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Alors que la plupart des labos photos délaissent l’argentique, nous avons rencontré l’équipe de l’Atelier Publimod, niché au coeur du Marais et spécialisé à 100% dans le développement et le tirage de vos négatifs. Ici au moins, on n’entendra pas “Une planche-contact ? Euh… non je vois pas…” Rencontre et interview croisée avec une partie de l’équipe: Brigitte, Pascal et Philippe.

Lense : Quel est l’histoire de l’Atelier Publimod ?
L’Atelier Publimod : Nous avons ouvert en octobre 2007 rue de Sévigné, mais avant nous étions rue du Roi-de-Sicile. Le labo s’appelait à l’époque Publimod Photo et existait depuis 1965. Malheureusement il y a eu liquidation judiciaire. Nous avons décidé de reprendre l’affaire sous forme de coopérative, car on était persuadé qu’il y avait une niche pour l’argentique et qu’on s’en sortirait.
En 1965, ça n’existait pas le numérique ! Nous proposons toujours tous les services de l’argentique, tous les développements de films, des tirages très grands formats grâce à un agrandisseur traditionnel. Le pari, c’était vraiment les deux premières années et cela va bientôt faire 4 ans !

L : Vous êtes un labo écolo…
AP : Oui mais cela n’a rien d’exceptionnel, tous les laboratoires photographiques ont désormais obligation légale de recycler les chimies. Par contre, là où nous avons innové, c’est dans l’adaptation de nos machines aux nouvelles exigences écologiques, en les rehaussant, en leur ajoutant des bacs… Elles n’étaient ni conçues ni préparées pour ce bond technologique et il nous a fallu trouver un système pour continuer à travailler avec ces machines !

L : Constatez-vous une reprise de l’argentique ou plutôt un déclin ? Qui sont vos clients ?
AP : Ni reprise, ni baisse, on peut plutôt parler de stabilisation. Notre clientèle est majoritairement composée de professionnels, et il y aussi quelques amateurs avertis. Dans les pros, nous pouvons citer, par exemple, Marc Riboud, Lucien Clergue, Sabine Weiss, Denis Dailleux, Jean Larivière, Peter Lindberg… Ainsi que des photographes tout aussi talentueux mais plus jeunes et moins connus.

L : Que pensez-vous des labos qui arrêtent l’argentique ?
AP : C’est un choix, une stratégie commerciale, de tout miser sur le numérique. Souvent, ces labos abandonnent l’argentique car ce n’est plus rentable d’avoir du personnel spécialisé.

L : Je réponds quoi à mon cousin Marcel qui dit que l’argentique et le numérique c’est pareil ?
AP : Scientifiquement parlant, ça n’a rien à voir ! Ce n’est pas la même technologie, pas le même matériel… il y a une industrie chimique et des sels d’argent d’un côté, une industrie numérique et des pixels de l’autre. Bien sûr ce sont deux moyens de faire de la photographie, mais les rendus sont différents. Le grain de la photographie argentique est dû au sel d’argent. Ce  cristal qui est difforme est coulé dans une gélatine, et cela prend différentes formes, ça déborde, il y a des irrégularités… Impossible de faire rentrer toutes ces caractéristiques dans un pixel carré ! Voilà d’où vient le rendu argentique, que l’on qualifie de grain bien sûr, de velouté, de relief, de profondeur de champ… Ceci dit la profondeur de champ est possible avec les appareils numériques maintenant… Finalement, ce que l’argentique fait de par nature, le numérique apprend à le faire petit à petit.

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Cette interview vient renforcer notre envie de faire un comparatif des différents labos de développement argentique, on va sûrement essayer de vous préparer ça. Vos feedbacks sur des labos testés sont en tout cas les bienvenus !

+ Atelier Publimod

Après avoir co-fondé le Collectif Divide avec moi, Keffer est parti de son côté explorer son art. Moins grande gueule et plus shooter, il se fait un nom depuis quelques mois. Rencontre avec un homme qui aime la Photo, le graphisme, la Nuit, le Noir.

Bonjour Keffer, tu vas devoir te plier au classique “présentes-toi”, puis “quel est ton cheminement en photo ?”

Rah ! Taquin, tu le connais ! Alors je me présente: Keffer. Vis et travaille sur Paris. Photographe la plupart du temps. Ancien directeur artistique et sans limite pour le reste, tant que ça me plaît, musique, installations, etc … 26 ans et une moustache.

Donc plutôt dans le graphisme, à l’origine.

Carrément, je suis venu sur Paris pour ça.

Et puis, tu as glissé du graphisme vers la photo ?

Oui mais sans vraiment y penser. Un truc naturel, sans prétention, achat d’un compact, d’un reflex, un autre reflex…

Justement, ce glissement naturel est intéressant, tant la photo et le graphisme étaient plus dissociés auparavant. Tu penses faire partie d’une génération qui passe d’un art à un autre, vu que ces derniers partagent désormais des outils en commun ?

La chance est que l’Outil est maintenant le même. Quand le photographe avait ses films, le graphiste avait son aérographe. Maintenant, tout est sur l’ordi, les appareils sont multifonction. Je fais du graphisme, de la photo, de la musique, de la vidéo sur mon ordinateur. Le matériel change un peu, l’approche aussi, mais rien de vraiment ultra technique. Donc oui, je suis de cette génération Internet, connaissances partagées et Savoir en ligne.

Et avec ce passif, penses-tu être arrivé à la photo avec des attentes, des avantages, des lacunes spécifiques au graphiste ?

Je ne pense être arrivé qu’avec des avantages. J’ai fait des choses bien, d’autres vraiment mauvaises au niveau du graphisme. Mais ça m’a donné l’expérience et surtout forgé encore plus mon oeil à la lumière, aux placements de choses, aux détails et donné le “pouvoir” de faire ce que je veux de mon image dans la retouche. C’est une force qui permet d’être indépendant par rapport à son travail. Je ne me vois pas faire une chose sans une démarche créative, sinon quel intérêt ?

Ce point est intéressant car il fait hurler les “puristes” d’un côté et semble naturel aux nouveaux photographes de l’autre. Tu penses que la photo dite d’art se fond de plus en plus dans une démarche globale de création visuelle, par rapport au lien historique entre photo et réalité ?

C’est une bonne question qui est en fait un débat hyper vaste. Je suis un grand fan de “la vraie vie, les vraies choses”. Les shootings en studio, les retouches qui changent le monde ou qui le truquent c’est pas ma vision.

Pourtant tes photos sont assez retravaillées, non ?

Non pas du tout. En tout cas, ça reste toujours dans le réel. Les gens sont les mêmes. Je ne retouche que très rarement les visages. Je ne fais pas de collage. Je ne prends pas un élément de là pour le mettre là.

Ok.Mais peut-être plus les fonds, les environnements.

Les environnements sont vrais. Je retouche la lumière et les couleurs, rarement plus, pour garder un truc authentique.

Je respecte énormément les gens qui font du “fake” par contre.

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Tu respectes les gens qui font du “fake”, c’est-à-dire ?

Quand je dis “fake” c’est loin d’être péjoratif. Des gens comme Khuong Nguyen, Ben Sandler, j’adore. C’est le genre de choses qui tiennent plus de l’imaginaire et donc ça donne des choses folles, mais plus du tout dans la réalité, où tout est assemblé mais pris séparément. Là on rejoint vraiment le graphisme. Moi je suis l’inverse de ça. Au final j’ai une approche plus argentique, à l’ancienne.

Je vois. Cette “danse” entre fake et réel, c’est une vision croissante de l’évolution artistique de la photo à ton avis ?

Avec plein de défauts, comparé aux images hyper propres et sans bavure des nouveaux photographes. J’ai l’impression qu’il y a deux mondes maintenant, qui ne sont pas si loin que ça et forcément celui qu’on voit le plus c’est le monde des images propres, lisses, belles. La pub fait ça et la pub, il y en a partout.

La fameuse “retouche à l’américaine” ?

Voilà.

Comme syndrôme ?

Syndrôme non, ce n’est pas une maladie en soi mais ça peut être assez pénible quand il n’y a pas de création derrière. Fort heureusement, je n’ai pas l’impression que ceux qui font de la retouche à foison, s’interdisent de faire l’inverse comme Vincent Dixon ou Jean Yves Lemoigne.

Et “l’autre” Photo qu’est-ce que c’est, du coup ?

L’autre photo c’est l’instant, le vrai, le non calculé, le moment. Ca n’empêche pas de réfléchir et de préparer un minimum mais ça reste dans une optique de vérité.

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Pour en revenir à ton style de photo on peut dire que ce dernier a évolué depuis tes débuts “officiels” avec Divide (ndLense : Le projet n’étant plus en ligne , il s’agit d’un lien vers une version archivée), mais qu’une constante évidente reste : le Noir. Quel rapport entretiens-tu avec ?

J’aime la Nuit avant le Noir. Mais j’aime le noir parce qu’il me permet de mettre en valeur des choses. Comme certains en studios avec des cyclos blancs, moi c’est le noir. Je me sens plus libre avec lui et j’aime la nuit donc je crois qu’on ne peut pas séparer les deux. Je trouve ça hyper inspirant et techniquement je me sens hyper à l’aise dedans. Le noir c’est noir, il n’y a pas vraiment de demi-mesure. C’est plus franc, je trouve que ça triche moins.

Cela me fait penser au style de peinture chinois qui dicte que le vide, le blanc, la zone non peinte est une invitation à la réflexion, au non-dit. A l’inverse de la peinture européenne qui doit “remplir” 100% du cadre. Cela te parle ?

Soulages en parlait aussi. Je suis d’accord avec ça. Je reste dans cette démarche de photos qui ont des zones vides pour mieux faire ressortir la seule chose qui compte.

On le voit dans tes photos, d’un point de vue narration, c’est très épuré : un sujet flagrant et fort, rarement “perturbé” par un autre élément.

Exactement. Les gens ne comprennent souvent pas pourquoi tant de vide autour, alors ils zooment au lieu de se reculer. Et je passe énormément de temps à le dire et à faire comprendre aux gens que non, cette photo doit être en double, comme ça, même si il y’a 70% de vide, sans rien.

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Mine de rien, tu n’es arrivé dans la photo que récemment. Si tu prends du recul sur ton évolution, penses-tu avoir atteint une certaine maturité dans ton style, ou sens-tu que tu as encore beaucoup de choses à expérimenter, apprendre ?

Oui ça ne fait pas longtemps. Et pour la maturité, j’espère vraiment que non. Arriver à maturité veut dire qu’on ne peut pas aller plus loin, mais rester sur le même plan ou redescendre. J’ai eu cette expérience avec le graphisme, qui a fini par me gonfler.

La Maturité, cela peut également signifier que l’on connaît son champ et que l’on a envie de se consacrer à le perfectionner… Une autre “ambition” dirons-nous.

Oui. En tout cas une chose est sûre c’est que j’ai un style à moi. Que j’ai forgé avec le temps, les rencontres. Et une chose est pratiquement sûre c’est que je ne vais pas faire de photo plein jour dès demain.

Hehe. “ARGH, de la lumière naturelle, je fonnnnds !“

Ahah ! Non j’adore la lumière naturelle, mais avec un rideau devant. En soi mon style a plein de variantes possibles : de près, de loin, à l’envers, dans l’eau, avec des humains, des animaux, des aliens… En tout cas, pour terminer là-dessus, je ne m’inspire plus énormément comme j’ai pu le faire au début; je fais mon truc seul. L’inspiration est devenue inconsciente. Alors peut-être que c’est ça la maturité : l’indépendance de style, la revendication d’une chose vraiment à soi, une ambiance unique.

Oui, la maturité c’est s’assumer. Pour terminer, vers quoi t’orientes-tu pour tes prochains travaux ?

Alors pour l’instant je suis dans une phase ou je travaille beaucoup pour des gens, et donc je tente de faire du Keffer mais en commande, ce qui n’est pas toujours simple. J’ai le projet Jour De Nuit que je veux terminer aussi, une 3éme partie sous la forme d’une redescente. Terminer aussi la série Paysage Noir.

Il y a plein de choses que je n’ai pas faites à Paris. Après j’ai une série en tête que je vais sûrement faire cet été, une série très néons, noire évidemment. Et une autre sur la psychologie, les pyromanes, les fous, les gens qui ont des tocs. Je fais suivant mes rencontres, rien de vraiment prévu sauf pour des clients. Et puis les voyages, pas mal pour terminer !

