une énigme. La plupart des gens avancent dans la vie avec la terreur de vivre un traumatisme. Les freaks sont nés avec leur traumatisme. Il ont déjà réussi le test de la vie. Ce sont des aristocrates.

La démarche en elle-même est une révolution.

J’ai toujours considéré la photo come quelque chose de vilain, de pas sage – c’est ça, surtout, qui me plaît. La première fois, j’ai trouvé que c’était très pervers.

L’oeuvre d’Arbus ouvre la porte à un vaste pan de la photographie contemporaine: elle est la première à aborder le corps et la sexualité frontalement. Pas sous forme de photo de mode, pas en immortalisant des muses ou de belles femmes nues, mais en s’invitant dans l’intimité la plus secrète des couples, quels qu’ils soient.

Cette partie de son travail a été découverte tardivement, c ‘est en 2003 que sa fille a présenté pour la première fois des planches où on voit des couples au lit – et où on voit s’allonger entre eux, nue. Des photos sans fard ni mise en scène, qui exposent la sexualité au grand jour : shocking !

Plus tard la photo érotique deviendra un courant artistique à part entière et de cette brèche sortira le travail de photographes “crus” comme Nan Goldin, Wolfgang Tillmans ou Larry Clark. Mais Arbus, avant cette volonté violente d’entrer dans l’intimité de son sujet, aura bien été une des pionnières du genre.

Un jeune homme et sa femme enceinte à Wahington Square park

A quoi reconnaît-on une photo de Diane Arbus?

Norman Mailer dit 1971

“Donner un appareil photo à Diane Arbus, c’est comme mettre une grenade dans la main d’une enfant”.

Ici c’est une critique négative d’un écrivain venant mécontent de son portrait… Mais l’image n’est pas mauvaise. Une photo d’Arbus, en effet, est à la fois violente, explosive… sous une forme apparemment simple.

Vous l’aurez compris, la particularité première des photos d’Arbus, c’est le sujet lui-même ! Jumeaux, transsexuel, femme sans tête, avaleur de sabre,  asile d’aliénés, géant, nain… Tous les clichés qu’on imagine des terribles “cirques humains”, vous les trouverez ici.

Quant à la forme: jusqu’en 62, Arbus tire des photos rectangulaires, 24 x 36. Mais ce qu’on définit comme son style c’est le 6 x 6 format carré et noir et blanc qui “emprisonne” le modèle. Flash, bout portant, gros plans, regard droit dans l’objectif. Ca vous rappelle quelqu’un? Eh oui, son copain Richard Avedon, pardi!

Même âge, mêmes origines, même recherche de la “vérité” du visage, même art de capturer  l’expression qui échappe au modèle, les défauts, les grimaces… D’ailleurs certains thèmes se recoupent être les deux: le grand Richard avait fait scandale en shootant l’Amérique “profonde” (ses mineurs, ses paysans, des gamins armés)… Arbus aussi saisit les portraits de ceux qu’on cache et les expose leurs images au grand jour.

Sur le vif, sans fard, sans joliesse, voilà les visages et les corps de ceux qui peuplent la marge d’une société ultra-normée. Le laid, la noirceur, le bizarre, le difforme…

C’est sans doute là qu’on reconnait à coup sûr une photo d’Arbus, dans ce sentiment de malaise mêlé de fascination qu’on ressent en regardant. Dans l’envie d’avoir une explication et la gène de savoir qu’il n’y en a pas.

Russian Midget Friends in Leaving Room 100th Street

Le roi et la reine à un concours de danse senior

Je voudrais shooter “à la Arbus”. Des conseils?

Niveau appareil, si vous rêvez vous aussi de photographier avec un appareil pesant une tonne, sachez que Diane Arbus a commencé avec un Nikon F, puis un Rolleiflex et qu’à la fin elle utilisait un Mamiyaflex et un agrandisseur Omega D. (Elle développait toujours elle-même).

• “Plus tu es spécifique, plus tu deviens général”

Chercher des sujets originaux, mais surtout des sujets qui vous tiennent à coeur. Puis plonger dans l’intime, le particulier. De là naîtra l’universel.

• Trouver LE sujet

Pour trouver ses modèles, Diane la chasseresse se promenait dans les rues de New York. Quand elle croisait un visage qui lui plaisait, elle l’arrêtait et s’invitait chez lui/elle. Arbus a suivi certains de ses modèles pendant des années.Voilà, ce n’est pas plus compliqué de ça!

• Forcer le modèle à lâcher prise

L’écrivaine féministe Germaine Greer raconte une séance, dans sa chambre d’hôtel où Arbus s’était invitée:

Brusquement,  elle s’est agenouillée sur le lit en plaçant son objectif juste au-dessus de mon visage et a commencé à prendre en gros plan mes pores et mes rides ! Elle me posait des questions très personnelles et là, j’ai compris qu’elle ne déclenchait que lorsqu’elle voyait sur mon visage des signes de tension, d’inquiétude ou d’agacement.

• Ne pas avoir peur, dépasser les normes

Comme lui avait répété Lisette Model, Arbus cherchait à dépasser le tabou et l’interdit. Pour être au plus près, dans l’intime, elle n’hésitait donc pas à… coucher avec ses modèles. Euh bon, là, c’est à vous de voir, hein.

Quelques anecdotes pour briller en société

Les inquiétantes jumelles de Shining? Oui oui, Kubrick avoue qu’il les a imaginées en voyant le photo d’Arbus.

La vie de Mrs Arbus a fait l’objet d’un film:  Fur -portrait imaginaire de Steven Shainberg (2007). Starring Nicole Kidman dans le rôle de la gentille maman qui s’émancipe et avec Robert Downey Jr en voisin mystérieux.

Si Arbus est incontestablement la figure de proue de la famille, les autres membres ne sont pas en reste: son frère Howard Nemerov est un poète important, lauréat du prix Pultizer et du National Book Award. Son neveu Alexandre est un historien d’Art réputé.

Quant à ses filles: Amy Arbus est photographe. Son travail comporte de nettes citations de celui de sa mère (format, regards, thèmes…) mais n’est pas inintéressant. L’autre fille Doon ne fait pas que gérer l’héritage maternel, journaliste et auteur, elle a elle aussi un bon pied dans le monde la photo: elle a été notamment été pendant longtemps la collaboratrice de … Avedon. (c’est toujours plus sympa en famille).

Et le mari? Allan ayant quitté Diane pour une actrice devient lui aussi acteur. Un de ses premiers rôles, il le tient dans Greaser’s Palace, film culte réalisé par… Robert Downey Sr. Depuis il a joué dans plus de 70 films et séries et son rôle le plus important c’est celui du psy Sidney Freedman dans la série M*A*S*H.

Pour aller plus loin…

Le top des livres, le plus complet, c’est sans hésiter le catalogue de Révélations, puisque malheureusement l’expo, montée à San Francisco, n’est jamais parvenue jusqu’en France. Que ceux qui veulent de la lecture foncent se procurer cette très complète et bien écrite  biographie, faite par la journaliste new-yorkaise Patricia Bosworth. Pour d’autres livres, sur des séries spécifiques, allez, voilà la liste.

Si vous avez une demi-heure devant vous, la série documentaire Masters of photographie offre une fois de plus un bon aperçu  du parcours de l’artiste. Photos, citations, interview de Doon Arbus, Lisette Model… sobre et clair (en anglais).

Une fois que vous êtes familiarisé avec l’univers “arbusien”, vous pouvez vous lancer dans la fiction donc, avec Fur -portrait imaginaire de Diane Arbus (dont voilà la bande-annonce). Ce n’est pas un biopic, (ni un grand chef-d’oeuvre) mais plutôt une “vision onirique et fantasmée” de son destin, quelque part entre Desperate Housewives et Fellini… les fans savoureront surtout l’étonnante participation d’un Robert Downey Jr… à poil. Littéralement.

Autoportrait enceinte 1945

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Cet essentiel de Diane Arbus vous a plu ? Lisez nos autres “Révisons nos classiques” !

• + Révisons nos classiques : Henri Cartier Bresson
• + Révisons nos classiques : Martin Parr
• + Révisons nos classiques : Richard Avedon

Et voici le 3e volet de notre tour des grands photographes ! Penchons-nous aujourd’hui, sur le cas d’un très grand portraitiste, peut-être celui qui incarne le mieux l’histoire de la photographie américaine: Mr. Richard Avedon.

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Si on vous dit son nom, vous pensez:

• Américain
• portraits
• photos de mode
• studio
• noir et blanc
• Harper’s Bazaar
• stars

Et aussi: Marylin Monroe enlaçant un tigre en peluche, Vogue, des formats carrés, haute-couture française, une mannequin posant entre deux éléphants…

Bien. Tout cela est juste. Profitons-en pour compléter un peu…

Les photos ont pour moi une réalité que les gens n’ont pas. C’est à travers les photos que je les connais.

Richard Avedon, de son vrai nom Richard P. Avonda, nait à New York en 1923 dans une famille aisée d’origine juive russe. Pour ses 10 ans, son père lui offre un Kodak Brownie. Le jeune garçon prend alors comme premier modèle un voisin de la famille, un russe exilé… le légendaire compositeur Sergeï Rachmaninov. Voilà qui annonce bien le destin à venir.

Après Pearl Harbor (1941), il rentre dans la marine marchande… Et c’est ainsi que commence véritablement la carrière de photographe d’Avedon: il est chargé de tirer les portraits d’identité de l’équipage du bateau.

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Une empreinte sur la photo de mode, une passion pour la photo de portrait

A partir de 1944, de retour à New York, il étudie avec Alexey Brodovitch à la New Schoool for Social Research, commence à travailler pour la publicité et rapidement, comme photographe de mode pour Harper’s Bazaar (dont Brodovitch est le directeur photo). En 1946, il monte son propre studio et commence sa collaboration avec deux magazines primordiaux de l’Histoire de la photographie: Life et Vogue.