Interview : Lâm
Derush / Editing : Matyeu

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Découvrez les travaux de Keffer :

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+ Site Officiel
+ Blog

Cette actualité était aussi l’occasion pour le petit staff de la marque allemande de venir à Paris et discuter un peu. Et vous serez étonné par leur franc-parler et leur honnêteté face à des questions qui nous valent souvent des sourires gênsés des réponses toute faites ou des “pas de commentaires”. Nous avons donc rencontré Stephan Daniel, considéré comme le “père” de tous les Leica numériques. Dans une petite salle sans chichi et dans un français presque parfait, il nous a parlé de sa marque, du succès actuel, dressé le portrait robot des Leicaïstes et oui, du futur hybride maison…

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AVEC UN “P”, POUR PURISTES

Sttefan, ce M9-P est-il au M9 ce que M8.2 était au M8: une sorte d’upgrade de milieu de cycle ?

Un petit peu oui, mais si on compare le changement du M9 au M9-P à celui du M8 au M8.2, il est moins important. Ici seuls le look et le verre saphir qui ont changés alors qu’avec le M8.2, nous avions aussi changé les cadres.

Les rares changements de ce M9-P signifient que le M9 marche très bien et que vous n’avez pas besoin de grand-chose pour renouveler son cycle de vie…

C’est exactement ça. Le M9 marche tellement bien en vente, il est tellement apprécié, on s’est dit qu’on allait investir nos capacités en développement pour la prochaine génération et pas pour travailler et améliorer un boîtier qui est déjà très bien.

Peut-on avoir un ordre d’idée des chiffres de vente du M9 ?

Je peux dire qu’il faut retourner très loin en arrière pour retrouver de telles ventes. La dernière fois qu’on a vendu pareilles quantités c’était dans les années soixante.

C’est un peu le nouveau M6, en somme…

Même le M6 ne se vendait pas à autant d’exemplaires par an que ce boîtier. Là c’est plutôt comparable avec les M3, M4 de l’époque. (ndLâm : les derniers M argentique se vendaient autour de 10000 exemplaires par an)

Le M9-P est-il un clin d’oeil à vos clients plus traditionalistes ?

Hier soir je le constatais encore à la présentation, tout le monde met un bout de scotch devant le logo et l’inscription “M9″, alors pourquoi ne pas produire un modèle très classique et  sobre ? Ce qui est assez drôle, c’est que pour la moitié de la clientèle, on pourrait faire le point rouge très grand, voire même lumineux, ils seraient satisfaits.  Mais l’autre moitié de la clientèle n’aimerait pas ça. En tout cas, les deux modèles cohabiteront…

… Et connaîtrons des ruptures de stock chroniques.

Ca, nos clients sont habitués…

Qui est votre clientèle, aujourd’hui ? Le succès historique du M9 signifie que vous séduisez ou que vous re-séduisez de nouveaux clients: Le marché chinois ? Les possesseurs de reflex cherchant une solution plus discrète mais haut de gamme ?

Il y a en gros trois tendances :
1, beaucoup d’utilisateurs de M6 et de boitiers argentiques se mettent au numérique maintenant avec le M9.
2,des utilisateurs de reflex numériques se mettent au M9 parce qu’il est plus petit, plus sobre, plus discret. Ils ne veulent pas être vus toute la journée avec un gros appareil, tout en voulant la qualité d’image.
3, il y a les nouveaux marchés comme la Chine, où Leica est devenue une marque icône.

Un peu comme Vuitton ?

Oui, comme Vuitton, Hermès… Leica est là-bas classé dans les « status symbol » comme on dit en anglais. Comment dit-on en français ?

Un signe de réussite, comme une grosse voiture ou une belle montre. Le développement des Leica Store, correspond-il à ce changement de clientèle ?

En fait on croyait dès le début et le concept marche bien. Mais on ne pouvait développer tout ce système sans une gamme de produits assez complète. Avec maintenant des compacts, le X1, le M9 et le S2,il y a quelque chose à ranger sur les étagères. (Rires)

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ET LE FUTUR LEICA, ALORS ?

En parlant de gamme complète… Tout le monde parle des hybrides, beaucoup les considèrent comme les héritiers spirituels des Leica M. Le côté grande qualité, compact, moderne, interchangeabilité des objectifs etc… Vous avez regardé tout ça de près. Quelle est votre position là-dessus aujourd’hui ?

Vous avez bien pointé la chose: Quand j’avais parlé d’une gamme complète, et bien… elle n’est pas complète en fait. Parce qu’entre le M9 et le X1 il y a un trou. Alors on peut imaginer un X1 avec une bayonnette M, on peut imaginer plein de choses…
Il y a un trou, nous en sommes bien conscients et nous allons à moyen terme le remplir avec quelque chose en dessous du M et au dessus du X1. Et je crois au concept des hybrides. Nous en avons d’ailleurs un, avec le M. Tout ce qui lui manque c’est le liveview et peut-être l’autofocus.

Oui, mais l’autofocus c’est très nouveau chez Leica, juste arrivé avec le S2. Est-ce dû à certains conservatisme chez vos clients très puristes, mais aussi en interne chez Leica ?

Peut-être y’en avait-il à une époque, mais personnellement ma philosophie c’est que l’on doit s’ouvrir. Et même si on ne doit pas suivre chaque mode du marché, les grands courants il faut absolument les suivre. Sinon c’est la “dead end”. Nous ne sommes pas seuls au monde, nous ne vivons pas sur la Lune, et comme on est bien sur Terre, on doit s’adapter aux courants majeurs du marché. Comme on s’est adapté au numérique. L’autofocus est là, il a ses avantages.

Et pour la petite histoire, c’est quand même vous qui l’avez inventé ! (Ndr : Leica a inventé l’autofocus dans les années 70, mais a vendu le brevet à Minolta)

Oui ça c’est encore une belle histoire. (rires)

Si ce n’est pas Leica qui sort un hybride, un fabriquant va bien un jour sortir un boîtier compatible… Fuji aurait très bien pu sortir le X100 avec une monture M, puisque le brevet est libre…

Oui, un brevet dure normalement 20 ans, il a donc expiré en 74.

Mais si vous lancez un nouvel appareil, il ne sera pas forcément en monture M . Peut-être compatible, mais s’il est question d’autofocus ce sera forcément une monture nouvelle…

Il y a vraiment plein d’options et…

Et vous êtes encore en train de les peser aujourd’hui.

Exactement.

Ce nouveau Leica n’est donc pas pour demain !

Ce n’est pas pour demain, mais si on veut prendre une part du marché un peu plus grande, il faut avoir un boîtier ou un système compatible avec la demande de Monsieur Dupont.

Et vous envisagez des partenariats avec d’autres marques ?

(Hésitation)

… Ou est-ce que ce boîtier serait 100% « in house » ?

Ce n’est pas décidé mais même aujourd’hui on a des sous-traitants, des partenaires, parce qu’on ne peut pas tout faire nous-mêmes. Essayez de trouver un fabriquant d’écrans en Allemagne ! Vous n’allez pas trouver. Il Faut aller en Asie !

Un partenariat avec Panasonic existe déjà, un Lumix G version Leica, serait-il plausible ?

En ce qui concerne Panasonic, nous avons décidé de ne pas rentrer dans le micro 4/3.

Pourquoi pas un compact micro 4/3 chez Leica ?

La collaboration avec Panasonic marche très très bien sur les compacts. Mais sur le Digilux 3, ça a moyennement marché. Et donc on ne va pas rentrer dans le micro 4/3. Pour une petite société, le système M et le système S sont déjà conséquents à maintenir et à développer. Rajouter une troisième monture, pour Leica ce serait…

Ce serait lourd. Refaire toute une gamme d’optiques avec une monture et un format spécial… On peut donc supposer que ce compact serait plutôt avec un capteur de type 3:2.

Oui je crois que l’APS-C c’est une bonne taille.

Oui, un APS-C avec une monture M, mais peut-être plus petit.

(Pas de réponse. Rires)

En tout cas, sacré programme pour vous, entre ce futur hybride et le M qui sature les chaînes de montage…

Oui pour une petite société comme Leica, c’est quelque chose !

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LEICA DANS LE RYTHME NUMERIQUE

Le M9 marche très bien. Le X1 se vend, un futur modèle est en préparation… Nous avions visité l’usine de Solms il y a deux ans, qui tournait déjà au maximum de son rendement. Comment allez-vous gérer tous les challenges qui s’offrent à une entreprise presque artisanale ?

Actuellement l’usine est au bout de sa capacité, la seule chose qu’on peut et qu’on va essayer de faire, c’est de créer deux chaînes: une la journée et une autre la nuit. Mais nous ne pouvons évidemment faire travailler nos employés quinze, dix-huit heures. Ils sont fatigués après huit heures, nous sommes donc en train d’embaucher des personnes supplémentaires pour le « night shift »  Mais il faut les former. Parce qu’on ne peut pas les prendre dans la rue et leur dire « Bon tu vas monter une optique de luxe », ça ne marche pas.

Il est donc très difficile d’augmenter le nombre de nos produits. Parce qu’ils sont faits artisanalement, c’est un certain désavantage.

C’est le prix à payer pour rester très haut de gamme.

Oui. Et la demande pour les objectifs nous montre qu’il y a beaucoup de nouvelle clientèle. Parce que les clients existants ont déjà leurs optiques, du M6 ou d’autres, donc ils achètent un nouveau boîtier et c’est tout. Mais on a une demande énorme pour les objectifs. Ca nous montre qu’il y a beaucoup de nouveaux clients qui entrent dans le système.

Et en général les clients Leica sont une clientèle assez fidèle. Vous sentez que ça ne va pas être passager, que ce ne sont pas des clients qui vont venir et repartir comme ça ?

Je dis toujours « on a les meilleurs clients du monde ». Parce qu’ils sont très fidèles, mais quand quelque chose ne leur plaît pas ils le disent.

Oui, ils sont très bruyants.

Ils le disent très fort et j’apprécie beaucoup, parce que pour une autre marque ils vont peut-être revendre et partir sans rien dire. Mais avec Leica comme ils sont passionnés ils disent « Je n’aime pas ça », «Il faut améliorer ça », et moi ça me facilite la vie, c’est du “market research” gratuit !

Pour en revenir à cette histoire de cycles de développement, comment cela va-t-il se passer maintenant à moyen terme pour Leica ? Comparé au rythme de l’argentique, le numérique se compte en mois, trois ans pour les appareils les plus durables. Bref, loin des 10 ou 15 ans que pouvait tenir un appareil haut de gamme en argentique.

Notre M6 a tenu 18 ans, c’est surréaliste aujourd’hui.

Est-ce que du coup chez Leica vous retravaillez tout votre rythme de vie ?

Oui, même si nous ne sommes pas à fond dans la compétition avec nos amis japonais, nous faisons quand même partie du monde de la photo numérique. Il faut respecter les cycles de vie dans le numérique, c’est sûr. Trois ans c’est un très bon cycle de vie, du M8 au M9, ça a duré 3 ans. Et peut-être que pour le M9 ce sera un peu plus long, mais nous sommes est bien conscients qu’on ne peut pas vendre un M9 pendant 5-6 ans, ça c’est sûr.

Vous nous annoncez un M10 à la prochaine Photokina, alors !

No comment. (rires)

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Interview menée par Lâm HUA et Julien Bolle du magazine “Réponses Photo”. Retranscription : Matyeu.

+ Retrouvez le Leica M9-P dans notre Wiki
+ Retrouvez le Leica Super Elmar 21mm f/3.4 dans notre Wiki
+ Notre visite dans les usines Leica

“Tu veux que je m’éclaire moi-même avec la torche? Ce sera plus pratique et ça pourrait faire une photo sympa” . Voici Chase Jarvis résumé en une phrase: un photographe qui aime être sous la lumière, qui aime parler de lui mais, surtout, qui possède une bonne vision photo. Et de la Photo en général.

C’est lors du lancement du Manfrotto “Imagine More” à New York il y a quelques jours que nous avons pu interviewer le bonhomme, ambassadeur de la célèbre marque de trépieds, bavard, fier et sincère. Le temps de découvrir et cerner cette figure de l’industrie.
Pas étonnant que ce natif de Seattle soit devenu en quelques années l’une des superstars du milieu. Photographe commercial reconnu, Chase a surtout été l’un des premiers professionnels à investir le blogging et le vidéo blogging pour partager les coulisses de son boulot et ainsi, construire une grande communauté de suiveurs, avides de conseils et de vécu.