La façon qu’a Avedon de concevoir la photo de mode détonne avec le style l’époque, le succès est rapide: il devient en 1961 l’emblématique directeur photo d’Harper’s Bazaar (il y restera jusqu’en 66). Son travail des années 60 retranscrit l’énergie, la liberté et l’érotisme de l’époque. En 1962 il intègre l’équipe de Vogue dont il marque fortement les choix esthétiques: entre 73 et 88 (changement de direction du magazine), c’est lui qui compose la grande majorité des couvertures.

“Il y a toujours eu une distinction entre le monde de la mode et ce que j’appelle mon travail profond. Le monde de la mode me fait vivre. Je ne le critique pas. mais j’éprouve plus de plaisir à faire des portraits. je me considère comme un photographe de portraits”.

Et le reste du monde le lui rend bien: tout ce qui se fait de puissants, de célébrités, de stars, d’intellectuels, tous domaines confondus viennent se faire shooter par Avedon. De ses mises en scène sans superflu, il produit des centaines d’images aujourd’hui cultes.

Photographe à la fois philosophe, sévère et excentrique, il choisit élargir son angle de “shoot”: il part photographier la diversité de l’Amérique. Il réalise des portraits d’opposants à la guerre du Viet-Nam, de dissidents, de ceux qui se battent pour les droits civiques. D’ouvriers. De patients d’hôpitaux psychiatriques (l’hôpital se change alors en studio photo). En 1964 sort un livre: Nothing personnal. Un recueil de portraits où se côtoient figures célèbres, prisonniers et citoyens ordinaires.  Cette image contrastée de la société américaine dérange, forcément.

On connaît surtout Avedon pour ses images glamour et luxueuses, pourtant dès 1974, c’est avec une série d’un autre genre qu’il est exposé au MOMA: des portaits de son père malade.

Entre 1979 et 1984, il réalise la série Grand Ouest: 125 portraits de travailleurs, ouvriers du pétrole, mineurs, adolescents… Avedon les immortalise tel qu’ils sont, avec leurs outils, leurs vêtements de tous les jours, mis à nu, comme pour ses portraits de stars. Là aussi, à la première publication les critiques se font entendre: la série, en montrant les basses classes, la pauvreté, la précarité, donnerait une vison négative des USA. Aujourd’hui In the American West est reconnu comme un des reportages les plus importants de l’histoire de la photographie, un fer de lance de l’école de la photo sociale.

Exposé dans le monde entier (deux fois au Metropolitan Musuem de son vivant!) et multi-primé dans tous les pays, Avedon meurt en 2004 d’une hémorragie cérébrale alors qu’il réalise une commande pour le New Yorker. Il laisse inachevée le projet Democracy, un reportage sur les élections américaines de 2004.

Une Fondation, créée à sa mort, conserve les fonds et archives de ses oeuvres. Les musées et les collectionneurs du monde entier continuent de s’arracher ses photos et de monter des rétrospectives.

Audrey Hepburn

In the american west

En quoi a-t-il révolutionné la photographie?

“Ses photos de mode et ses portraits ont aidé à définir ce que sont le style, la beauté et la culture en Amérique depuis un demi siècle.

” Ce qu’il a apporté à la photo américaine est comparable dans l’ampleur aux révolutions qu’on pu provoquer Pollock ou Jasper Jhons (un des fondateurs du pop art) en peinture.

Ce sont des critiques américains eux-mêmes qui le disent: Avedon a été un pionnier et un modèle incontournable de l’Histoire de la photo. Pensez : avant lui, en gros, la photo de mode, ce sont des mannequins inexpressives, plantées sagement là (dans un studio) pour montrer des vêtements, point barre. Et soudain, Avedon apporte de la vie, des gestes (parfois même: du flou) sur le papier glacé! Il emmène les mannequins dehors, ajoute des décors, des mises en situation. Il donne de l’intensité, de la densité, même aux mises en scène les plus artificielles. Du sourire, du mouvement : c’est une révolution à l’époque !

Toutes les grands noms de la mode ensuite, des plus délirants (comme Jean-Paul Goude) aux plus graphiques (Nick Knight) ont quelque part profité de l’influence Avedon.

Ne soyons pas injustes, mentionnons quand même qu’Avedon, tout génial qu’il soit, a bien eu, lui-même, quelques influences dans son travail… Voilà l’occasion de redécouvrir le photographe de mode et photojournaliste hongrois Martin Munkacsi. Portraitiste star à l’approche très novatrice dans les années 40/50, son travail est aujourd’hui étrangement oublié. Jetez donc un coup d’oeil!

A quoi reconnaît-on une photo de Richard Avedon?

On ne risque pas trop l’erreur avec Avedon, son style étant tout de même très reconnaissable. Sauf rares expressions, une photo de ce cher Dick est un portrait (vous l’aurez compris) en noir et blanc. Carré. Souvent de grand format. Pris en studio. Sur fond blanc.  Généralement le modèle regarde l’objectif. Dans tous les cas, on sent que la personne photographiée se trouve vraiment au coeur de la photo: le style est épuré, la beauté et la complexité du visage sont l’essence du l’image. Le visage seul peut prendre toute la place dans l’image: Avedon cristallise le modèle et leur rencontre en 8 x 10.

Des portraits de très grandes stars qui semblent soudain se livrer de façon tellement intime, avec leurs vides, leurs rides, -les âmes!- à nues, voilà la “magic touch” Avedon.

Alors si vous croisez quelque part une photo gros plan, épurée et expressive de, par exemple, Picasso, les Kennedy, Adjani, Truffaut, Jean Genet, Duras, Eisenhower, Warhol, Bardot, Buster Keaton, Samuel Beckett, Obama, Salman Rushdie ou Malcom X, vous pouvez sans trop de risque vous exclamez: “Tiens, voilà du Avedon!”

Idem pour des portraits d’inconnus aux visages marqués et au regard perçant. Ajoutez même :“Tiens, ça c’est du Avedon dans ces reportages sociologiques sur l’Amérique”.

Je voudrais shooter “à la Avedon”. Des conseils?

“Photographier ce qui vous fait peur ou vous intéresse… ça aide à y faire face ou à voir les choses différemment. Ca donne du sens.”

• Aller en studio Avedon, qui était d’une exigence terrible envers lui-même, a choisi des les années 50 de s’enfermer en studio et de travailler avec des éclairages stroboscopique, la lumière naturelle ne le satisfaisant pas.

J’ai toujours une préférence pour le travail en studio. Il isole les gens de leur environnement. En un sens, ils deviennent des symboles d’eux-mêmes.

• Bouger ! Avedon pouvait aller jusqu’à danser autour de ses modèles. L’important c’est de mettre en avant les yeux et les mouvements, “là où on lit les qualités et les secrets du modèle”.

• On ne cherche pas à forcer le naturel: un portrait c’est une photo de quelqu’un qui sait qu’il est photographié. Un portrait n’est pas une ressemblance. Dès lors qu’une émotion ou qu’un fait est traduit en photo, il cesse d’être un fait pour devenir une opinion. L’inexactitude n’existe pas en photographie. Toutes les photos sont exactes. Aucune d’elles n’est la vérité.

• On travaille tous les jours!

” Si un jour passe sans que j’ai fait quelque chose en lien avec la photographie, c’est dur, comme si j’avais négligé quelque chose d’essentiel à mon existence, comme si j’avais oublié de me lever.

Andy Warhol

Quelques anecdotes pour briller en société

Avedon a été le premier photographe à travailler pour le New Yorker, (dont la spécificité éditoriale est de ne publier que des dessins). Certaines de ses séries défrayèrent la chronique ; mentionnons par exemple ses photos de Charlize Theron nue ou de Christopher Reeve dans son fauteuil. Ou sa série de mode post-apocalyptique mettant en scène Nadia Auermann et le squelette “In Memory of the Late Mr. and Mrs. Comfort” .

De qui sont les photos de cultissimes calendriers Pirelli de 95 et 97 ? De Mr. Avedon, eh oui.

Avedon n’aimait pas trop les autoportraits: il n’en a fait qu’une demi-douzaine dans sa vie. Mais comme on s’en doute, ils sont impeccables.

En 1959 il collabore avec le romancier Truman Capote pour un livre, Celebrations, sur les personnalités les plus célèbres et importantes du siècle.

Sa photo Dovima avec les éléphants au cirque d’hiver (photo mode pour robe Christian Dior) s’est vendue 719 000 livres chez Chritie’s en 2010. Oui vous avez bien lu. Près d’un million d’euro.

Dans la comédie musicale Drôle de frimousse (Funny face, 1957) le personnage du photographe Dick Avery joué par Fred Astaire s’inspire ouvertement de Avedon. Qui a d’ailleurs réalisé quelques photos du tournage. Il faut dire qu’on compte au casting Audrey Hepburn, qui fut une des muses du maître dans les années 50/60.

"In Memory of the Late Mr. and Mrs. Comfort" .

Pour aller plus loin…

On regarde Avedon travailler et on l’écoute parler dans Darkness and light, reportage et interview de 1995 (en anglais mais beau même pour les non-anglophones).

Puis on écoute Norma Stevens, qui fut son assistante, raconter (en anglais aussi) comment travaillait le monsieur.

En balade à l’étranger, on va voir les tirages en vrai, ça tombe bien, il y en a plein les musées, notamment au MOMA, Met, au centre Pompidou ou  à la National Portrait Gallery (Londres).

On se procure Evidence, livre qui lui valu le prix Nadar en 94 et qui, bien que contenant un très large éventail des photos d’Avedon (600)!, compte surtout de nombreux textes et essais sur son travail. Sacré pavé, mais vrai beau cadeau. Dans la série “livres pour frimer sur la table basse”, on peut aussi chercher chez les bouquinistes son Autobiographie, officiellement épuisée…

Enfin, l’avantage des grands classiques, c’est que n’importe quel livre-recueil est déjà un chef-d’oeuvre. Voilà quoi demander pour Noël!

Richard Avedon et Sophia Loren

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Cet essentiel de Richard Avedon vous a plu ? Lisez nos autres “Révisons nos classiques” !

• + Révisons nos classiques : Henri Cartier Bresson
• + Révisons nos classiques : Martin Parr

La photographie est un art aussi populaire qu’anonyme : très peu de photographes sont connus du grand public, et même des amateurs de photo. Pour y remédier, nous vous proposons notre rubrique, “Révisons nos classiques”. De manière claire et ludique, elle vous permettra de découvrir ou réviser vos classiques.

Aujourd’hui, notre série de portraits des incontournables de la photo se pose sur un photographe prolifique et sarcastique, aux airs de sociologue : vous saurez tout sur Martin Parr !

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Si on vous dit son nom, vous pensez:

• Anglais
• Couleurs criardes
• Tourisme de masse
• Société de consommation
• Gros plans
• Kitsh
• Classes sociales

Et aussi: plages bondées, couples déprimants, maillots de bains peu saillants, garden parties avec chapeaux, assiette de pudding dégoulinantes…

Inde, Goa, 1993

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Bien. Tout cela est juste. Profitons-en pour compléter un peu…

Né à Epsom dans le  Surrey en 52, Martin Parr, initié à l’amour de la photo par un grand-père passionné, étudie à la Polytechnic school de Manchester.

Ses premiers reportages, en noir et blanc, au milieu des années 80, réalisés dans le nord de l’Angleterre traitent déjà de ce qui sera son thème pour les décennies suivantes: capter les us et coutumes de ses concitoyens. Bad weather, sur le quotidien des jours de pluie et la passion des anglais à parler de la météo et Fair Day, sur une foire locale,  portent l’ironie mordante qui sera sa marque de fabrique.

Puis vient Last Resort (1986), série (en couleurs) sur les vacanciers anglais à Brighton, qui fait beaucoup parler de lui et amorce son thème chéri : les vacances.

Réunions entre gens d’une même classe sociale, fêtes pleines de conventions, repas alcoolisés et moments de repos (de vide?)… Voilà ce que Mr Parr immortalise inlassablement depuis plus de trente ans. Du reportage sociologique, anthropologique même, mais qui dénote avec les standards courants de l’époque. En 1994, et suite à bien des débats, il intègre l’agence Magnum. Sûr, ces images de couples qui s’ennuient (Bored People), de bibelots souvenirs et de gros américains en villégiature ne sont pas du goût de tous, au sein de la plus prestigieuse agence photojournalistique.

Budapest, bains thermaux, 1997

Parr ne couvre pas les guerres, les famines et les exodes de peuples désespérés, il s’attaque même plutôt aux maux inverses : la surconsommation en Occident. La richesse insolente. L’opulence débordante. La globalisation. La standardisation des modes de vie et des rêves. Les petits détails individuels deviennent sublimes et absurdes: un chapeau à plumes de paon, un bijou de portable, une chemise hawaïenne, le plissé d’un lourd rideau satiné… Passé au microscope et avec le sens satirique de Parr, le kitsh retrouve ses lettres de noblesse.

Parr travaille par série. Chaque série devient un livre (nous y reviendrons).

Parmi les dizaines de série aujourd’hui cultes, citons par exemple Signs of the Times: A Portrait of the Nation’s Tastes, pour laquelle il s’est invité chez des anglais de classes moyennes, pour photographier leurs intérieurs qu’ils annotent de petites citations des propriétaires. Simple, raconté comme ça, terrifiant quand on en vient à nous-mêmes regarder les bibelots de notre appartement…

On ne peut parler de lui sans mentionner aussi It’s a small world, série exposée partout dans le monde (ce qui semble un peu ironique): ces amusants clichés de touristes en k-way, armés d’appareils photos, posant et se photographiant devant tous les plus célèbres monuments. En voyant cette expo à Paris en 95, Cartier-Bresson lui dit: “Tu viens d’une autre planète”. “Je vois ce que vous voulez dire, répondit Parr. Mais pourquoi tirer sur le messager?”

Parr présente l’étalage de nos petites mises en scène sociales sous les néons sans pitié du supermarché de l’Occident. Joyeux et effrayant à la fois, devant ce petit “théâtre de l’ordinaire”, on hésite entre le rire, le dégoût ou le désespoir.

Angleterre, 1992, "A l'intérieur, c'est une fille vraiment gentille".

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En quoi a-t-il révolutionné la photographie?

Comme l’écrit le photographe américain Alec Soth, Martin Parr est le Jay-Z de la photo documentaire : On retrouve son influence partout.

Parr passe sans gène et sans rien changer de la photo d’art, du documentaire à la pub ou à la mode. Cela lui a valu des critiques, bien sûr, éthiques comme esthétiques. (Peut-on être critique sur l’univers du luxe tout en acceptant les chèques des marques les plus onéreuses?)

Parr garde le même style quelque soit le sujet et revendique vouloir faire “de la mode ne ressemblant pas à la mode” la rendre “crédible”… Débat moral légitime, certes, mais on ne peut que reconnaître en tout cas que la beauté et l’originalité des clichés ont ouvert des portes…

Paris, La mannequin Amy Weston, preparation pour le défilé Dior, 2001

Mais sans doute que l’influence de Parr est encore plus globale, et souvent inconsciente. Dès qu’on photographie un couple de japonais posant devant le Louvre, même sans le savoir, on cite Martin Parr. Dès qu’on met son flash en plein jour, dès qu’on sature un peu nos couleurs, dès qu’on immortalise notre cheeseburger…

Et plus les images nous submergent -”la propagande” comme il le dit lui-même-, plus voyager à l’autre bout du monde devient rapide, plus on expose les photos de nos soirée et de nos ongles vernis sur les réseaux sociaux plus le “monde Parr” semple s’étaler. Photojournaliste sociologue, Parr nous décrypte avec juste la distance qu’il faut.

“Le fait de nous prendre en photo dans un site touristique est devenu très important car il nous assure que nous appartenons à un monde reconnaissable”, écrit-il sur son blog.

Parr tend un miroir devant le centre commercial à la lumière fluorescente qu’est devenu notre monde… mais il ne se cache pas de son propre reflet.

Il a bien conscience lui aussi d’être un occidental consommateur et le satiriste ici ne prend jamais ses sujets de haut. C’est peut-être pour ça que ses portraits de cupcakes ont un intérêt que les autres n’ont pas…

Angleterre, West Bromwich

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A quoi reconnaît-on une photo de Martin Parr?

Vous l’aurez compris, les thèmes de Parr sont assez nets pour s’y retrouver facilement: loisirs, consommation et communication. Si l’ensemble dégage une vague impression d’ennui,  -”Ne jamais chercher le sourire” est chez lui une revendication- probablement que vous avez sous les yeux une photo de notre britannique.

Si le focus est mis sur un détail grotesque et que ce grotesque devient effrayant, vous pouvez alors dire “on dirait du Martin Parr” sans passer pour un inculte.

Quand à l’esthétique proprement dite, Parr se caractérise par ses couleurs outrageuses (Fuji 400 superior ; Agfa Ultra ou Fuki 100 pour la macro). Il utilise le flash, systématiquement (mais ne retouche jamais les couleurs a posteriori).

La plupart des photos sont composée avec plusieurs plans: le détail -disons le particularisme individuel- devant et l’univers social -le phénomène universel- derrière.

Et bien sûr, n’oublions pas l’amour extrême du gros plan, de plus en plus près, année après année.

“Je photographie de plus en plus des morceaux de gens… l’avantage c’est que ça les rend moins reconnaissables.”

Bangkok, Grand Palace, 1998

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Je voudrais shooter à la Martin Parr. Des conseils?

Avec le temps, on finit par comprendre le langage du corps. En général je ne regarde pas les gens que je photographie. Après non plus. Quand je veux une photo, je n’ai plus peur (…) Il y aura toujours quelqu’un pour objecter, refuser d’être photographié, alors on passe son chemin.

Pour aller shooter en gros plans des inconnus, on sourit… et on fonce.

Changez d’approche. Considérez-vous comme un photographe documentaire et donnez-vous le devoir d’enregistrer sérieusement votre famille.

Pour éviter les clichés de genre de la photo d’Art, lisez donc cet excellent post (en anglais).

Je pense souvent à ce que je photographie comme à un soap opera, où j’attends que le bon casting soit en place.

Niveau matériel, Parr utilisait, en reflex, un objectif Nikkor 60 mm Macro et un flash annulaire. Autre outil de prédilection : le Makina Plaubel 67 et son optique 55mm.  Depuis 2006, il est passé au numérique et utilise une configuration Canon EOS 5D Mark II + diffuseur Gary Fong + deux flashguns.

Avec le numérique, ce qu’il faut sans cesse ajuster c’est l’ISO.

Et surtout, pas de secret, pour parvenir à faire du Martin Parr, on mitraille : lui fait plusieurs dizaines de milliers de photos par an et s’il en a dix de bonnes dans le lot, c’est une bonne année !

Bread shop, Shkoder, Albanie, 1990

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Quelques anecdotes pour briller en société

Martin Parr est aussi connu en tant que collectionneur d’objets et bibelots incongrus: souvenirs de personnalités politiques (des théières à l’effigie de Margaret Thatcher !) et accessoires de propagande -par exemple une collection de montres Saddam Hussein et Ben Laden. Du kitsch sociologique, pourrait-on dire.

Parr reconnaît comme source d’inspiration le travail de Cartier-Bresson, Meyerowitz ou Eggleston. Mais le celui dont il est le plus clairement l’héritier, c’est John Hinde, photographe star des cartes postales!

Passionné par les livres de photo (auto-édités ou non, les siens sont tous de véritables perles, conçues comme des oeuvres à part entière), Parr a même écrit un livre photo sur… l’histoire des livres photo.

En 2002, il a également réalisé un clip pour les Pet Shop Boys : London.

Shangaï 2003

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Pour aller plus loin…

Prenez-vous déjà une bonne demie-journée pour parcourir tranquillement le web !

Débutez par son charmant site officiel, où l’on peut feuilleter ses livres et regarder des extraits de ses documentaires : anglaises en mini jupe sous la tempête, cup of tea, concours de chiens et de apple pies, tout le “Parrworld” en mouvement + le plaisir de l’accent roulant so british de Martin.