Une attitude progressiste et grande gueule qui a fait grincer des dents certains “conservateurs”, mais qui a prouvé son efficacité en propulsant Jarvis et d’autres photographes comme Vincent Laforêt en tête d’une nouvelle catégorie de photographes: les “anciens” qui ont embrassé pleinement les changements technologiques et sociaux autour de la photo, mixant ambition personnelle et partage collectif.

Des hommes qui, vous le verrez dans la suite, ont plein de choses à dire.

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Première question très classique: peux-tu te présenter brièvement ? D’ailleurs Chase, peux-tu encore vraiment présenter brièvement M. Jarvis? Tu as l’air de jongler avec tellement de casquettes…

Hello! Ca commence fort, alors je te demande juste avant: peux-tu présenter brièvement les Lensers, c’est bien ça le mot?

Hum! Disons que nous sommes plutôt jeunes – un peu dans l’âge, beaucoup dans l’esprit, venus à la Photo avec le numérique pour la plupart, qui aiment enrichir leur culture photo sans pour autant sacraliser les anciens… Et le gros point commun: beaucoup d’envie et enthousiasme.

Hehe, ce que tu as décrit me reflète parfaitement! Donc: je suis Chase Jarvis, photographe et réalisateur, mais je suis d’abord un artiste visuel multi-disciplines. Je jouis du meilleur matériel dans le monde mais au final, lorsque je suis seul dans la rue avec mon iPhone… Juste la possibilité de créer et de partager sa création d’une manière qui, jusqu’à aujourd’hui n’a jamais été possible, le fait que la créativité ai été démocratisée car nous sommes désormais maîtres de notre propre distribution, tout cela a été le déclencheur le plus important dans ma vie. Honnêtement, ça a littéralement changé ma vie.

C’est-à-dire?

Jusqu’à un certain point, ça a été merveilleux d’être engagé par de grandes entreprises pour shooter de grosses campagnes et d’être capable de voyager à travers le monde avec l’argent d’autres personnes (rires), mais la chose la plus intime, la chose la plus signifiante pour moi, ce sont souvent les choses que je fais pour moi, par moi-même. Tous mes livres sont auto-financés, tout comme l’exposition Dasein: An Invitation To Hang au Ace Hotel.

Tous ces projets sont aussi accessibles les uns que les autres… Ils démarrent, sont financés, sont motivés par l’auteur. Et ça, c’est une meilleure description de moi que n’importe quel article dans un magazine. Je suis reconnaissant de ma position et du fait que je fasse autorité dans mon milieu mais au final, je ne suis qu’un “dirt bag artist” qui fait et partage des trucs.

The best camera is the one you have with you. (photos prises avec un iPhone)

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Tu parlais de démocratisation tout à l’heure et c’est un terme très intéressant, car il a été source d’une foule de débats, parfois enflammés. La créativité est devenue “facile”, accessible. Mais il y a les gens qui étaient là avant cette révolution. Et ces gens semblent frustrés, apeurés, en colère, car ils ont l’impression que n’importe qui peut se lancer dans la photographie, se dire “photographe”… J’ai l’impression que ces gens regrettent le temps où la photo était difficile, élitiste. As-tu connu cette époque?

Oh oui et j’ai plein de choses à dire là dessus, j’espère que tu as du temps pour cette interview (rires)! J’ai en fait plusieurs sentiments sur la question.

Premièrement, je respecte beaucoup l’histoire de mon industrie et de mon travail. J’ai cependant du mal avec cet espoir, cette croyance entretenue par une vieille garde, qui aurait aimé que tout reste comme avant. Je ne connais aucune industrie dans le monde qui reste figée. Comment les photographes pourraient imaginer une seule seconde que la Photographie resterait toujours la même et qu’ils pourraient facturer ce qu’ils veulent à leurs clients? C’est bizarre.

Maintenant, j’ai beaucoup de sympathie pour ceux qui rencontrent des difficultés à changer, mais au final, c’est la norme: Le Changement est la seule chose constante. Cela ne sera pas facile tous les jours, mais du point de vue d’un photographe, comment ne pas célébrer ce changement?

Si un photographe établi a peur d’un jeune de 18 ans qui vient de se payer son premier reflex numérique, c’est qu’il y a un vrai problème autre part. Encore une fois, j’ai du respect pour mes prédécesseurs, mais j’essaye de voir le bon, les opportunités dans ces changements. Le plus de photographes, le plus d’images. Il n’y a jamais eu autant d’images, pourquoi ne pas s’en réjouir ? La créativité explose, mais si vous étiez déjà créatif avant, vous trouverez les solutions, les nouvelles voies pour faire des images et se faire une place dans ce monde. Tout est là. Cela demande du travail, mais tout est là pour nous.

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En tant que photographe professionnel à succès, comment gères-tu cette nouvelle manière de gagner ta vie ? Le manager Pedro Winter disait à propos du business model de son label musical Ed Bangers : avant, ils vendaient surtout leur musique. Maintenant, leur musique sert à vendre leurs tournées, à engendrer des collaborations avec des marques, vendre du merchandising…

C’est très vrai, spécialement pour le secteur de la musique. Le monde la musique et de la photo commerciale pourraient être mis en parallèle de plein de manières. La première étant que les cachets en tant que photographe s’effondrent sous la guerre des tarifs. C’est clairement la jungle, la loi du plus fort. Evidemment, je connais plein de photographes fantastiques qui luttent financièrement et je n’ai pas envie de les voir mettre la clef sous la porte, mais je vais revenir à mon motto : la seule constante, c’est le changement. Nous sommes dans la position délicate de devoir réinventer notre industrie, mais ce n’est pas la première fois que cela se fait.

Le Changement est la seule chose constante.

Ah oui?

Oui, cela s’est déjà passé lorsque nous sommes passés de l’argentique au numérique. Maintenant, les solutions numériques sont si “pervasives”, connectées, que nous devons changer encore. Pour plein de raisons, si je n’ai pas envie de voir l’ancienne génération de photographes mourir, j’accueille clairement cette nouvelle ère d’innovations et d’innovateurs. Si vous êtes là, que vous lisez ceci et que vous pensez que vous avez quelque chose à apporter, quelque chose de révolutionnaire, qui change les règles, apportez-la, parce que c’est cela dont nous avons besoin, plus que tout. Nouvelles approches, business modèles hybrides… Et pas forcément un cassage de prix.

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En parlant d’approche hybride, tu “donnes” beaucoup de choses: guides, vidéos, contenus… Et ce, de manière gratuite. Quelle place cette production tient chez toi: est-ce un hobby, une simple envie de partager, ou est-ce un moyen très efficace de te faire connaître, de construire la marque “Chase Jarvis” – et du coup, de mieux négocier tes emoluments avec tes clients de par ta notoriété?

C’est une très bonne question et je vais être honnête, cela fait partie de ma construction globale: c’est autant une envie qu’une stratégie. Parce que lorsque je débutais dans le métier, j’ai frappé à toutes les portes et…

C’était dans les années 90?

Yep. J’essayai de récolter des informations sur la manière de se faire une place dans ce monde. Et personne ne m’aidait: pas de réponse, portes fermées, “je ne peux pas te le dire, c’est très secret” etc. Tout cela, c’était avant Internet, où tout est accessible.
Je me suis alors juré, parce que je croyais en moi en tant que photographe, que j’étais persuadé qu’il y avait plein d’autres photographes dans ma situation, luttant pour trouver des infos, de commencer quelque chose d’assez controversé à l’époque: partager les coulisses, les dessous du métier. C’était il y a 10 ans, avant que tout cela ne devienne courant. Et le retour a été énorme, au delà de mes espérances: les gens avaient tellement faim de ce genre de choses.

Et tu es devenu plus qu’un photographe…

Mais je ne suis pas un formateur. Il y a juste une caméra qui me suit et filme mon boulot. Mon ambition était de voir les gens accrocher et si je contribuais à leur apprentissage, cela aiderait à rendre l’industrie meilleure, comme une marée montante met tous les bateaux à flot. Cette ambition n’a pas changé, car l’Information veut être gratuite.

Mais pas vos photos!

Mes photos ne sont pas gratuites, je ne veux tromper personne sur ce point. Je reste très bien payé pour faire des photos, mais c’est parce que j’ai cette vision. Et j’encourage tout le monde à avoir cette vision. On peut payer un singe pour prendre une photo. Mais un singe n’aura jamais la vision d’un humain. Je suis un photographe qui fait payer ses photos et qui offre ses conseils de photographe. On fait donc coexister tout cela.

Chase, un homme très bavard, très grande gueule. Et très intéressant.

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C’est assez nouveau et facilement sujet à polémique…

Clairement! J’ai été “diabolisé” parce que j’offrais de l’information. Mais cela m’a permis de créer une audience et ce, de manière totalement inintentionnelle. Des millions de personnes ont vu ce que je fais. Certains collègues ont hurlé “hey, tu donnes gratuitement ce qui devrait être payant”! Mais je le rappelle: je ne fais pas de formation, je n’apprends pas à monter un objectif sur un boitier. C’est juste une caméra qui me suit dans les coulisses de mon métier. Et si vous pouvez apprendre de cela, nous avons besoin de gens comme vous dans la photographie. Et si des gens ne se bougent pas, n’ont pas envie de regarder ce genre de vidéos, de collaborer et de partager des infos avec les autres, eh bien ces personnes, on n’a pas trop envie de traîner avec (rires)…

Je n’étais qu’un des premiers meneurs, mais bien d’autres sont aujourd’hui dans cette mouvance et ont engendré ce changement massif mais encore, je veux attirer l’attention sur tout le positif qui en découle. Et au passage: la prochaine révolution sera le HDSLR.

Ah oui, les reflex qui filment. Nous y croyons aussi beaucoup…

Oui, nous allons découvrir plein de nouveaux talents. Ce ne seront pas les gens qui ont défilé sur le tapis rouge de ce soir, ce sont des gens que nous irons chercher dans la rue, avec leur reflex à 1000 euros et leur talent.

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Tu as débuté en tant que photographe, puis as lancé une entreprise autour de ton nom, te voici maintenant dans la vidéo… Le champ de créativité, d’opportunités, de techniques ne cesse de s’élargir… Arrives-tu à avoir encore faim?

Absolument. Mon équipe pense que je suis fou et c’est peut-être parfois vrai (rires), mais à la base de tout, je suis un mec né pour créer des choses et les partager. Et les partager à une large audience, pas juste une agence de pub. Je préfère les mettre sur mon blog gratuitement.
Les principes sont simples: le plus je peux faire et partager, le mieux je me sens en tant qu’individu. Et je suis comme une pie, je suis attiré par les choses brillantes! Etre un photographe, un réalisateur, un possesseur d’iPhone, avoir lancé un site de formations semi-gratuites (ndr: Creative Live)… Cela fait partie de la dynamique globale d’un créatif aujourd’hui.

Je suis un mec né pour créer des choses et les partager. Et les partager à une large audience, pas juste une agence de pub

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Une dernière question, qui sera comme la première, une question classique: quels seraient tes conseils techniques, créatifs de base pour tout aspirant photo/vidéographe un peu ambitieux ?

Déjà, la notion la plus sous-estimée en photographie: que nous les photographes professionnels venons, prenons une image et rentrons chez nous. Faux. Nous prenons des centaines, des milliers de photos. Le plus vous en prenez, le plus de chances vous avez d’en obtenir une bonne. Si Michael Jordan ne tire qu’une fois, il ne pourra pas marquer plus que 3 points, en théorie. Il faut shooter plus !
C’est ce que je fais et j’encourage les gens à le faire, mais pas sans vision. Faire des rafales sur rien, cela ne sert à rien. Mais s’il y a quelque chose que vous aimez, prenez plusieurs photos, pas juste une.

Second conseil, très corolaire: bougez. Vous devez trouver ce point de vue unique. Un objectif ne veut pas juste voir ce que nous voyons, rester au niveau de nos yeux, entre 1,50m et 1,90m… L’angle, la vision, la perspective: expérimentez et puis, testez des filtres, profitez des immenses possibilités de la post-production dans cette optique…

Dernière chose : si vous shootez des choses que vous connaissez bien, des choses qui ont un sens à vos yeux, c’est là que vos images vont changer. Si vous n’aimez pas spécialement skier et que vous faites des photos de ski, cela se ressentira immédiatement. Si vous n’aimez pas la mode, vos images le diront tout de suite… Si vous vous consacrez à des sujets qui vous tiennent à coeur ou qui font sens à vos yeux, vos images seront automatiquement meilleures. Promis.

Et si ça ne fonctionne pas?

Appelez-moi, je vous paierai une bière.

Remerciements à Manfrotto France pour avoir permis la tenue de cette interview.