De là, on part lire son blog, pour découvrir le makinf of de ses séries tout en savourant ses formidables réflexions sur notre monde (son post sur la difficulté de photographier des fêtes à l’ère de Facebook!)

Après ça, un petit tour sur le site de l’agence Magnum s’impose pour tranquillement regarder ses… 19533 photos (!)

Si vous n’en avez pas encore assez, voilà une super interview (non sous-titrée mais très bien articulée) où on suit Parr en reportage à un derby.

Enfin, il est l’heure d’aller à la librairie du coin, savourer un de ses 50 livres, tous plus beaux les uns que les autres… Enjoy!

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Maintenant à vous de jouer: nous attendons vos photos inspirées de son oeuvre!

Un dernier conseil Mr Parr?

Trouvez l’extraordinaire dans l’ordinaire.

Tiré de "The last resort"

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+ le site de Martin Parr

+ le site de l’agence Magnum

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Parce qu’ils sont devenus indispensable autant pour le visionnage pour la prise de vue, les écrans arrière des appareils photos numériques ont évolué avec le temps. De part leur qualité d’image, mais également leur fonctionnalités, entre le tactile et surtout, les articulations. Voici quelques suggestions d’utilisation d’un écran orientable avec un Sony NEX-F3 et un SLT-A57.

1. Autoportrait
L’écran du petit hybride de Sony n’est orientable que selon un axe, mais il peut se tourner jusqu’à 180 degrés, très pratique pour les autoportraits. C’est l’une des tendances à venir des écrans orientables.

2. Viseur poitrine
Les appareils moyen format argentique, reflex ou twin lenses possédaient souvent un grand viseur qui ne nécessitait pas de porter l’appareil à l’oeil. Au contraire, l’appareil était maintenu au niveau de la poitrine.

En tournant l’écran de 90 degrés ( à l’horizontale) vous pourrez retrouver des sensations similaires à celle des Hasselblad 500 et autres. Cela offre une perspective un peu différente du classique “au niveau de l’oeil”. Autre avantage : discrétion assurée pour prendre des photos naturelles et spontanées, les street photographes seront aux anges.

3. Au ras du sol
Corollaire de la visée poitrine : Plus besoin de viseur d’angle ou de se coucher dans l’herbe pour prendre vos photos au ras du sol. Orientez l’écran à l’horizontale (comme au point 2.) et vous pourrez prendre des contre-plongées facilement, ou des prises de vue à ras du sol.

4. Par dessus les foules
Pas toujours facile de prendre des photos à l’aveugle au-dessus des foules – surtout lorsque l’on est pas très grand. C’est ici que l’écran orientable vous permet de surélever votre point de vue, sans perdre le contrôle de la prise de vue ! Petit conseil pour les écran de type 180° comme celui du Sony Nex-F3 : levez l’écran d’environ 120°, retournez l’appareil à l’envers et vous pourrez ainsi viser et shooter au-dessus des gens.

5. …Sans écran, sans soucis
Avoir un écran complètement orientable comme sur le Sony a57, c’est aussi la possibilité de le protéger durant le transport. Fini les rayures. C’est aussi l’occasion d’arrêter la fameuse pratique du “chimping” (vérifier l’image après chaque déclenchement) et apprendre à mieux contrôler son appareil, comme au temps de l’argentique. En plus de mieux réfléchir aux réglages vous aurez la surprise de découvrir vos images en rentrant chez vous !

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Ces 5 astuces, certaines évidentes et d’autres originales, montrent l’utilité des écrans orientables. Et vous ? Votre appareil en possède-t’il un ? Avez-vous vos propres utilisations ?

Reportage sur place.

1. Assister aux Rencontres de la photographie

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Cette 43^ème édition, malgré son titre – « Une école française »- qui pourrait sous-entendre la défense d’un particularisme national, brille par sa diversité. Le programme y est aussi varié que les lieux d’expositions , un parcours entre les époques, les pays, les styles qui s’inscrit avec enchantement dans le paysage urbain. 20 lieux, 60 expo,  des stages, des films, des rencontres, bref un rendez-vous familial à un tarif plutôt sympa (35 euro le pass toutes expos en plein tarif). De quoi s’en prendre plein les yeux (et en avoir plein les pattes en fin de week end).

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2. Se perdre dans les ruelles, l’appareil à la main

A Arles, le principal danger qui guette le photographe, c’est de tomber en rade de batterie ou de remplir trop vite sa carte mémoire.
Parce que la ville en elle-même donne envie de shooter à chaque coin de rue ! Des ruelles pavées sinueuses, des façades élimées, le Rhône vaste et lumineux (montez visiter les collections du Musée Réattu pour admirer les flots passant sous ses fenêtres), les cours cachées…
On n’hésite pas à se perdre pour tomber nez-à-nez sur des tirages photos collés à même les murs (notamment de belles séries sur les panneaux
publicitaires en Afrique qui illuminent les alentours de la rue de la République).
On grimpe derrière les arènes pour errer dans le calme quartier Hauture et rapporter des clichés dignes de Doisneau, on prend le frais dans le jardin en captant les tuiles orangées en contre-bas. On se faufile dans les couloirs de l’Hôtel Arlatan jusqu’à  profiter des photos autour de la plus belle et de la plus confidentielle des piscines (on n’est pas censés être là, alors chut !). On passe place du Forum pour jouer les Van Gogh du numérique et zoomer sur les arabesques de fer forgé.

Et si on veut y boire un verre, on opte pour le Bar des Aficionados, pour tirer quelques portraits virils des amoureux de la corrida, entre une tête de taureau empaillée et les dorures des costumes de torrero. (Conseil d’ami : on évite le café Van Gogh . Rien à voir avec la photo, c’est juste une mauvaise adresse).

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3. Traverser plus de 2000 ans d’Histoire

Pour les mordus d’Histoire, d’architecture et de la période gauloise, le centre-ville arlésien offre un patrimoine unique en France : tous les chemins mènent aux arènes, aux thermes et au  théâtre antique.  Des semi-ruines mais parfaitement vivantes, à visiter en journée et à redécouvrir à la nuit tombée quand les délicats éclairages mettent les pierres en valeur.
Et quand on croise à leurs abords des figurants habillés en centurions, on croit vivre les aventures d’Astérix !

A ceux qui préfèrent l’Histoire récente, le programme des Rencontres offre largement ce qu’il faut à se mettre sous la dent : une expo sur l’histoire de la revue Contre-jour, qui bouscula dans les années 70 le paysage de l’édition photographique.

Une passionnante rétrospective de l’histoire de la photo de mode, réalisée en partenariat avec le Musée de la Mode à Paris. L’occasion de
voir comment sur un siècle le rôle du mannequin, l’image de la femme, et donc du glamour, ont évoluées. Avec au passage quelques grands noms : William Kein, Bourdin, Man Ray…

Et surtout, il ne faut pas manquer l’extraordinaire série Gitans de Josef Koudelka : réalisés dans les années 70, ces portraits denses au grain et au cadrage envoûtants avaient fait l’objet d’un livre, devenu rapidement culte. Réédités dans une version plus conforme aux choix de
mises en page du photographe, Arles présente pour la première fois une version augmentée de la série. Un classique immanquable.

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4. Vouer un culte de la photo

A Arles, les expos n’ont pas lieu que sur les murs blancs de galeries huppées ou de musées froid. Et ça, ça change tout. On découvre les merveilles architecturales séculaires en même temps que les travaux photos les plus innovants. Des anachronismes qui font plaisir aux yeux.

L’église Sainte-Anne, le cloître St-Trophime, les chapelles, les abbayes, les couvents cachent entre leurs pierres les photos studio
graphiques et décalées de Grégoire Alexandre, les projections intimes d’Amos Gitaï ou des interviews de Claude Nori. De là à dire que la photo, à Arles, est une religion…

En plus, des photos éclairées à travers des vitraux et des espaces dans lesquelles il fait frais aux pires heures de l’après-midi, c’est tout de même plus agréable qu’une salle pleine de néons  et de clim à 12 degrés.

Pour ceux qui veulent s’exercer à la macro, on passe à l’espace Van Gogh admirer les parterres de fleurs.

Si vous n’en avez pas assez, de petites expos annoncées à coup d’affichettes sur les murs se cachent en marge du programme officiel, à
vous de les découvrir.

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5. Faire le tour du monde en quelques enjambées

Si la fameuse « école française » de la photo doit se définir par une seule chose, c’est sans doute sur son ouverture sur le monde. Cette année, les Rencontres mettent le focus sur l’Ecole Nationale de photo de Arles qui fête ses trente ans. Et dans ce laps de temps, la seule école du pays exclusivement dédiée à cet art a évidemment formé une belle quantité de talents. « Autant d’étudiants, autant d’unicité » comme dit Christian Milovanoff, qui y enseigne.

Les anciens étudiants ont bien bougé et nous rapporte quelques magnifiques témoignages comme on le découvre au Parc des  ateliers : Erwan Morère traverse l’Islande ou la Mongolie en noir et blanc dans sa voiture, Klavdij Sluban est parti pour une résidence exceptionnelle aux îles Kergelen, Sugnhee Lee s’arrête en Asie devant les panneaux publicitaires vides, Sammy Baloji photographie les campements des travailleurs des mines au Congo et les affiches chinoises qui les « décorent », les jumeaux Husen et Hassan Essop se mettent en scène dans un Proche-Orient mondialisé, Jonathan Torgovnik nous retourne le cœur avec des portraits—témoignages de femmes rwandaises victimes de viol
pendant le génocide.

Et pour compléter le tour du monde, la collection Jan Mulder (au Palais de l’Archevéché) nous présente un panorama de la photo latino-américaine. Grands noms et œuvres contemporaines se côtoient, le Machu Pichu brille à 70 ans d’intervalle, bref, la mission annoncée dans l’expo est remplie : on redécouvre le temps et l’espace.

Un tour du monde et un tel état des lieux faisable en deux jours et à pied, franchement, que demander de plus ?

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6. Mitrailler au Parc des Ateliers SNCF.

Si votre esthétique à vous, c’est plutôt le junk-space, le squat géant berlinois et le hangar désaffecté, là aussi, Arles est fait pour vous ! Car à dix minutes à pied du théâtre antique, se trouve un lieu gigantesque, écrasé de soleil et totalement éblouissant : le Parc des Ateliers SNCF.

Pour visiter ces cinq gigantesques hangars et les dizaines (on a perdu le compte !) d’artistes qui y sont exposées, on arrive dès l’ouverture et armé d’une grande une bouteille d’eau. Là, on découvre le travail de plusieurs générations d’anciens élèves, et la sélection de quelques professeurs émérites de l’école d’Arles.  On savoure les « accidents photographiques » de Jean-Christophe Béchet donc les pellicules brûlées superposent magiquement les scènes du quotidien, on frissonne dans les limbes du sommeil avec Jean-Louis Tornato puis on chausse ses lunettes 3D en carton pour pénétrer dans le monde éthéré et nostalgique de Mireille Loup où de délicates jeunes filles semblent suspendues dans des maisons de poupée.

Dans ces incroyables friches industrielles, encore pleines de tuyaux bizarroïdes, de compteurs à vapeur, de panneaux d’usines géants, toutes les séries prennent une dimension unique. On passe d’un univers poétique doux aux robots de pointe de la Nasa, d’un parc naturel d’Ardèche à la campagne présidentielle française ou aux catastrophes climatiques récentes.

Après tout ça, une bonne pause à la buvette s’impose et pour l’occasion, on s’offre une petite séance de tir photographique : une
vieille attraction de fête foraine ici recyclée. Une carabine et quatre plombs pour essayer d’atteindre la cible. Si vous mettez dans le mille, cela déclenche un appareil et une imprimante. Qui n’a pas rêvé de son autoportrait en chasseur ?

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7. Profiter de la vraie belle lumière

Eh oui, à Arles, il fait beau. Ce qui veut dire : une lumière resplendissante pour vos photos, des couchers et levers de soleil hautement photogéniques, de belles ombres à l’heure du dîner dans une ruelle mordorée. Et pas trace de ce ciel grisâtre qui plombe nos clichés panoramiques et font ressortir les cernes sur les portraits. Bref, vous n’avez aucune excuse pour rater vos photos.

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8. Se la jouer Martin Parr

Bon, revers de la médaille à tout ce joyeux programme, Arles en été est une ville assez peuplée. Ceci a évidemment un pendant positif : vous rencontrerez aisément des passionnés de photos avec qui discuter. Notamment les gardiens de salles qui souvent connaissent sur le bout des doigts l’expo en cours et se font un plaisir d’en parler. Mais beaucoup de locaux s’intéressent aussi aux Rencontres et discuteront avec enthousiasme le bout de gras avec le touriste autour d’un pastaga.

Et si les groupes de touristes agglutinés devant les arènes vont agacent, profitez-en , vous tenez là un inépuisable sujet de photo : regardez-les ces couples, ces groupes, ces familles qui posent, stoïques devant les portes en ruines, avec leur fausse jupe provençale, ne sont-ils pas photogéniques ? Hum ?

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9. Immortaliser son déjeuner.

Melons de Cavaillon, farcis niçois, légumes qui chantent : placez votre appareil à hauteur d’assiette, vous en soupirerez cette hiver quand les légumes du soleil seront loin. Et puis quoi, on sous-estime trop souvent le potentiel visuel d’une daube de toro. Instagram likes this !

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10. Dévaliser les librairies spécialisées

Celle d’Actes Sud risque de vous occuper un certain temps puisqu’une fois que vous aurez fini d’arpenter ses vastes rayonnages bien garnis dans tous les domaines, la terrasse au bord du fleuve vous permettra d’en commencer la lecture en dégustant des spécialités marocaines. Située juste à côté de la Chapelle du Méjan, vous pourrez ensuite aller y découvrir Pour la première et pour la dernière fois, installation de Sophie Calle. Et quand vous aurez vraiment trop mal aux pieds, sachez que la librairie Actes Sud fait également… hammam !

Chez Harmonia Mundi (en face de l’espace Van Gogh) vous trouverez les œuvres de presque tous les photographes exposés et de nombreux
grands classiques (l’occasion d’acheter enfin le Cartier-Bresson par Pierre Assouline, que vous aviez décidé de lire).

Enfin et surtout, pour découvrir plus de nouveaux  photographes, de projets farfelus, d’éditions à compte d’auteur et de petits bijoux pour orner votre table basse, gardez vous du temps (et de l’argent) pour la librairie du Parc des Ateliers (lieu 01 – Bâtiment de formation). A côté de la boutique souvenir, les vastes tables proposent quelques  pépites méconnues à ceux qui ne sont pas pressés.

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Après toutes ces raisons, nous attendons avec impatience vos plus belles photos en commentaires et dans la galerie… voire  une petite carte postale (Lense, 19 rue des Jeûneurs, 75002 Paris)

Bonnes vacances !

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+ le site des Rencontres d’Arles

+ le site de l’Ecole Nationale Supérieure de la Photo

Pour ce premier numéro, commençons avec celui qui fut surnommé “l’oeil du siècle” : le magistral Henri Cartier-Bresson.

Dimanche sur les bords de Marne, 1938

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Si on vous dit son nom, vous pensez:

• Agence Magnum
• Noir et blanc
• Photojournalisme
• Photo d’art
• Capa. Leica. Fondation
• “L’Instant décisif”

Et aussi : Un homme sautant au-dessus d’une flaque. Les premiers congés payés sur les bords de Marne. Des portraits, des foules, des événements historiques.

USA. New Jersey. 1975. Prison de Leesbury. Salle de confinement.

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Bien. Tout cela est juste. Profitons-en pour compléter un peu…

(Photographier) c’est mettre sur la même ligne de mire la tête, l’œil et le cœur. C’est une façon de vivre.

Né en 1908 et disparu en 2004, HBC a traversé le siècle en en offrant un témoignage d’une richesse unique. Cofondateur en 47 de l’agence Magnum avec Robert Capa, David Seymour, William Vandivert et George Rodger, il a été à la fois un des pionniers du photojournalisme et un extraordinaire photographe d’art. Entre 1933 où il réalise son premier photo-reportage en Espagne et 1970, où il pose son appareil pour se consacrer au dessin, il n’a cessé de se promener, partout, pour témoigner de la vie de ses contemporains.

Homme discret, passionné de peinture, il révolutionne la technique photographique en utilisant un appareil léger et au plus proche de l’oeil humain (Leica 50mm) et immortalise ainsi certains des plus grands événement du siècle passé. En 40 ans, HCB semble avoir été partout, toujours à un moment-clé. A la libération de Paris en 45 (il était alors dans la Résistance), en 54 quand Khrouchtchev laisse entrer des journalistes en URSS, en Inde quelques jours avant l’assassinat de Gandhi… et la liste est longue encore.
Portraitiste de génie, il offre des visions lumieuses de ceux qui croisent sa route. Qualifié -pour une fois à juste titre- de photographe “humaniste”, il fait ouvrir quelques années avant sa mort une Fondation qui présente son oeuvre et aide les artistes, notamment via le Prix HCB.

INDIA. Kashmir. Srinagar. 1948. Femmes musulmanes au sommet de Hari Parbal Hill, priant devant le lever de soleil sur l'Himalaya

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En quoi a-t-il révolutionné la photographie?

• L’innovation technique:

« Le leica peut être un gros baiser bien chaud, il peut être aussi un coup de révolver, ou encore le divan du psychanalyste »

Pensez: dans les années 1930, la photo cherche à capter un réel et les portraits posés foisonnent. Les appareils sont lourds. Cartier-Bresson, travaillant sans pied, sans chambre, au plus simple, à l’instinct, amène l’émotion au coeur du portrait et le hasard comme élément central de la composition. Spontané, intuitif et fait pour témoigner: c’est tout le processus photographique qu’il réinvente. De là, il trouve l’équilibre entre le photo-reportage, le photojournalisme, la photo-documentaire et la photo d’art.

• Photographe, peintre et géomètre:

« L’aventurier en moi se sentit obligé de témoigner, avec un instrument plus rapide que le pinceau des cicatrices de ce monde »

Quand HCB dit que pour lui “l’appareil photo est un carnet de croquis” ce n’est pas à la légère et c’est fondamental à sa démarche: il voulait être peintre. Il étudie avec le portraitiste Jacques-Emile Blanche, apprend la composition avec André Lhote et fréquente les cercles surréalistes. Ces trois facteurs seront fondamentaux dans son style photographique: la place de l’Homme dans l’image. Le cadrage. L’instinct (les surréalistes avaient recours à l’écriture automatique).

INDIA. Delhi. Birla House. 1948. GANDHI dictant un message, juste avant de rompre son jeûne

• Avec l’agence Magnum :

Pour « signifier » le monde, il faut se sentir impliqué dans ce que l’on découpe à travers le viseur.

Pour la première fois, des photographes s’unissent pour contrôler leurs choix de reportage, défendre leurs intérêts artistiques, politiques et économiques. 65 ans plus tars, l’agence Magnum reste la référence mondiale du photo-reportage. Présents dans tous les conflits, les plus grands noms de la photo, les images qui ont changé le cours de l’Histoire et alerté l’opinion, l’alliance d’une qualité esthétique sidérante et d’un engagement sans faille, Magnum a révolutionné la place de la photo dans le monde, et celles des photographes.

URSS. Ouzbekistan. Samarkand. 1972

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A quoi reconnaît-on une photo de Cartier-Bresson ?

On repère d’abord ses noirs et blancs tranchés, brillants et profonds. Il n’utilisait jamais de flash, qu’il craignait “comme la détonation d’un revolver au milieu d’un concert”.
On note qu’il y a quasiment toujours au moins une personne, même lointaine sur ses images (où à la limite, des animaux, mais alors dans des attitudes étrangement humaines).