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+ Site Officiel
+ (excellent) Blog
+ Creative Live

Aujourd’hui, c’est Emilie Guelpa, auteur du délicieux blog « Griottes » qui nous raconte les dessous de cette photographie haute en couleur, faite à l’occasion, justement, d’un concours de photo culinaire.

Une photo, un projet.

« Le sujet de ce concours était « le végétal ». J’avais envie de profiter de cette occasion pour sortir de mon ambiance de prédilection – je travaille habituellement sur fond blanc ou pastel avec un rendu très lumineux – et expérimenter des choses différentes.

Le fond noir m’a paru une bonne idée pour mettre en valeur l’explosion de couleur et les reliefs de ces légumes. J’aimais bien l’idée que l’ensemble évoque une nature morte. Je me suis donc orientée vers quelque choses de graphique, avec une lumière focalisée sur les légumes (mon sujet, donc) en laissant les zones de décors dans l’ombre. »

Le travail de mise en scène.

« J’ai passé un bon moment à élaborer la mise en scène et fait de nombreux tests avec des tissus, des assiettes, différents couverts… Finalement, j’ai pris le parti de la sobriété. Pour conserver une touche graphique et créer des reflets, j’ai ajouté quelques feuilles d’or à la planche sombre, en bois peint.

Il me fallait ensuite trouver les « bons » légumes. Comme je misais sur la couleur, je suis partie en quête de variétés de légumes particulièrement colorés. Je me suis rendue, pour cela, chez un maraîcher spécialiste de ces variétés un peu spéciales.

Malheureusement, les légumes perdent une partie de leur teinte au cours de la cuisson. Mon petit truc pour les raviver : les badigeonner d’un peu d’huile d’olive à l’aide d’un petit pinceau alimentaire. »

Et côté choix techniques…

« Ce jour-là, le temps était gris (nous étions en novembre), mais cela m’a beaucoup aidée, en fait. La lumière ainsi, était idéalement diffuse, parfaite pour mon fond noir. En général, je fais en sorte de shooter le matin, ou vers midi. C’est à ce moment là que la lumière, pour moi, est la meilleure. Je travaille uniquement en lumière naturelle. Même si cela me rend très dépendante de la météo, je trouve que celle-ci apporte une vraie douceur par rapport aux photos shootées en studio et une belle note d’authenticité. Cette fois, je me suis contentée d’approcher mon sujet d’une fenêtre et chose plutôt inhabituelle pour moi : je n’ai pas utilisé de réflecteur.

Côté matériel, j’ai travaillé avec un Nikon D90 et un 50 mm à ouverture 1.4. La photo a été prise à une vitesse de 1/80, avec une ouverture à 4.5 et une sensibilité élevée (1000 ISO). J’ai aussi le mode DLighting de mon appareil, pour accentuer les contrastes.

Pour ce qui est du post traitement, je me suis contentée de forcer un peu les contrastes sur le noir et augmenter légèrement la saturation sur les légumes. Rien de plus. De plus en plus, j’essaie de me concentrer sur les réglages au moment du shooting pour avoir le moins de choses à faire en post prod. »

Deux trois petits conseils, pour qui veut se lancer dans la photo culinaire?

« Il faut garder à l’esprit que la nourriture n’est pas un sujet stable. Mieux vaut donc préparer sont environnement de travail, travailler sa lumière et ses réglages avant de disposer les éléments à photographier. Ensuite, sur les aliments eux-mêmes, il faut faire preuve d’astuce : penser à frotter les avocats avec un citron pour retarder l’oxydation, par exemple, ou préparer ses boules de glace à l’avance et les garder au congélateur, déjà mises en place dans le récipient que l’on compte utiliser pour le shooting…

Mais pour qu’une photo soit réussie, l’un des ingrédients principaux reste… le décor. Ainsi, la photo culinaire, coûte forcément un peu d’argent : investir dans de la jolie vaisselle, ne pas négliger le support de la photo (planche, table, nappe…) et travailler le plus possible la mise en forme du plat lui-même. Par exemple, un cake n’a forcément d’intérêt visuel en tant que tel, mais cela change tout si on le fait cuire dans un joli moule.

Les ingrédients de base de votre recette peuvent aussi servir de point de départ dans votre recherche pour la mise en scène. N’hésitez pas à coordonner les éléments forts de la mise en scène avec le plat que vous photographiez (une nappe rouge avec des fruits rouge, par exemple). Les détails, enfin, ont une grande importance, dans la composition : quelques grains de fleur de sel éparpillées, des herbes fraiches, une fleur…

Dernier point, la lumière. Surtout ne la négligez pas ! Comme je le disais plus haut, je préfère la lumière naturelle. N’hésitez pas à vous installer tout près d’une fenêtre pour travailler ou bien dans une pièce très claire. Utilisez, au besoin, des supports réfléchissants. C’est ce qui vous permettra d’obtenir un rendu des couleurs plus proche de la réalité, plus naturel, donc plus appétissant. »

Après avoir épluché cette photo, cuisiné leur auteur pour en connaître tous les secrets et obtenu le degré de cuisson idéal pour sublimer un plat de légumes, à vous, maintenant de nous faire partager vos petits secrets pour transcender, sur pellicule, ce qui fait habituellement vibrer les papilles.

Vous pouvez découvrir sur toute la série “Dans le noir” sur le blog d’Emilie.

Voici une sélection de son travail photographique, soit quelques photos ‘portraits’ et deux mise en scène … enjoy!

Interview

- Bonjour David et merci de m’accorder quelques minutes …

Bonjour Ophelie… :))

- D’où vient cette passion pour la photographie?

Je suis avant tout passionné par l’image en général. La peinture, le dessin, le graphisme, le design, la vidéo, l’animation, et la photo sont pour moi des mediums qui me permettent de traiter les sujets qui m’inspirent. Je ne pourrais pas dire si je suis plus passionné par la photo ou par les autres techniques.
J’ai commencé à faire de la photo quand je suis rentré aux beaux arts. Au début c’était vraiment de l’expérimentation, j’avais aucune culture photographique, alors j’ai testé des trucs. A l’époque, y’avait pas de numérique, donc je jouais avec pleins d’appareils argentiques différents, j’adorais les poses B, les mouvements, les light effects… je me rappelle même que je retournais les objectifs, pour obtenir un effet macro !
Quelques années après, j’ai eu mon EOS 20 D, et j’ai commencé à reconsidérer la photo d’une manière plus professionnelle. Je me suis alors intéressé aux différentes techniques… c’est là que je suis passé aux moyens formats et que ma passion s’est révélée.

- Ta démarche?

Je ne pense pas avoir véritablement de démarche. Je ne cherche pas à donner un second sens de lecture à mes photos. Pour le moment je pense encore être dans une phase d’apprentissage, donc je me concentre sur la technique et les éclairages.
J’aime beaucoup faire de la mise en scène, créer des ambiances et les mettre en valeur en post prod.
Parallèlement j’adore l’essence de la photo; shooter simplement en me concentrant uniquement sur le cadrage.

- Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

J’utilise principalement l’Hasselblad 503cw monté d’un 80mm Carl Zeiss f2.8, (la première fois que je l’ai tenu, j’avais les yeux qui brillaient, c’est un petit bijou), j’ utilise aussi un Mamiya RB 67 monté d’un 50mm f4.5, et un 127mm f3.8,
un Semflex pour délirer, un Olympus OM-2 24×36 monté d’un 24mm , pour les photos de matières et textures j’utilise un EOS 20 D , et un petit Sony Cybershot, aussi avec mon blackberry je publie des photos directement sur facebook via l’application dédiée (rire) (j’fais de la pub, vont bien m’filer un peu de tune, non ?)

- Quelles sont tes inspirations?

Tout m’inspire et crois moi, c’est pas forcement une bonne chose !
Je suis extrêmement sensible à la musique, j’en écoute beaucoup, et de tous les genres.
Ca me met dans des mood différents et mes créations sont presque toutes issues de ça, même si personne le ressent, moi je le sais (rire). Apres voilà, j’adore le ciné, les polards noirs, les filles, la culture US, d’Amérique latine et nippone, la mode…

- Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Haaaaaa !! y’en a tellement ! !!
- J’adore la sensibilité de Jean Loup Sieff, Peter Linbergh et Karl Lagerfeld
- Les mises en scène de Gregory Crewdson et Eugenio Recuenco me rendent dingue,
- J’apprécie les moments en suspension de Erwin Olaf
- J’apprends beaucoup avec des gars comme Estevan Oriol, Mark Seliger, Jonathan Mannion
- Bon je parle même pas des couleurs de David Lachapelle, suis pas tout le temps fan des thèmes abordés…mais il est fort !
- J’aime beaucoup la précision des photos d’Armen, c’est en voyant son taf que je me suis mis au montage, bien avant de connaître des gars comme Jim Fiscus et Sacha Waldman. Dans le même genre sauf qu’il ne fait pas de montage, je suis fan de Patrick Hoelck.

- 5′ in the morning, en 5 mots, ça donne? :]

Hopper Nighthawks at the diner

Si tu as des conseils à donner aux lensers, de petites choses à ajouter, n’hésite pas!

Non j’ai pas vraiment de conseils, je suis pas assez vieux (rire) ! Par contre je peux donner deux, trois tips pour bien réussir les Fajitas …

+ de liens

Site
Blogspot

Suite de l’article sur son livre 7 minutes de plaisir.
Eddy Brière a accepté très gentiment de m’accorder une (looongue) interview pour votre plaisir.
Tout d’abord, je vous le présente, je lui ai fait subir ce qu’il fait subir à tout le monde :

Eddy Brière (photo : Maxime Stange / Lense.fr)

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\\ Bonjour Eddy, est-ce que tu peux me raconter comment tu es venu à la photo, ton cursus, et ce qui t’a motivé ?

Initialement, je ne suis pas photographe, J’ai fait des études de physique pour me tourner rapidement vers la robotique et l’informatique. C’est lors d’une mission en informatique de 4 mois à Singapour que j’ai acheté mon premier appareil photo. Là bas, j’ai commencé à faire des photos de touriste. Très vite, je me suis aperçu que la photo de reportage n’était pas pour moi, trop timide. Tu ne peux pas faire des images sur quelque chose que tu appréhendes. Il faut il aller à fond, et j’admire les grands reporters pour ça.
J’ai besoin de sentir les gens complices. Je me suis donc tourné rapidement vers le portrait et essentiellement de femme. D’ailleurs j’ai toujours été fasciné par les femmes de la mode. Celles de Peter Lindbergh notamment. Lui allait au delà de traiter la femme comme un support à vêtements, il avait ce côté “cinéma” que je trouvais très intéressant. C’est à partir ce de moment que la passion de la photo a commencé à s’installer.

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\\ Comment le projet du livre a-t-il été apporté ?

Ce qu’il s’est passé pour le livre, c’est qu’à l’époque je travaillais pour les éditions Danger Public (groupe La Martinière). Ils m’avaient repéré sur Internet. Ils aimaient bien mes portraits et le traitement de l’image. Du coup, ils m’ont proposé de commencer avec ces quatrièmes de couv’. Ça a rapidement dévié sur les couvertures.
Un jour, Philippe Moreau (Directeur éditorial) m’a proposé de faire un livre. Je lui ai proposé cette idée : « Écoute, il y a un truc redondant dans ma photographie, souvent pour mettre à l’aise les gens pendant les séances, je leur propose d’allumer une cigarette [pour les fumeurs, bien entendu] et pendant ce temps je les photographie. ». C’était la dernière année pour la cigarette dans les lieux publics, Philippe accepta l’idée.
Le livre a été fait en à peine 7 mois. Il était difficile de réaliser des images qui dans l’esthétique,  dans la composition ou dans le style, seraient très linéaires. De plus, le budget du livre n’était pas faramineux. Donc je me suis dis : “on va le faire  dans des univers différents qui me viennent au fur et à mesure, et de ce fait cela créera une dynamique dans le livre !”
Tout cela se faisait assez au jour le jour : des repérages des lieux, des séances selon le temps libre des protagonistes souvent très court d’ailleurs, le shoot le plus long a pris deux heures. Au départ, j’étais tout seul dans le projet, puis Stéphanie Vaillant (styliste) m’a rejoint, et grâce à elle ça a été beaucoup plus facile. Comme je le dis souvent, il ne suffit pas d’être entouré que de gens doués, mais d’être entouré de gens qui fonctionnent avec la même énergie, la même philosophie.

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\\ Y a-t-il eu des démarches particulières selon les différentes personnalités du livre ?