Dans ses portaits (de célébrité aussi bien que de passants) le sujet n’est pas au centre, il s’inscrit dans un univers plus vaste. Il n’est l’objet unique de l’attention, mais un élément d’une composition. C’est ce qui les rend aussi superbes que touchants.  Il y a dans son oeil quelque chose du géomètre.
Ces compositions parfaites, ces géométries spatiales toutes en symétries et en lignes de fuite, c’est une des plus nettes caractéristiques du style Cartier-Bresson. Parfois c’est comme si plusieurs scènes cohabitaient ou se répondaient en miroir. Ses photos ne sont jamais recadrées (Jamais! et il se battait là-dessus avec les journaux qui ne l’écoutait pas forcément), jamais retouchées, jamais posées.

URSS. Estonie. Tallinn. 1973. Entraînement pour un concours de danse.

Les photos de Cartier-Bresson sont des témoignages, mais souvent un peu décalés. C’est le charme de l’instant volé, suspendu. Il déclanche au moment exact où le hasard place les diiférents éléments au bon endroit. Devant son objectif, c’est comme si le cosmos orchestrait les corps, les mouvements, la lumière pour qu’ils convergent, se répondent en un puzzle complexe.
Ses images sont un climax et pourtant elles semblent simples, humbles. Suspendues en l’air, elles laissent l’imagination du spectateur rêver à l’avant et l’après, tout en s’émerveillant que cet instant précis ait pu être imprimé sur pellicule.

C’est presque ce qu’il y a d’étrange chez Cartier-Bresson: même quand il photographie l’horreur, la mort, les foules, les catastrophes, son oeil parvient à déceler une beauté simple et pure, sans jugement, il témoigne de la composition et de la richesse du monde.

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Je veux faire comme lui. Je fais comment?

“Je marchais toute la journée l’esprit tendu, cherchant dans les rues à prendre sur le vif des photos comme des flagrants délits.”

Cet art de l’image volée, suspendue, parfaitement composée a un nom et HCB a eu l’amabilité de largement l’expliquer: c’est le concept de “l’instant décisif”, qu’il expose dans la préface son premier recueil paru en 1952, Images à la sauvette.

Photographier : c’est retenir son souffle quand toutes nos facultés convergent pour capter la réalité fuyante ; c’est alors que la saisie d’une image est une grande joie physique et intellectuelle.

Chercher, suivre ou attendre le sujet, voilà ce qu’il vous reste à faire.

Photographier : c’est dans un même instant et en une fraction de seconde reconnaître un fait et l’organisation rigoureuse de formes perçues visuellement qui expriment et signifient ce fait.

Attendre le mouvement, le “quelque chose” qui survient dans le cadre, se fier à son intuition…

Cette attitude exige de la concentration, de la sensibilité, un sens de la géométrie. C’est par une économie de moyens et surtout un oubli de soi-même que l’on arrive à la simplicité d’expression.

« S’il n’y a pas l’émotion, s’il n’y a pas un choc, si on ne réagit pas à la sensibilité, on ne doit pas prendre de photo. C’est la photo qui vous prend ! »

FRANCE. Paris. 6ème arrondissement. Rue des Grands Augustins. Pablo PICASSO chez lui. 1944

Quelques anecdotes pour briller en société

- Si “Cartier” est finalement devenu photographe et a abandonné sa carrière de peintre, c’est en partie grâce à la célèbre mécène et collectionneuse Gertrude Stein. En effet, le jeune Henri était venu lui présenté ses oeuvres à la fin des années 20. Elle le découragea de poursuivre dans cette voie. Et c’est ainsi qu’il parti en Afrique et réalisa ses premiers clichés.

- Une exposition posthume de Cartier-Bresson a eu lieu au MoMA… en 1947! prisonnier de guerre, on le croyait disparu. Il a finit par venir en personne superviser l’exposition.

- Passionné de cinéma, outre ses reportages sur l’Espagne en 37/38 et Le Retour sur les prisonniers de la Seconde Guerre Mondiale, HCB a été l’assistant de Jean Renoir entre 1936 et 39. Il joue même un petit rôle dans La Règle du jeu.

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Pour aller plus loin…

De passage à Paris, commencez par aller visiter la Fondation HCB.
Ensuite un immense choix d’ouvrages s’offre à vous. Débutez par Images à la sauvette (1952) et sa célèbre préface, puis passez aux biographies, notamment celle de Pierre Assouline L’oeil du siècle et celle de Clément Chéroux Tir photographique (chez Gallimard).
Puis offrez-vous le magnifique coffret DVD (MK2) qui contient cinq documentaires réalisés par HCB ainsi que des analyses de son oeuvre.
Et si vous passez à Cherbourg d’ici au 2 septembre, l’exposition Henri Cartier-Bresson/Paul Strand, Mexique 1932-134 vous attend au Point du Jour.

Maintenant à vous de jouer: nous attendons vos photos inspirées de son oeuvre!

Mexico, 1963

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+ le site de la Fondation Henri-Cartier-Bresson
+ le site de l’agence Magnum

sources: Wikipedia, Photogénique, The New Yorker, studio-plus.fr

Les photos de cet article proviennent du site de l’agence Magnum.

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Donnie Hoyle, sa voix traînante, son cynisme et ses conseils qui fonctionnent mine de rien, sont devenus célèbres dans le milieu des photographes et graphistes avec “You Suck At Photoshop“. Ces parodies de tutos pour le célèbre logiciel Adobe se moquaient gentillement des travers des pros comme des wannabee, souvent avec réussite.

Nous ne pouvons que vous conseiller des perles comme Covering Your mistakes.

Après 4 années d’absence, YSP est de retour avec des fonctionnalités phares de Photoshop 6 : les Puppet Warp et Content-Aware Fill :

Nous vous conseillons évidemment de dévorer toutes les vidéos de Donnie pour tout connaître de Photoshop… Autrement.

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+ Chaîne Youtube

Avec l’aide de son équipe, le professeur Marc Levoy de l’université de Stanford a mis à disposition des petites applications pour aider à comprendre ces notions essentielles dans le domaine photographique.

Un must-read, quelque soit votre niveau en Photo !

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Chercheur influent dans le domaine de l’imagerie numérique, Marc Levoy participa à l’élaboration et la conception de nombreux projets innovants dans ce domaine. On peut par exemple citer ses travaux sur la création de modèles numériques des sculptures de Michelangelo Buonarotti, dit Michel-Ange ; et sur la théorie du “Light field” qui sont à l’origine des appareils photographiques plénoptiques dont est issu le fameux Lytro. Il collabora également avec Google sur certains de leurs projets phares (dont “Street View”, et le scanner de bouquins utilisé par leur service “Books”) ; d’ailleurs, il travaille actuellement sur un autre projet tenu secret avec ladite firme.

Pour en revenir au sujet principal, Marc Levoy propose donc un cours sur la photographie aux étudiants de l’université de Stanford ; dont les présentations et notes de la session 2011 sont accessibles en anglais à cette adresse. Afin de les aider à comprendre, son équipe et lui ont conçu des petites applications assez didactiques. En jouant avec les différents paramètres, ces graphiques interactifs vous permettront d’aborder plusieurs notions que l’on cite régulièrement dans les discussions un brin techniques.

Ces notions sont réparties ci-dessous sur plusieurs catégories avec des difficultés allant de tout niveau. Cependant, il vous faudra maîtriser un peu la langue de Shakespeare si vous souhaitez assimiler et maîtriser les différents points suivant :

• Paramètres influençant l’exposition

L’exposition d’une photo dépend à la fois de la sensibilité en ISO, du temps d’exposition et de l’ouverture de l’objectif. Outre le mode manuel où vous pouvez changer indépendamment les trois paramètres, les modes semi-automatiques sont également proposés : Ts/S pour le choix de la vitesse, ou Av/A pour l’ouverture.

• Physique relative aux lentilles minces

Dans cette partie, on peut observer que la réalité projetée au travers d’une lentille subit une transformation 3D, il y a là un effet de perspective.

• Physique relative aux lentilles gaussiennes

Suite à la précédente partie, on introduit cette fois-ci la notion de longueur focale d’une lentille, grandeur qui influence la position de l’image d’un point de l’espace réel. Cette application montre également les effets de la variation de la focale équivalente à un zoom ; des limites imposées par un capteur et le principe de grossissement.

• La profondeur de champs et ses dépendances

Cette application montre comment la longueur focale, l’ouverture, la distance du sujet et la taille du cercle de confusion influencent la profondeur de champs.

• Les zooms téléobjectifs

Ici, Marc Levoy présente la physique intervenant dans une version simplifiée d’un zoom du type téléobjectif.

• La convolution spatiale

Sans trop rentrer dans les détails et de façon imagée, une convolution est « une fonction de fonction mathématique ». En effet, on peut appliquer une transformation à une fonction sans connaitre les paramètres que l’on va injecter dedans. C’est le principe utilisé par les filtres numériques. Avec cette application, vous pourrez observer l’effet de fonctions simples ou personnalisées sur une photo numérique.

• L’autofocus utilisant la détection de phase

Avec la présence d’une surface réfléchissante comme un penta-prisme ou un penta-miroir, les reflex ont un principe d’autofocus automatique basé sur une correspondance de phase par triangulation. Avec cette application, vous pourrez recréer la démarche effectuée par l’autofocus afin de faire converger les rayons lumineux vers le capteur après la bascule de la zone réfléchissante.

• L’autofocus utilisant la détection de contraste

Au contraire, les appareils dépourvus d’une surface réfléchissante comme les APN ont un autofocus basé sur le changement de contraste. En effet, l’appareil balaye différentes longueurs focales jusqu’à atteindre le maximum d’intensité au niveau du ou des collimateurs sélectionnés.

• La correction du Gamma

Cette petite application montre l’importance du Gamma sur toute la chaîne de gestion de l’image, de l’appareil photo numérique, en passant par l’OS et l’écran, jusqu’à l’impression. Différents exemples de réglages vous sont proposés.

• Introduction à la colorimétrie

Le numérique reproduit l’ensemble du spectre des couleurs en associant des couleurs dites primaires. Le modèle le plus usité est la trichromie qui comporte le rouge, le vert et le bleu (RVB, ou RGB en anglais). Le profil de couleurs observées par la vision humaine peut ainsi être recomposé en fonctions chromatiques distinctes (ou fonction trichromatique) selon le modèle choisi.

• Correspondance des couleurs

Avec cette application, essayez de reconstituer lesdites fonctions chromatiques en retrouvant chaque couleur selon les différentes parts de bleu, rouge ou vert qui la composent. Vous devriez retrouver le profil colorimétrique de la vision humaine.

• Les diagrammes chromatiques

Toutes les teintes peuvent ainsi être représentées dans un graphique en 3D selon un référentiel donné comme par exemple la part respective de rouge, vert et bleu dans le modèle RVB. Dans cette partie, explorez les diagrammes chromatiques et la signification du profil 2D des couleurs perceptibles.

• Le profil du Gamut

Chaque type de support (e.g. capteurs numériques, écrans, encres d’imprimantes ou peintures) a une étendue de couleur limitée, liée aux contraintes physiques des matériaux qui le composent, qu’il est possible de définir et appelée gamut. Celui-ci ne peut décrire toutes les couleurs visibles par l’œil humain. Plus précisément, il peut faire apparaître toutes les teintes mais pas toutes les saturations.

• Les mélanges additifs ou soustractifs de couleurs

Un écran affiche une teinte par addition de différentes couleurs primaires. Au contraire, une imprimante donne une couleur par un mélange soustractif. Pour preuve, l’imprimante peut mélanger toutes les couleurs primaires afin d’obtenir du noir alors que l’écran aucune. Le but de cette application est de montrer pourquoi, pour proposer la plus grande gamme de couleurs, les couleurs primaires utilisées par les écrans sont généralement du type RVB ; et pour les imprimantes, ces couleurs sont le cyan, le magenta et le jaune (CMJ, ou CMY en anglais). Mais sont-elles les seules solutions possibles pour représenter l’ensemble des couleurs visibles? A vous d’y répondre en jouant avec les spectres des longueurs d’onde utilisés par chaque couleur primaire. Ce petit exercice permet aussi de comprendre pourquoi un gris neutre est généralement utilisé pour le calibrage de la balance des blancs.

• Les panoramas cylindriques

Cette dernière application présente une démonstration intéractive en 3D du processus utilisé pour la construction d’un panorama par le biais d’une projection cylindrique.

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Le petit cours s’achève ici. Si cela vous intéresse et que vous avez la possibilité de vous rendre en Californie, la session 2012 devrait commencer sous peu. En tout cas, si vous avez des questions (e.g. traduction, technique), n’hésitez pas à laisser un message dans les commentaires ou à venir nous rejoindre sur le forum pour discuter de toutes ces notions plus en détail.

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+ Cours de photographie numérique par M. Levoy, Printemps 2011

+ via

Applicable pour différents effets (les fameuses roues de voiture, les hélices d’avion etc.), cette vidéo montre que l’effet figé peut s’appliquer autre part et apporter un effet très sympathique dans vos vidéos. A garder dans un coin de la tête !

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Update : une nouvelle vidéo en dit plus : il faut accorder la fréquence de votre enceinte avec le framerate de votre caméra pour obtenir cet effet : ex. 24hz pour 24 images par secondes. (merci Bapt)

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+ via

Aujourd’hui, nous allons parler du premier volet du logiciel d’Adobe, la Bibliothèque.

La première étape dans la gestion est le développement des photos consiste à les importer dans la bibliothèque. Bien que cette étape soit simple, Lightroom propose des optionss qui faciliteront l’organisation des photos, leur développement ou encore la sauvegarde. Venez découvrir ces options détaillées dans le nouveau guide vidéo.

Les options d’importations de Lightroom sont nombreuses. Il est tentant de les laisser par défaut pour ajouter simplement les photos dans la bibliothèques. Toutefois, prendre un peu de temps pour régler les options peut vous en faire gagner beaucoup dans la suite du workflow.

Rappels des raccourcis :

• F7 : Afficher/Masquer le panneau de gauche
• E : Affichage des photos en mode loupe
• G : Affichage des photos en mode grille

Et comme toujours, n’hésitez pas à poser vos questions et vos remarques dans les commentaires.

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Vincent Laforet est l’un de nos photographes et vidéastes préféré. Et accessoirement, ce professionnel américain est également l’une des références mondiales en terme de HDDSLR (filmer avec des reflex), ambassadeur pour Canon.
Travaillant désormais plus avec des caméras dédiées comme la RED Epic ou la Canon C300, Laforet ne délaisse pourtant pas le Canon EOS 5D Mark II qui a changé sa carrière de la photo à la vidéo, de la reconnaissance des pairs à la célébrité mondiale.

Dans cette vidéo, son partenaire Jon Carr résume tous les réglages pour optimiser la prise de vue avec un 5D Mark II, qui risque de connaître une seconde carrière avec son nouveau tarif… C’est en anglais, mais facilement compréhensible :

Bien sûr, la plupart de ces réglages et surtout, leur philosophie, s’appliquent à la plupart les HDDSLR :

• Gardez un maximum de matière en limitant le contraste et la saturation
• Le piqué numérique est l’ennemi du “rendu film”
• Vérifiez votre vitesse et vos ISOs
• Le réglage fourni par Technicolor peut s’avérer intéressant

A vous ensuite d’affiner votre ensemble de réglages, selon votre matériel, votre expérience et surtout, vos préférences !

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+ Blog de Vincent Laforet

+ Chaîne Vimeo de Vincent Laforet

Les masques de fusion et les calques de réglages.

En bonus, je vous livre une astuce pour mieux apercevoir les coups de pinceaux que l’on applique. Donc, on se concentre, on lance Photoshop et c’est parti !

Cette seconde édition de D&R aura un côté assez scolaire, mais ne vous inquiétez pas, cela en vaut la peine : la notion est réellement importante et sa maîtrise se révélera indispensable pour nos prochains guides. Du coup, je vous encourage à suivre et réaliser ce guide plusieurs fois, avec différents calques de réglages (courbes, niveaux, etc…) afin de bien intégrer cette notion.

Sans plus attendre, voici les masques de fusion et les calques de réglage. Enjoy !

Je mentionne à un moment l’utilisation d’une tablette. Pour ceux qui ne connaissent pas : la tablette graphique est un outil particulier qui simplifie la retouche, et le dessin en tout genre, car il apporte précision et rapidité. J’utilise une Wacom Intuos 3 A4. Soit un vieux modèle qui fonctionne toujours bien. Comme vous avez pu le voir Wacom a sorti des nouveaux modèles il y a peu de temps. Dans l’absolu, une tablette facilite énormément les retouches et manipulations locales.

A très bientôt pour un prochain numéro, n’hésitez pas à laisser vos impressions en commentaires, ainsi qu’à poser vos demandes sur les sujets que vous souhaiteriez voir sur le forum !

Aujourd’hui, retour aux bases avec une présentation de l’interface graphique.

Si l’interface graphique de Lightroom n’a pas beaucoup changée depuis les toutes premières versions, elle reste une référence et contient plein de petites attentions. Je vous présente ici l’interface de la version 4 qui propose de nouvelles fonctionnalités ainsi que quelques raccourcis bien utiles.

Vous l’aurez compris, la maîtrise de l’interface de Lightroom s’avère plutôt accessible, mais en connaître toutes les ficelles demandera quelques temps en sa compagnie. N’hésitez pas à fouiller !

N’hésitez pas à poser vos questions dans les commentaires, elles pourront faire l’objet d’une prochaine vidéo.

Pour rappel :
+ Les nouveautés dans Lightroom 4
+ La liste des tutoriels pour Lightroom
+ Le lien vers la version Lightroom 4 beta (encore gratuit et actif)

Cette excellente vidéo éducative (en anglais) de Dylan Bennett vous permettra d’y voir bien plus clair sur la théorie et le fonctionnement de ce critère fondamental de l’image :

Si vous avez des questions (traduction, technique…), n’hésitez pas à les poser dans les commentaires !

+ via

Hello par ici !

Cela fait un petit moment que je vous ai promis cette rubrique, et voilà le premier épisode. Pour ceux qui ne connaissent pas le principe, “Demandez & Retouchez” est une rubrique participative :

• vous posez vos questions sur les retouches photo
• je prends note des requêtes et en sélectionne une
• je produis un tutoriel vidéo accessible, qui se mariera très bien avec les longues lectures de forum pour rechercher un type d’effet particulier

A noter de plus :

• ces tutoriels sont centrés sur Photoshop, la référence incontournable de la retouche d’image
• pour me proposer un thème de retouche, veuillez poster sur le topic du forum, dédié à cette rubrique

Sachez enfin que le but de “D&R”, c’est bien de découvrir et maîtriser Photoshop. Il ne s’agit pas pour vous de reproduire chaque étape que je vous montre à la lettre sans comprendre de quoi il s’agit. Chacune de ces vidéo vous montre en un temps réduit les possibilités de Photoshop. Retenez les bases et servez-vous en pour approfondir et expérimenter !

N’oubliez pas de mettre la vidéo en HD (en cliquant sur la petite route crantée et en sélectionnant “720p”.

J’espère que cette rubrique vous plaît. N’hésitez en tout cas pas à m’envoyer vos demandes de retouches sur le forum.

Le prochain numéro sera pour bientôt !

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Qu’est-ce qu’un time-lapse ?

Un time-lapse est une succession de photos prises à intervalles réguliers permettant une fois le tout réuni d’obtenir une vidéo. La spécificité d’un time-lapse est de pouvoir avoir des vidéos dont le temps est accéléré. On obtient donc une séquence avec un temps plus court que l’action initiale. Par exemple, grâce à la technique du time-lapse, pour obtenir une vidéo de l’ouverture d’une fleur, on obtiendra une séquence finale de quelques secondes alors que dans la réalité, il faudrait une vidéo de plusieurs heures, voire plusieurs jours.