L’avantage de travailler pour des magazines de cinéma, c’est de profiter des promotions des films  pour rencontrer des gens. Et quand tu travailles avec des magazines qui n’ont aucun souci avec la clope, que demander de plus…
Matthieu Kassovitz c’était à Cannes, ça a duré dix minutes. Pour Poelvoorde c’était lors de la promotion de “Les Deux Mondes” sur les toits de la prod’. Béatrice Dalles c’était pour Score.
Ensuite, ça fait boule de neige, les images entrainent d’autres images. Et l’on réalisait plus de prod’ pour le livre.  La présence d’un éditeur du groupe de La Martinière a beaucoup aidé aussi.
Pour les rencontres, il y avait aussi le petit festival de Cabourg, très intéressant car tu côtoies vraiment les gens, tu manges avec eux, tu partages les soirées, il est donc beaucoup plus facile de d’aborder les gens de manière plus détendu par rapport à Cannes où c’est beaucoup plus fermé.
C’est là que qu’on a rencontré Jean-Marc Barr notamment. Le projet l’a intéressé et il nous a donné son numéro de téléphone. De retour à Paris,  il nous a invité chez lui ! C’est pas rien Jean-Marc Barr c’est “Le Grand Bleu” quand même !

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\\ Selon ton portfolio tu commences à avoir une certaine expérience en matière de shoot de personnalité, est-ce que ces gens là t’impressionnent toujours comme au premier jour ?

Je suis plus touché qu’impressionné par certaine personnalité. La première personnalité que j’ai faite c’était Sinclair, le chanteur. Je n’étais pas stressé par le personnage mais plus par le fait de faire une belle photo, qui soit à la hauteur de ce qu’il fait, de ce qu’il me renvoie.
Puis, tu n’as jamais trop le temps d’être impressionné… Car la plupart des images de star que tu vois sur mon portfolio, c’était des images où j’avais entre 5 et 20 minutes pour la réalisation. La vraie pression c’est ça, tu ne sais pas comment il sera habillé, de quelle humeur il sera, tu sais pas comment va être le décor, et il faut absolument que tu ramènes une très bonne image pour le magazine ! Quand je travaillais pour le magazine “Score” (ndlr : “Score” n’existe plus) qui mettait vraiment l’accent sur les images. Il fallait vraiment rapporter quelque chose “qui tape”.

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\\ Est-ce qu’il y a des imprévus pour le livre, ou même as-tu des anecdotes vis à vis de ton travail ?

L’imprévu fait partie de mon travail surtout quand tu fais de la photo de presse pour les promotions.
Je me souviens avec Carmen Electra, je voulais faire une scène où elle crie au coté de Anna Faris, mais l’attaché a refusé l’idée. Là il ne faut pas se déstabiliser et il faut trouver un plan B rapidement car tu as toujours  peu de temps.
Point à souligner, c’est dans ce genre de photographie qu’il faut aussi comprendre que tu n’es pas en train de faire des photos de mannequins. Ce qui implique qui faut donner un maximum de direction. Par exemple, un acteur comme Clovis Cornillac te donnera beaucoup de choses si tu le diriges un minimum.
Ce genre d’exercice t’apprendre à être rapide et efficace. Travailler pour Score Magazine et avec Wahib m’a beaucoup appris sur cet aspect de la photographie.
Quand tu as ton image, tu le sais, ce n’est plus la peine de continuer. La dernière anecdote en date, c’est les photos de Mélanie Thierry pour le magazine Brazil pour la pièce Baby Doll dont l’affiche a d’ailleurs été faite par Peter Lindbergh.
Je lui explique que je vais faire quatre prises de vue différentes, elle acquiesce. Je fais quelques portraits, une vingtaine de photos, et je lui dis “c’est bon ! »
Elle me dit : “Non mais, tu plaisantes tu as fini là ?!”
“Oui oui, j’ai fini…”
“Ah d’accord bon ben j’ai jamais vu ça. Je vais me mettre là-bas mais euh, je peux regarder là ?” Elle regarde les photos “Ah mais, c’est super sympa !”
“Ben merci écoute !”
Une femme comme Mélanie Thierry, un super décor, l’expérience du terrain c’est sûr ça facilite beaucoup les choses. Ce n’est pas du grand art non plus, c’est de la photo sympathique.
Une anecdote sur la dernière photo du livre (I love danger), c’était le deuxième rendez vous avec une comédienne, et également la deuxième fois qu’elle me plantait ! Et lors de la deuxième, j’avais quand même dérangé pour rien l’équipe maquillage, coiffure, styliste, etc. J’ai décidé de réaliser une photo avec la maquilleuse qui portait cette petite robe d’été ! Je lui ai dit de marcher dans la rue avec ce sac (de Castelbajac). Comme quoi les imprévu parfois…

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\\ Quel est ton rapport à la cigarette ?

C’est une petite nostalgie, c’est drôle parce que je ne suis pas fumeur et je déteste l’odeur du tabac froid.  Par contre, j’adore les femmes qui fument, les femmes rock’n'roll, les femmes qui s’affirment.
Et puis, avec l’arrêt de fumer c’est tout un paysage public qui a changé visuellement. Quand je vais à un concert, ça me fait très bizarre de plus avoir de fumée. Même si c’est plus agréable d’être dans un lieu non enfumé je trouve que ça cassé quelque chose socialement.

Rien que le fait de poser une cigarette dans un cendrier et de la laisser se consumer, ça raconte quelque chose : il y a ou il y a eu une présence humaine. Dans les scènes de stress où il y a une ambiance très lourde, la cigarette apporte encore quelque chose. C’est le temps qui s’écoule…

La cigarette est culturelle, on ne peut pas effacer les vieilles années. Si aujourd’hui tu faisais un film sur les années 70 ou 80 et que le bar n’est pas enfumé, y a un truc qui va pas ! Prends Gainsbourg, tu ne peux pas lui enlever. Tu regardes les premières pubs pour le tabac, c’est presque conseillé par les docteurs, c’est très drôle ! Quand tu mets une cigarette dans une scène, ça a un sens, ça a une vraie référence.

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\\ Quel est pour toi le matériel idéal de prise de vue, et les conditions idéales  ?

Ayant une base scientifique, tu t’interroges sur pas mal d’aspects techniques, mais très vite je me suis dit “Olala le technique j’ai fait ça tout le temps” Je crois que j’ai quasiment rien lu sur le technique en photo. La question est plutôt de savoir “Comment on fait une belle image ?”

L’aspect technique c’est : “tu prends un très bon boitier, tu prends une très bonne équipe, une bonne lumière, en mode tu prends une très belle fille, des beaux fringues…” Là tu as une image qui intrinsèquement est parfaite, mais est-ce que c’est une image pour autant intéressante ? Y a beaucoup de photos de mode que je ne peux pas critiquer, car elles sont très bien, techniquement parfaites. Mais, elles ne me parlent pas. Quand tu as une démarche plus artistique, tu vas jouer plus sur ta sensibilité, sur ce que tu vas raconter.

Tu peux faire une photo volontairement cramée à certains endroits qui dégage une émotion incroyable.  Pour choisir un appareil, tu dois savoir quel type de photo tu veux réaliser.  Je suis resté dans le 24×36 car j’aime beaucoup bouger. Cependant j’aime énormément la profondeur de champ très courte, quand tu as des petits capteurs, c’est très dur à obtenir, le zoom a tendance à aplatir les images. J’aime la dynamique, je travaille beaucoup au grand angle, j’utilise beaucoup le 20mm et le 50mm essentiellement. Le numérique a été très difficile car je venais du 24×36 argentique. Et qui aime le cinéma, aime la profondeur de champ courte, aime le grain… Et le numérique est très plat, très précis comme image, particulièrement avec les premiers capteurs. J’ai doucement retrouvé le feeling que j’avais avant avec les capteurs Full Frame.

J’aime aussi profiter des points faibles de l’objectif. Le manque de piqué à grand ouverture, le vignetage sur les grand angles et shooter à faible vitesse. J’aime le flou, j’aime le grain, la lumière continue ou naturelle. En un mot avoir du relief dans mes images, un coté brut. Même si on retouche toujours un peu, car les tendances font que ça reste nécessaire. Mais moins j’en fais, mieux je me porte.

Les conditions idéales, c’est avant tout une bonne énergie. Ensuite c’est matériel, car étant un fan de cinéma, j’adore la lumière continue mais ça n’est pas toujours facile à mettre en place.

J’ai eu la chance récemment de faire une série un peu “Polar” pour Gala, qui a loué un lieu exceptionnel, le matériel, c’était vraiment chouette ! Faut jamais oublier que les conditions sont sujets à être très personnels… La sensibilité, qu’est-ce qu’on veut raconter, on réagit tous de différentes manières devant une idée. Ça peut être très simple dans bien des cas.

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\\ Est ce qu’on verra un jour Eddy Brière au cinéma ?

Au cinéma je ne sais pas. En tout cas l’image animée est un truc qui me tente bien.

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\\ Des conseils pour un débutant, ou un amateur ?

Le seul bon conseil qu’on m’a donné en photographie, c’est “Photographier, photographier, photographier…” Ne pas hésiter, faut essayer des trucs, tout le monde commence prendre un pigeon en photo… Faut bien commencer quelque part, le numérique te permet de faire un peu tout à l’infini. A force de regards, à force de shooter,  tu iras bien quelque part. C’est un entrainement, comme un entrainement physique. Ça vient avec le temps et la répétition.
La photo aussi au départ, c’est beaucoup de rencontre, pour ça Internet a été chouette. Les forums, la rencontre des photographes c’est important. Le partage est rare dans les métiers artistiques, notamment avec les photographes qui sont très protecteurs. J’entends souvent dire tel ou tel photographe “ouais moi ma lumière…” Toutes les lumières ont été déjà inventées, tu n’inventes plus rien, en photo c’est pareil ! J’ai pas honte de me dire que je m’inspire car quasiment tout a été fait en photo. Après, c’est à ta sensibilité de faire la différence.

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\\ Un petit mot pour la fin ?

C’était très sympa d’être interviewé par un webzine photo sans être harcelé de questions techniques. Pour moi la photo c’est avant tout véhiculer de l’émotion.
Il ne faut pas se sentir impressionner où se considérer comme n’étant pas à la hauteur (à la hauteur de quoi d’ailleurs ?). T’as envie de faire de la photo, et bien vas y, te retiens pas !

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Pour rappel, son livre (dont vous trouverez la couverture ci-dessous) est au petit prix de 12€. Disponible un peu partout sur le net, et dans toutes les bonnes librairies d’arts.

Site du photographe : www.eddy-briere.com
Mini-site sur le livre : 7minutes.eddy-briere.com/

]]> http://www.lense.fr/2009/04/22/interview-eddy-briere/feed/ 16 http://www.lense.fr/2009/04/15/interview-photos-mathieu-lesavre/ http://www.lense.fr/2009/04/15/interview-photos-mathieu-lesavre/#comments Wed, 15 Apr 2009 06:31:27 +0000 o0OFF http://www.lense.fr/?p=3879 Comme vous le savez, je suis très sensible au moyen format; Je vais ainsi vous présenter une partie du travail argentique de Mathieu Lesavre.

Le moyen format est si intéressant à traiter. C’est pourquoi, vous retrouverez une sélection du Photographe et quelques unes ajoutées par moi-même qui méritaient d’être vues; Des clichés de la vie de tous les jours, des choses simples et porteuses d’histoire, des souvenirs d’enfance, de vacance. C’est voilé et léger, c’est doux et coloré. C’est en noir et blanc, parfois même avec des enfants …

Je vous laisse apprécier son travail ainsi que ses mots.

La photographie de l’emballage Kinder résume bien ce qui m’inspire. Une fin de repas, tout est débarrassé, l’emballage est resté là. L’oeuf a disparu, c’est mon enfance et la sienne qui défile. Peut-être un peu la tienne aussi ? On amorce un cycle, la photographie le fige.

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- Interview -

Bonjour Mathieu et merci de m’accorder quelques minutes …

Bonjour Ophelie, merci pour ces quelques questions.

D’où vient cette passion pour la photographie?

J’en ai toujours fait un peu.
Sans faire exception à la règle, notre génération est très exposée aux images. L’envie de participer à la fête est venue assez naturellement. J’ai toujours dessiné. Je suis passé par la case graffiti pendant près de dix ans. Je suis architecte de formation et graphiste 3D de profession. Je fais des photos pendant mon temps libre – quand j’en trouve ! -

Ta démarche?