Le principe est très simple : on sait qu’une vidéo est tournée à 24 images / secondes. Pour le time-lapse, il suffit de remplir ces “24 images” par “24 images avec un intervalle donné (et régulier)” pour obtenir une seconde de film. Facile non ? Le plus dur étant de connaître justement le bon intervalle à choisir en fonction des conditions de prises de vue.

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Le matériel

Pour la prise de vue, vous aurez besoin de deux accessoires indispensables : un trépied et un intervallomètre.

Le trépied servira à stabiliser votre ensemble boitier / objectif. Bien entendu, on ne reviendra pas sur le choix du trépied : s’il y a bien un investissement à faire, c’est bien dans un trépied (et puis c’est bientôt Noël…) : entre un bas de gamme à 40 euros qui risque de tomber au moindre coup de vent (avec votre matos photo au passage, et un trépied plus solide et stable (on en trouve des très bons à un prix de départ d’une centaine d’euros), il n’y a pas à hésiter. De plus, penser à lester votre trépied, vous n’êtes jamais à l’abri d’un coup de vent dévastateur.

L’intervallomètre va vous permettre de définir l’intervalle entre chaque prise de vue, mais également de pouvoir le déclencher de façon automatique et bien au chaud (et je peux vous assurer que lorsque vous shootez en pleine montagne et en plein désert, vous êtes content de savoir que votre appareil fait son travail comme un grand). Il existe des intervallomètres externes mais les Nikonistes ont la chance de posséder un intervallomètre de base dans leurs boitiers (ce qui n’est pas forcément le cas chez les concurrents, notamment Canon où seul les modèles 1D ont un intervallomètre intégré dans le grip).

Personnellement, mon choix s’est porté sur l’intervallomètre externe Hahnel Giga T Pro :

Mais si vous vous sentez l’âme d’un bricoleur, il existe de nombreux tutoriels sur internet vous permettant de créer votre propre intervallomètre. De même, il existe des firmwares modifiés pour nous appareils photos avec des options plus avancées et notamment l’intervallomètre.

Si vous shootez en intérieur ou si vous pouvez avoir accès à une prise de courant, il est possible de brancher un ordinateur à votre appareil photo et via les logiciels constructeurs pour déclencher avec des intervalles réguliers.

Je rajouterais également dans la liste une deuxième batterie et des cartes mémoires de haute capacité en fonction si vous enregistrez en RAW notamment.

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La prise de vue

Comme énoncé plus haut, le plus important sera de connaître votre intervalle entre chaque prise de vue. Cet intervalle est facile à connaître : en effet, il doit être strictement supérieur au temps de pose de votre cliché.

Par exemple, si vous prenez un ciel étoilé avec un temps de pose de 30 secondes, votre intervalle sera supérieur à 30 secondes.

Attention, il faudra aussi prendre en compte un certain temps supplémentaire lié à l’enregistrement de votre photo sur votre carte (comptez entre 1 et 5 secondes).

Voici quelques exemples de temps de pose en fonction de ce que vous voulez capturer :

• 1 seconde : trafic / nuages rapides / passants en pleine journée (pensez à un filtre gris !)

• Entre 1 et 5 secondes : coucher de soleil / nuages

• Entre 15 et 30 secondes : Soleil dans le ciel / déplacements des ombres sur le sol

• Entre 30 secondes et 60 secondes : Etoiles, Voie Lactée

• Plus long : plantes, chantiers …

Pour calculer votre intervalle de façon plus précise :

Par exemple, vous désirez prendre un ciel étoilé d’une durée de 2h pour en faire une vidéo d’environ 2s, il vous faudra donc :

2h = 120 minutes = 7200 secondes

Calcul : (7200/(2*24)=150 secondes soit un intervalle toutes les 2 minutes 30 (24 étant les 24 img/s).

Au niveau de la prise de vue, c’est très simple :

• Faire la mise au point manuellement (pour un ciel étoilé vers l’infini)

• Régler votre sensibilité (isos) au plus bas possible.

• Régler votre balance des blancs (ou alors shootez en RAW, ce qui impliquera plus de place sur vos cartes mémoires).

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Montage

Le montage est finalement ce qui a de plus rapide car hormis quelques retouches au besoin, le reste (notamment la création de la vidéo) se fait plutôt rapidement :

Une fois les photos prises (ici 33 photos), il suffit de les récupérer via votre dérawtiseur (ici Lightroom) et de les exporter en jpeg :

Puis de les monter via un logiciel de montage vidéo (ici Final Cut Pro X) mais vous pouvez utiliser de nombreux autres outils bien plus légers (et gratuits) comme ffmpeg ou encore Time Lapse Assembler. Il ne vous reste plus qu’à trouver une bonne musique et le tour est joué !

Résultat (un peu court):

Voici pour finir quelques exemples de très beaux timelapses, avec l’utilisation notamment de Dolly, appareil permettant de réaliser des travelling motorisés (déplacements latéraux de la caméra) :

L’hyperfocale permet de prendre des photos nettes sans faire la mise au point.

Cette méthode s’appuie sur la profondeur de champs et la distance de focus. Ces deux paramètres dépendent de l’ouverture et de la focale mais on va oublier la focale pour le moment. Pour rappel, l’ouverture c’est les nombres f/xx. D’ailleurs en anglais on les appelle les fnumber. Plus le fnumber est petit et plus la profondeur de champs (ou zone de netteté) sera faible et inversement.

La bague mise au point va déplacer la distance de focus. Plus la distance de focus sera grande, plus la profondeur de champ sera grande également.

Le principe de l’hyperfocale consiste dans un premier à se placer à un grand fnumber , par exemple f11, f16 voire f22. puis à régler la bague de mise au point pour que le focus commence entre 1 et 3 m. Ainsi, la zone de netteté pourra s’étendre de 1 m à l’infini ou presque.

Souvent les objectifs de reflex numériques avec autofocus ne permettent pas d’utiliser l’hyperfocale. Ce n’est le cas de la plupart des objectifs des reflex argentiques. Petite vérification pour en avoir le coeur net. L’objectif doit avoir :

• un point/trait pour régler le focus
• une bague qui indique la distance de focus en mètre et/ou en pied
• au moins deux traits de part et d’autre du point de focus qui indique la zone de netteté

Par exemple, l’ouverture est reglée à f/11, la distance de mise au point à 3 m et la zone de netteté indiquée par les traits bleux, s’étend entre 7 et 20 pieds (2,15 et 6 m).

Reste maintenant à régler la vitesse. Pour cela, on peut se fier à la règle “sunny 16″.

Un dernier petit conseil, essayes de shooter sans viser pour encore plus de discrétion, par exemple avec un reflex numérique pour éviter de cramer des péloches.

En bonus, une vidéo d’Erik Kim, un street photographer à L.A. avec quelques conseils sur la photo de rue.

Pour les photographes d’architecture, les perspectives posent de vraies problèmatiques. Par exemple, si vous voulez prendre en photo un grand immeuble, vous allez cadrer en contre plongée (prise de vue par en dessous) avec un grand angle. Résultat : le bâtiment prend la forme d’une pyramide, se retrouve écrasé et les lignes verticales fuient.

Une solution serait de cadrer plus large (avec un grand angle) puis de corriger les problèmes de perspectives sous Lightroom ou Photoshop. Mais via cette opération, vous allez devoir recadrer, perdant donc des informations, avec cela une perte de la qualité de votre cliché.

Avec un objectif à décentrement, on va pouvoir directement à la prise de vue corriger ces perspectives, sans recadrage :

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Mais avant, nous allons voir la notion de cercle de netteté : vous le savez, c’est votre objectif qui laisse passer la lumière à travers un jeu de lentille, puis à travers un diaphragme : votre image arrive dans votre boitier sous forme circulaire. Puis celle-ci arrive sur votre capteur (ou pellicule) de forme rectangulaire (ou carré en fonction de la pellicule). Ainsi on projette sur votre capteur une image circulaire : pour que votre cliché soit net, le cercle doit couvrir votre capteur ou votre pellicule : c’est ce qu’on appelle le cercle de netteté :

Un objectif plein format classique offre un cercle de netteté d’environ 43mm. Un objectif à décentrement couvre lui une surface bien plus importante, de l’ordre de 60 à 80mm de diamètre : le cercle de netteté étant donc plus grand que votre capteur, il sera possible de placer votre image comme bon vous semble dans ce cercle : en déplacement de haut en bas, mais également de gauche à droite, grâce à un système de molette.

Le Canon TS-E 17mm f/4.0L

Souvent, sur les objectifs dits à décentrement, il sera possible de modifier l’orientation des lentilles permettant d’avoir une mise au point différente sur la photo : c’est ce qu’on appelle la bascule. Et c’est cette fonctionnalité qui va nous faire accéder au versant créatif de ces objectifs si spéciaux.

Grâce à la bascule, on pourra par exemple faire une mise au point vers l’infini sur un bord de la photo, et sur l’autre bord faire une mise au point à courte distance. Cela implique sur les photos un effet du style maquette ou Toy Effect, très en vogue ces derniers temps.

cc B-rob (http://www.b-rob.com/)

Cet effet maquette est d’ailleurs souvent utilisé dans les timelapse dont voici deux vidéos qui exploite les objectifs à décentrement :

Toy Soldiers from Alta Media Productions on Vimeo.

The Sandpit from Sam O'Hare on Vimeo.

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Alors oui, les objectifs à décentrement sont extrêmement chers (plus de 2300€ pour le Canon TS-E 17mm f4 !), sans autofocus et assez longs à manipuler, surtout si vous n’êtes pas spécialisés en architecture. Il existe heureusement des solutions moins onéreuses comme les Lens Baby par exemple donc le fonctionnement est identique, mais donc la qualité finale est en deçà des vrais objectifs à décentrement. Ou se rabattre sur des objectifs argentique du type Volna par exemple.

Notre conseil ? Si vous êtes motivés, achetez-en un d’occasion à plusieurs : ce type d’objectif reste fascinant, sans être utilisé tous les jours…