Elle est plutôt lente et je préfèrerai que mes photos parlent d’elles-mêmes. Néanmoins je pense que la catachrèse est une figure de rhétorique qui se prête bien à ce que je cherche à photographier. On en emploie régulièrement dans le langage comme ‘boire un verre’ ou ‘les pieds de la table’. On pourrait aisément en faire une transcription surréaliste. Je le fais le plus froidement possible. Je mesure, je cadre, je déclenche et je ne touche à rien de ce que je photographie. Le monde tel qu’il m’est donné.

Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

Plutôt du moyen format et que des focales fixes. En correspondance avec ta question précédente, pas de grand angle. Je m’approche ou je recule car je suis bien incapable de faire un cadrage avec un zoom. J’ai plein de boîtiers mais ça n’a aucune importance à mes yeux. Hiromix a tenu son journal photographique avec un compact Konica vraiment basique. Le résultat est sublime.

Pour le digital, j’ai également un 5D mais que j’utilise occasionnellement. Je ne suis pas très à l’aise avec le numérique. Au delà d’un problème de support, c’est la pratique même de la photographie que je trouve modifiée. Je ne suis pas fait pour ça. Que ce soit pour la musique ou l’image, c’est ma manière de résister à une surenchère qui ne me convient pas. Je scanne les négatifs et je joue sur les courbes. Je n’ai pas le temps ni l’envie pour les retouches. Mais il faut faire comme on veut.

Quelles sont tes inspirations?

Tout. La photographie de l’emballage Kinder résume bien ce qui m’inspire. Une fin de repas, tout est débarrassé, l’emballage est resté là. L’oeuf a disparu, c’est mon enfance et la sienne qui défile. Peut-être un peu la tienne aussi ? On amorce un cycle, la photographie le fige.

Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Il y a tellement de photographes qui me touchent beaucoup alors que je ne me sens pas forcément dans la même direction, par manque d’expérience sans doute ou par choix j’espère.

Sur Flickr : Chillhiro, Jaxting, Patrick Joust, Memetic, Juan Ospina, Raffee ou Velco parmi tant d’autres très talentueux.

Mathieu Lesavre, en 5 mots, ça donne? :]

Puligny, Kim Brothers, Daeji, Paris, Charles Wright.

Lien

FlickR

Une petite sélection de photos du photographe ainsi qu’une petite interview. Je ne peux lui en vouloir, lui travaillant au moyen format … Voici donc un aperçu de Quentin Lënw. :]

- Interview -

Bonjour Quentin et merci de m’accorder quelques minutes …
D’où vient cette passion pour la photographie?

Travailler avec la lumière, la matière. une bonne approche entre le tableau & le cinéma.

Ta démarche?

Des recherches techniques en mixant diverses médias pour réaliser des images/ambiances.

Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

Ces temps-ci essentiellement argentique en moyen format avec une postprod en numérique.

Quelles sont tes inspirations?

Mes passions. (ndlr: le cinéma, l’art)

Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Je ne pense pas en avoir.

Quentin Lënw, en 5 mots, ça donne? :]

Café Thé Chocolat Titane Polypropylène. ;p

Portfolio

lewn.net

Il fait parti de ces personnes que j’apprécie vraiment beaucoup pour leur sensibilité et leur regard pour des compositions simples et efficaces, où les ambiances et les regards vous en disent long et vous content le quotidien que l’on retrouve dans les rues ainsi que sur les visages.

- Photos -

Au programme, beaucoup de sensibilité, des rues, tantôt éclairées par le soleil, tantôt par les néons des enseignes et autres lampadaires, du noir et blanc avec un bien joli grain mais aussi des portraits.

Un agréable voyage vous attend … :]

- Interview -

Bonjour Gromain et merci de m’accorder quelques minutes …

Bonjour – flatté que l’on s’intéresse à mes photos – je pensais faire ça exclusivement pour mes fonds d’écran. :]

D’où vient cette passion pour la photographie?

Je pense que ma passion photo vient de plusieurs choses – mon père qui en faisait pas mal jusqu’au jour où il s’est fait piquer tout son matos, internet qui m’a permis d’un seul coup d’avoir accès à une quantité incroyable de points de vue photographiques sur le monde (c’est poétique pour parler de pr0n ?) et enfin la baisse du prix du matériel nécessaire.

Ta démarche?

Je ne pense pas avoir de démarche particulière – j’ai plein de projets dans les cartons que je n’ai jamais commencé – par paresse et par manque de couilles – il faudrait monter des groupes de motivation PPH “projets photo hésitants”.
J’ai juste une mini contrainte perso – moins de une minute de retouche par photo. Je suis ni pour ni contre la retouche travaillée, ça fait partie de la photo mais j’aime être surpris par ce qui sort naturellement.

Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

Pour mon matos photo (et pour la photo en général) j’ai eu de très bons guides : lense, Nora et son exColocGentil, Tann (article/itw lense), qui m’ont poussé vers un matos de base dont je ne pense pas atteindre les limites avant un certain temps (à part ce grrrrrrain à basse lumière…) – donc un reflex numérique premier prix et deux focales fixes lumineuses (30mm et 50mm).

Quelles sont tes inspirations?

Mes inspirations sont juste un peu ma vie – des voyages intéressants et des tranches de vie quotidiennes qui le sont moins…

Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

C’est une réponse un peu bateau et très Annagavaledesque (bouuuh) mais la photo est un point de vue – tous les photographes qui prennent le temps de partager ont un truc, une lubie, une touche. C’est pour ça que je dois limiter dans le temps mes ballades Flickr. ;]

Gromain, en 5 mots, ça donne? :]

Cinq mots ? Débutant Dilettante Cherchant Conseils Avisés.

Le message est passé! Pour finir, as-tu des conseils à donner aux lensers, de petites choses à ajouter …

Mon conseil ? Arrêtez la télé, l’image bouge trop, ça fait mal au coeur.

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5ive, c’est avant tout de jolies compositions bien colorées, de jolies photos de concerts en noir et blanc mais aussi en couleur où les lumières se mêlent et donnent une belle ambiance; il n’hésite pas à user de Photoshop pour rebooster l’ensemble. Lorsqu’il prend une photo, il la pense au moyen format, exit le reste, il vous l’explique un peu plus bas dans l’Interview.

- Photos -

Au programme, du dépaysement, de chouettes couleurs au travers de deux séries appelées ‘Norway Series’ & ‘Evergreen’, mais aussi une sélection de photos de concerts.
De bien jolies choses pour vos yeux. :]

‘Norway Series’

*aw*

‘Evergreen’

‘Live’

- Interview -

Bonjour 5ive et merci de m’accorder quelques minutes …

Bonjour Ophelie.

D’où vient cette passion pour la photographie?

Je suis tout simplement un amoureux de l’image au sens large du terme. Je me considère plus comme un graphiste touche à tout, que photographe. J’aime beaucoup jouer avec la couleur, les formes, les cadrages, chatouiller les pixels…
J’ai bien tenté une époque l’argentique avec un Pentax MZ-5N, expérimenter sans prétention aucune, mais j’ai dû abandonner rapidement car les finances ne suivaient pas (films/développements…), et peut être n’étais-je tout simplement pas prêt, pas assez motivé.

Bien plus tard, j’ai acquis mon premier reflex numérique, un Nikon D70, avec lequel j’ai accouché d’un premier projet photographique : NORWAYSERIES. La photo est un terrain de jeu que j’apprécie beaucoup, un outil supplémentaire pour m’exprimer.

Ta démarche?

Comme beaucoup d’autodidactes je pense, aucune, ou alors vraiment minime ! :) Juste l’envie de faire de belles images, saisir des moments intimistes, j’adore jouer avec les lumières, capturer l’essence d’un geste, un soupir… Je ne me dit que très rarement, “tiens je vais faire ça”, aborder tel type de sujet… Ca arrive la plupart du temps spontanément.

C’est d’ailleurs ce qui me plaît avec la photo, le côté instantané, (quoique formule biaisée en ce me qui concerne vu que j’applique une postprod) et c’est ainsi que s’est créé mon projet NORWAYSERIES, attiré par ce que je voyais en Norvège, j’ai voulu au fur et à mesure en faire une série déclinable dans le temps, une invitation au voyage ; une méthode spécifique s’est alors constituée au fil du temps, comme shooter/cadrer en format carré, pas évident au début avec un D70 et son petit viseur.^^
Je ne pensais qu’en format 6×6, faisant abstraction du reste de la scène.

N’étant pas Photographe et encore moins “puriste”, pour finaliser mes shoots, je n’hésite pas à ajouter ma touche personnelle qui se traduit aussi au delà du cadrage, ressenti d’une scène… en utilisant Photoshop (déformation professionnelle sans doute) retravaillant un peu la chromie, les contrastes, simulant des traitements croisés… Je m’essaie aussi au rendu noir et blanc, surtout pour les photos de concerts.

Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

J’ai un Nikon D200 depuis un petit moment maintenant, lors de mes virées, il est mon fidèle compagnon. En sortie concert il est équipé essentiellement d’une focale fixe Nikkor 50mm f/1.8 et d’une autre focale Nikkor que j’affectionne tout particulièrement le 85mm f/1.8. Je possède un Flash SB-800 que j’utilise très rarement. Je compte dans ma besace, deux autres objectifs : Un Nikkor 35-70mm f/2.8D et d’un AF-S DX 18-70 F/3.5-4.5 IF ED que j’ai gardé de mon précédent kit D70 que j’utilise peu.

Maintenant je zieute avec beaucoup d’attention le D700 et me surprend même à rêver d’un hypothétique D800… que j’aimerais coupler avec un Nikkor 14-24 f/2.8 et d’un Nikkor 70-200 VR f/2.8. Mais que d’argent à mettre de côté *sic*

J’aimerai aussi pouvoir m’offrir dans un futur proche un Rolleiflex, un Hasselblad 500CM… Outre la qualité et la spécificité de ce type de matériel, j’avoue être charmé ne serait ce que par l’objet même…

Quelles sont tes inspirations?

Dans le milieu photographique, je ne pense à personne en particulier, à la limite juste sans grande originalité, un nom qui revient sans cesse : David LaChapelle, pour l’esthétique mais surtout sa gestion des couleurs.
Sinon clairement le monde musical. Et comme beaucoup, le monde qui nous entoure…

Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Je n’ai pas de modèles, par contre des personnes dont j’apprécie le travail, David “Graphistolage” Jubert, Laurent Nivalle (itw lense), Eric Canto, le norvégien Arild Danielsen. Pour leur approche des Portraits : Nicolas Guerrin, Andrzej Dragan.
En ce moment je surkiffe le roumain Radu Popescu, son univers varié, son mix graphisme/photo…
Et plein d’autres… souvent de parfaits inconnus vu ici et là sur le web.

5ive, en 5 mots, ça donne? :]

Yeah!, Live, Couleurs, Sourire… Poils.

aha. Bon, as-tu des conseils à donner aux lensers, de petites choses à ajouter …

Tout d’abord un grand merci à toi Ophelie, c’est un vrai honneur de me retrouver sur Lense, je me sens tout petit après ceux déjà interviewés. ^^ Je ne pense pas avoir de conseils à donner :) juste envie de vous dire très cher Lensers, ECLATEZ-VOUS !!

Ah et j’attend une Lense Party dans le grand nord… Oslo. ^^

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Norway Series

Toma est originaire de Paris. Son projet s’appelle Cliclacboom. Son but étant de faire une photo par jour; Les rues, les murs, les gens … la vie de tous les jours en somme.
Un chouette Photoblog journalier qui vous accompagnera au petit-déjeuner.

Voici sans plus attendre son travail, débuté fin octobre 2008.

Interview

Bonjour Toma et merci de m’accorder quelques minutes …
- D’où vient cette passion pour la photographie?

J’ai toujours été attiré par le travail de l’image, mais mes talents de dessinateur ayant atteint leur apogée vers la fin de mon CE2, je me suis en quelque sorte rabattu sur la photographie.

- Ta démarche?

Justement de ne pas en avoir. Si quelque chose m’accroche l’œil, je le prends en photo sans alambiquer la chose. Il n’y a pas une genèse passionnante derrière chacune de mes photos, je cherche juste à ce qu’elles fassent résonner un petit truc en moi et si elles ont le même effet sur d’autres tant mieux.

- D’où t’es venu l’idée de ce photoblog journalier?

Je cherchais une motivation pour prendre le temps de faire un peu plus de photos et la rigueur qu’impose le fait de poster tous les jours (ou presque) m’a séduite. Je ne voulais pas de thème particulier, mais plus faire une sorte de pêle-mêle hétéroclite. Je trouve que son nom (cliclacboum) représente bien cette idée.

- Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

J’ai un EOS 450D avec un objectif 18-200 pas tip top mais bien pratique. Sinon je m’amuse de temps en temps avec un pola et un fisheye lomo. Et dès qu’Obama aura sauvé le monde et que la crise sera passée je compte investir dans tout plein d’objectif.

- Quelles sont tes inspirations?

Ces petites choses de la vie de tous les jours que l’on a tendance à ne pas regarder et mes amis qui vont finir par se prendre pour Britney Spires si je continu à les prendre autant en photo…

- Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Je n’ai que très peu de culture photographique et pas l’habitude de suivre des modèles, cependant j’ai découvert dernièrement le travail de Raymond Depardon qui m’a beaucoup intéressé.

- Toma, en 5 mots, ça donne? :]

Houlala/pffff/yeah/grrr/humhum



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tumblR

François Coquerel est un photographe originaire de Paris. Son travail réside plus particulièrement dans la photo Portrait. Il a fait de nombreuses collaborations dans divers magazines dont Monocle, The BBC, Historia, Le Figaro Magazine, The New York Times Style Magazine et des expositions aux Etats-Unis ainsi qu’en Allemagne.

Autant le dire de suite, cet homme se fait connaître pour ses paysages et visages forts ..
et pour cause:
Les séries “In Dark Trees” et “L’oeil entend” sont des plus réussies; couleurs, ambiances, expressions du visage et composition : Tout y est. Je vous encourage à regarder ces séries dans leur intégralité sur son portfolio.

- Une sélection de François Coquerel lui-même (ci-dessous) -

Interview

Bonjour François et merci de m’accorder quelques minutes …
- D’où vient cette passion pour la photographie?

Une passion se nourrit souvent à plusieurs sources. Chez le grand père d’un ami qui possédait un agrandisseur d’abord, d’un vieux Nikon par la suite, de scènes de films, d’un portrait de Dürer, des paysages de Stephen Shore, etc. Je me suis nourri de tout cela à la fois je crois. Sans oublier les personnes qui nous entourent et comptent.

- Ta démarche?

Je pratique d’abord le portrait. Aussi bien pour des magazines que pour des travaux personnels. Mais à chaque fois il s’agit de respecter l’individu en face de moi, et de ne pas le résumer à une idée, un cliché. J’essaie de rester silencieux, accepter qu’un portrait révèle peu de chose sur quelqu’un au final. C’est en adoptant cette démarche que j’essaie de rendre compte en creux d’une certaine vérité.
Sur les travaux sériels, notamment en forêt, l’approche reste identique, maintenir une distance avec l’objet ou la scène, et garder intact le mystère en face de nous.

- Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

J’ai longtemps utilisé un Hasselblad. Mais je suis passé récemment au Mamiya 7, par goût pour le format 6×7. Je possède aussi une chambre Linhoff Master Techinka, vraiment pratique pour les déplacements. C’est un materiel qui reste assez léger malgré tout, comparé à une chambre sur rail.

- Quelles sont tes inspirations?

Il y a une inspiration artistique bien sur. Je me nourrie d’oeuvres d’autres créateurs, qu’ils soient photographes, cinéastes, artistes multi-média, musiciens, etc. J’ai besoin de stimulation, et je vais souvent la rechercher la dedans. Une amie m’a récemment montré cette vidéo de la chanteuse finlandaise Lau Nau (http://fr.youtube.com/watch?v=NXDKO9v8hSc), c’est le genre de choc esthétique qui vous donne des ailes!

- Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Les grands photographes américains des années 70 me fascinent. Stephen Shore, William Eggleston notamment. Mais aussi les “metteur en scène” comme Gregory Crewdson ou bien sur Jeff Wall. J’aimerai etre capable un jour de donner autant pour une image. Il y a les portraits d’Hellen Van Meene, le travail de Sarah Jones, la liste est longue. Patrick Faignenbaum aussi.

- François Coquerel, en 5 mots, ça donne? :]

Vraiment un très bon nageur.
(Okay, c’est un vol à la fausse note biographique de jean Echenoz, mais je n’ai pas trouvé mieux).

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Tantôt numérique, tantôt argentique, elle nous séduit avec ses photos noir et blanc et ses teintes quelques peu désaturées, “oldies”, sans parler des portraits studios ainsi que des photos Live où les lumières donnent cette belle atmosphère, “comme si vous y étiez“.

Beaucoup de maturité, de belles émotions …
Une bien jolie touche qu’est celle de Chloé Le Drezen.

Interview

Bonjour Chloé et merci de m’accorder quelques minutes …
- D’où vient cette passion pour la photographie?

Bonjour… et merci à toi de m’accorder ces quelques questions ! Cette “passion”, elle tient à peu de choses. Je suis depuis toute jeune très attirée par l’image, l’esthétisme en général. Le premier besoin de photographier, c’est venu un jour en vacances, vers mes 12 ou 13 ans. J’étais à l’époque amoureuse des chevaux (oui…) et à défaut d’en ramener un dans la voiture familiale le jour du départ, j’ai décidé de prendre quelques photographies, afin de garder le souvenir. C’était d’ailleurs un moment assez magique ; de mon regard à l’époque, en tout cas. Assez banal, donc, mais cela m’a beaucoup marqué et m’a encouragé à continuer.

- Ta démarche?

A vrai dire, ma démarche – si tant est que j’en ai une, évolue avec le temps et les expériences auxquelles je peux être confrontée. J’ai gardé cette envie du souvenir conservé. Chaque image que j’ai pu prendre me ramène immédiatement à l’esprit le lieu, l’ambiance, qu’elle contient. Je crois que j’essaie de faire passer cela, d’essayer d’inviter un spectateur à partager aussi ce moment, à ressentir les choses d’une façon différente ; de mon point de vue. Je pense qu’il n’y a personne de plus juste que les autres pour nous ouvrir l’oeil à ce que l’on ne voit pas, pour nous offrir une vision différente et tout aussi riche que celle que l’on pourrait avoir “par défaut”. Si je photographie, c’est par envie de garder le souvenir, et de le faire partager de manière à ce qu’il persiste, à ce qu’il s’ancre.

- Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

J’ai commencé en argentique, et je m’y suis relativement longtemps tenue (jusqu’à début 2007). La petite boîte qui m’a suivie est celle avec laquelle j’ai pris mes premières photographies, un Canon EOS 300. Je suis passée en numérique avec un mélange de contrecoeur et d’envie, et surtout par aspect pratique. J’ai donc depuis un Canon EOS 400D (je suis restée fidèle à Canon et le resterai “émotionnellement”, on n’oublie pas son premier appareil). Le reste vient petit à petit, j’utilise deux optiques L (un 80-200mm et un 17-40mm L USM) ainsi qu’un EF II 50mm. Comme j’ai maintenant des optiques de qualité et qui me conviennent, j’ai craqué… et j’accueille un 5D Mark II mi-février. Autrement, je développe et tire toujours en noir et blanc – dans ma salle de bains ! J’ai un Canonet GIII QL17 que j’aime beaucoup, et quelques autres bricoles dont je me sers peu (Pola SX70, Zenit).

- Quelles sont tes inspirations?

J’essaie – et je pense que c’est ce qu’il se passe irrémédiablement – de m’inspirer de tout. Je lis une petite poignée de magazines (Double, Mixte, Tank…) de mode/culture, regarde beaucoup ce qu’il se fait sur Internet (au travers des Flickr, des blogs, des sites…). Le travail des autres est donc une des choses qui sont susceptibles de m’inspirer. Ce que je peux vivre, les voyages, les gens que je rencontre, sont évidemment inspirants, et je crois que c’est surtout par ce vécu que l’on s’inspire. Et la musique. Surtout la musique.

- Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Je ne m’intéresse que depuis peu aux “grands noms” et n’en ai par conséquent pas énormément à citer. J’ai reçu le livre “Fiction” de Michael Ackerman dernièrement, qui m’a beaucoup marquée. A plus petite échelle, j’aime beaucoup le travail de Cédric Bihr qui paraît régulièrement dans le gratuit Redux, pour les tons et les ambiances de ses photographies. C’est un peu un résumé : je suis admirative des images “fortes” esthétiquement, avec de l’audace, et je suis également touchée par des choses plus simples, plus diaphanes, un peu hors du temps.

- Chloé Le Drezen, en 5 mots, ça donne? :]

“Il faudrait travailler encore davantage” : je m’y attelle.

Si tu as des conseils à donner aux lensers, de petites choses à ajouter …

Pas spontanément, mais si certains ont des questions, je serai ravie d’y répondre. Lense est une très belle initiative; S’il y a des gens sur Rennes qui veulent discuter photo… je suis intéressée ;). Bon, et puis, pendant que j’y suis, j’aimerais côtoyer de plus près le milieu de la photographie de mode, et recherche là aussi des discuteurs / contributeurs… A bon entendeur !

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Cédille est originaire de Strasbourg. Elle fait partie de cette jeune génération de créatifs où la photographie est le support de nos émotions, celui de nos créations graphiques. Touche-à-tout, elle dessine & gribouille, tant sur le papier que sur l’ordinateur. Mais ici, il est question de son travail photo et de son post-traitement. Les joies de la photo-graphisme comme il me plait à l’écrire.

Douce et mystérieuse, elle nous livre de jolies mises en scène, toujours remplies de poésie, des histoires, des moments précieux, de la fantaisie. Frais et pétillant, coloré et mis à nu, bienvenu chez Cédille. :]

Moyen Format :

Légèreté …

… en papier

Voilé.

Abstractions corporelles :

Interview

Bonjour Cédille et merci de m’accorder quelques minutes …
- D’où vient cette passion pour la photographie?

Déjà, je me sens aujourd’hui bien plus graphiste que photographe ( ou graphiste en devenir plutôt ), mais j’estime que les deux son intimement lié. Ma passion c’est avant tout l’image. J’en suis venue à la photographie par hasard, avec un compact numérique classique, j’étais encore au lycée. J’ai découvert qu’on pouvait faire des choses merveilleuses avec cette petite bête si on prend le temps de se pencher un instant sur un sujet insolite, le cadrage, les jeux de couleurs et la lumière. J’me suis jamais arrêté de prendre des photos depuis. Je crois que sans la photographie je n’aurais pas entamé des études de graphisme, ce fut un déclic vers l’image en quelque sorte.

- Ta démarche?

Aucune en particulier, juste photographier ce qui me touche ou ce qui me traverse l’esprit. Je faisais beaucoup de mise en scène/autoportrait à une période, ça m’est passé. Actuellement j’essaie plus de capter des ambiances qui me semblent un peu particulières, suspendues, surréalistes, porter un regard différent sur des choses anodines de notre environnement. J’essaie.

- Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

Un Canon Eos 300D qui commence à avoir fait son temps. Et puis quelques babioles : deux polaroïds, un lomo fisheye.

- Quelles sont tes inspirations?

Le cinéma beaucoup je crois, les ambiances à la Burton, Jeunet, Wong Kar Wai. Et puis des thématiques comme la nature, les contes de fées, le quotidien…

- Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Je n’ai pas vraiment de modèles, juste des gens dont j’aime particulièrement le travail, comme Elina Brotherus, Anna Gaskell, Catherine Larré, Bernard Faucon …

- Cédille, en 5 mots, ça donne? :]

Mystère, sensibilité, fantaisie, végétal, quotidien.

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Il a le regard d’une femme. J’entends par là qu’il y a beaucoup de sensibilité dans ses photos, de belles émotions, de jolies compo, de bien belles couleurs(…) Je vais peut-être loin en disant qu’en lui règne une femme mais que voulez-vous, il me touche tellement avec ses photos …

Ci-dessous, vous retrouverez une sélection et pas n’importe laquelle :
Les clichés qui, selon moi, méritent d’être vues mais aussi,
de mettre en avant les photos qui sont pour ainsi dire brutes.

- Moyen Format -

- Compo/Objet/Couleurs -

- Portrait Couleurs -

- Portrait N&B -

- Live -

- Intérieur -

- Extérieur -

- Polaroïd -

Interview

Bonjour Jérôme K. et merci de m’accorder quelques minutes …
- D’où vient cette passion pour la photographie?

En fait j’ai toujours aimé l’image en général, le graphisme, la vidéo mais sans m’y mettre vraiment. Et depuis 1an je suis à fond dans la photo grâce à une salle de concert de ma région ou je peux faire mes premières armes, à mes amis et à de chouettes rencontres.

- Ta démarche?

J’ai pas vraiment de démarche, j’adore les gens, les visages, les expressions c’est pour ça que j’ai 90% de portrait dans ma galerie.
Puis la musique et les concerts.

- Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

Un 400d avec son objo de kit, le 50mm 1.8 et sinon j’ai un diana et j’aime toucher au polaroid mais c’est très cher. Puis des réflecteurs maison assez “cheap” et quelques autres trucs indispensables.

- Quelles sont tes inspirations?

Les gens, mes amis, la musique, le cinéma… c’est très cliché mais c’est vrai.

- Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Pas vraiment un modèle précis mais ça peut aller de Toledano à un mec de 15ans qui déchire sur flickr.

- Jérôme K., en 5 mots, ça donne? :]

photo, photo, photo, photo, photo!

Conseils de Jérôme K.

Non pas encore, mais je veux bien en recevoir!

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Actuellement, fatseth est en Australie. Une sorte de thérapie. En effet, ce voyage est probablement l’un des seuls moyen qu’il a trouvé pour avoir une chance de se reconstruire après le décès de sa petite soeur(…)

Bien avant cette nouvelle vie, ses photos étaient déjà très intéressantes; un côté bien graphique, des compositions et de biens jolies couleurs. C’est à chaque fois un plaisir de voir ses dizaines de photos uploadées sur FlickR – mêlées de celles du (fameux) chat -

Une année sabbatique avec de chouettes clichés à la clé, je dis “okay”, je dis “encore”! :]

Interview

Bonjour fatseth et merci de m’accorder quelques minutes …
- D’où vient cette passion pour la photographie?

Je devais avoir 15ans, j’ai fais un camp scout en Camargue, et j’y ai fait toute une pellicule de photos (avec un Konica tout nul en plastique jaune). Après développement, mon père à regardé les photos et il m’a félicité seulement pour un cliché (banal à mes yeux). On y voyait des mouettes volant sur font de plage. En même temps, à côté des nombreuses photos de feu de camp au flash où on voit rien, de musées à la con et des couilles énormes des taureaux, c’était pas difficile de faire mieux. Bref, j’ai donc observé minutieusement cette photo qui semblait être “réussie”, et j’ai enfin compris qu’on pouvait montrer des sentiments ou émotions à travers une photo banale en apparence. Et j’crois que c’est là que je me suis mis à faire des photos en essayant de montrer autre chose que ce qu’on voit au début.

- Ta démarche?

Ayant un caractère plutôt introverti (à tendance nolife), la photo me permet de montrer par l’image ce que je vis ou ressens sans avoir à parler, et c’est pour moi une “thérapie” puisqu’elle me pousse à sortir, prendre le temps d’observer l’extérieur, et surtout m’y confronter. Chaque session, est un peu comme un safari photo en fait, intense et dangereux haha. C’est pour ça qu’il m’arrive de shooter des choses complètement banales et à l’inverse des scènes insolites où qu’on voit rarement.
Au niveau de la démarche, j’aime bien faire des compositions qui sont simplement intéressantes pour leur côté graphique, (les symétries, les formes, les couleurs…)

- Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

Ca va être vite fait… j’ai un Panasonic DMC-FX07. Quoi? C’est pas drôle! :( J’voulais un compact pour pouvoir shooter dans l’instant où que je sois. Sinon j’me suis fabriqué un fisheye avec un “oeil de judas” de 200° , monté sur un tube d’Efferalgan que je cale sur l’objectif. En mode macro ça rend bien (des fois). Sinon j’ai un Lomo Fisheye et mon vieux Nikon Coolpix 4500, que je n’utilise plus.

- Quelles sont tes inspirations?

Les petites choses de l’extérieur, tout simplement. Ce monde fou fou, dont il faut bien garder quelques traces avant qu’il ne soit trop tard.

- Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Ha! Voila la question piège! Je n’ai pas de modèle. Je regarde surtout des photostream sur Flickr. Il y a certes des photographes dont j’aime le style, mais j’me souviens même pas de leurs noms. Peut être Terry Richardson qui m’a pas mal marqué, justement parce que ses clichés sont tout l’inverse des miens. Lui à l’air complètement extraverti, il photographie principalement des gens, et souvent nus en plus…

- fatseth, en 5 mots, ça donne? :]

geek, observateur, humble, insatisfait, paradoxal.

Conseils de fatseth

Si cet interview vous à donné envie d’aller voir mes photos, je tiens à vous prévenir que je suis à Sydney depuis un mois et demi et que ces derniers temps pour ne pas en rater une miette, je fais pas mal de “photo touriste” qui ont pour seul intérêt de garder un souvenir du lieu visité, sans chercher à faire de la qualité.

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Blog de Voyage

Bonnes fêtes à vous tous …

Fabien F est originaire de Paris. C’est probablement l’un de mes photographes préférés. Je l’ai découvert sur FlickR il y a 1 an et je reste toujours aussi sensible à ses photos, le moyen format aidant à ma sélection de ce mercredi.

Il a tout ce que j’aime; cette sensibilité, ce besoin de photographier en noir et blanc, de faire des portraits, plein de portraits, ces mannequins que l’on retrouve de temps à autre, la lumière puis celle que l’on voit dans les parkings, les teintes obtenues, cette manière de composer qui est si touchante et sincère que du coup, les mots me manquent(…) Il fait parti de ces photographes comme Simon Grossi qui me touchent vraiment beaucoup, dont on aimerait rencontrer un jour afin de voir comment il s’y prend pour ainsi nous offrir de si jolis moments.

De jolis diptyques; Noir et blanc …

Froid …

Mais aussi en couleurs …

Froid/Chaud …

Dans la nature …

Le moyen format …

Dans les parkings …

Dans la rue …

Et le métro …

Partout, tant qu’il y a des portraits.

Interview

Bonjour Fabien F et merci de m’accorder quelques minutes …

Bonjour et un grand merci pour cette mise en lumière sur lense.fr !

- D’où vient cette passion pour la photographie?

Il y a encore quelques années de cela je me serais avant tout défini comme un amoureux de l’image. Graphiste de profession, j’ai rapidement voulu explorer d’autres moyens de création, que ce soit à 25 images par secondes ou plus tard avec un appareil photo. Alors si dans un premier temps la photographie n’était pour moi rien qu’une technique parmi tant d’autres, je dois avouer qu’elle s’est rapidement transformée en une passion, forcement dévorante.

- Ta démarche?

Aucune démarche précise, ou tout du moins pas encore.
Je cherche beaucoup, j’explore diverses contrées visuelles tout en conservant pour base commune une certaine sensibilité. Je me suis rapidement découvert un grand intérêt pour le portrait. J’essaye de broder autour de ce thème, embrasser la lumière et les visages. Y chercher l’instant, l’émotion, l’expression, cette petite chose magique et volatile qui saurait transformer un simple portrait en quelque chose d’autre.

- Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

J’ai un rapport étrange au matériel. Je lui accorde finalement beaucoup moins d’importance qu’un regard affûté. Et pourtant je me suis rapidement découvert fétichiste de l’objet. Si j’ai commencé comme beaucoup avec le Minolta de papa, je me retrouve aujourd’hui avec un Hasselblad 500CM accompagné par son lot de dos et d’optiques. J’ai également à portée de main quelques autres appareils, un pola SX70, un pola 600SE et un Rolleiflex 2.8F. Mais rien n’y fait c’est avec l’hasselblad que je me sens le plus à l’aise. Qui plus est l’esthétique du moyen format me comble, je ne saurais plus m’en passer.

- Quelles sont tes inspirations?

Beaucoup de cinéma (Godard, Antonioni, Van Sant, Tarkvosky), de musique (Arvo Part, Silver Mt Zion, Thee Stranded Horse, B Dolan), quelques expos par-ci par-là… Je me nourris de tout ce qui m’entoure, de la vie culturelle parisienne jusqu’aux mines déconfites des habitués du métro. Ces derniers temps j’explore plus particulièrement le travail des peintres néerlandais du XVIIe siècle, ou encore, en photo, les travaux d’Ingar Krauss.

- Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Aussi étrange que cela puisse paraître je n’ai aucun modèle dans le milieu, ils viennent tous d’autres univers. Je parlerais alors d’influences plutôt que de modèles. Prenons par exemple Godard expliqué par Deleuze. Il auront réussi en un plan, une dizaine de lignes et quelques maux de tête, à bouleverser ma conception du beau.

- Fabien F, en 5 mots, ça donne? :]

Ça Donne Pas Grand Chose.

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Joyeux Noël à vous tous …

Je vais éviter toute robe verbeuse et vous laisser rebondir sur ces quelques mots que vous retrouverez ci-après en photo : géométrie, trame, noir et blanc, retouche, teinte, moyen format, flou, net, forme, ombre, lumière, nature, brouillon, voyage, ciel, rêverie, poésie, texture, bruit.

_nim, c’est ce genre de photo que l’on retrouverait bien en cover d’album post-rock, experimental, minimal …

Interview

Bonjour _nim et merci de m’accorder quelques minutes …
- D’où vient cette passion pour la photographie?

Je ne me suis jamais posé la question mais ce qui est certain, c’est que tout gamin, j’étais souvent plongé dans les disques vinyls et les albums photos de mes parents. Les deux étaient déjà indissociables à l’époque. Incontestablement, cela a du influer sur le fait que je touche à ces deux univers, même si je ne suis ni musicien, ni photographe…

- Ta démarche?

Je ne ressens pas l’envie d’appuyer sur le bouton poussoir à tout bout de champs mais par contre, ne pas avoir l’un ou l’autre appareil photo sur moi revient au même sentiment que d’oublier son portable le matin chez soi avant de partir au boulot…
J’ai ce besoin de fixer les images qui me parlent au moment où mon esprit y est tout disposé. Ce moment est à chaque fois unique. Pour les numériques uniquement, je passe le tout dans Photoshop pour une légère désaturation des couleurs et/ou une accentuation des contrastes et/ou un recadrage…

- Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

Ado, mes premières expériences se font via un Kodak Ektra 12, un Polaroid 635 et moultes jetables. Aujourd’hui, rien d’extraordinaire, que du cheap tant en numérique (Sony F828) qu’en film (Polaroid 635CL, Holga, Kodak Instanmatic 133X) mais j’ai décidé de passer au reflex en cette fin d’année pour mieux explorer les profondeurs de champs et le portrait. Bref, je ne formalise pas avec le matériel car je me suis accommodé du fait de ne pas avoir les moyens financiers en repoussant les limites de ce que j’ai en mains.

- Quelles sont tes inspirations?

La nature me parle, le minimalisme tout autant, j’apprécie aussi l’oeuvre de David Lynch.

- Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

Aucun modèle, juste une conjugaison probable de photos vue de ci de là. Insomniaque, je reconnais passer assez régulièrement une partie de mes nuits à me promener sur Flickr.

- _nim, en 5 mots, ça donne? :]

nim is a tree … mince, cela en fait quatre.
Bon et bien alors, je dirai : patience, discrétion, sensibilité, insomniaque, autodidacte.

Conseils de _nim

Peu importe le matériel et/ou ses connaissances, il y a toujours moyen de fixer les choses. En soit, c’est déjà pas mal !

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Carte Postale Records (label dont _nim s’occupe)
Belvedere Namur (lieu que _nim coordonne)

Elle fait partie de ces personnes touche-à-tout. Elle dessine, tant sur le papier que sur l’ordinateur, y fait même de la musique. Ce qui nous intéresse le plus ici, c’est la photographie voire même la photo-manipulation. “Photographisme“. Ca sonne comme quelque chose de magique et c’est le cas; en plus d’être jolie et adorable, elle a ce don de sublimer ses photos, de les faire (re)vivre.

Un second souffle, une histoire à vous conter … un soupçon de magie à ces biens jolis clichés.

Un peu de magie, de jolies nuances bleues …

Le printemps et ces filles à fleur de peau …

Shine Shine … Photographe : unAgent – Modèle : e.v.r.i.e.l

Et ces ciels remplis de mystères, d’ombres et de lumière …

Un joli (autopor)triptyque …

À la campagne, où les couleurs se marient si bien …

Où la nature n’est que poésie et légèreté …

S’il fallait résumer la musique de Bat For Lashes,
ce serait probablement avec cette photo …

Et de bien jolies (auto)portraits.

Interview

Bonjour e.v.r.i.e.l et merci de m’accorder quelques minutes …
- D’où vient cette passion pour la photographie?

Depuis que je suis enfant, je passe beaucoup de temps à contempler et observer tout ce qui m’entoure et moi-même par la même occasion. D’ailleurs un mur de ma chambre est couvert de photographies d’yeux. Je suis une fana des beaux livres d’images, des photos ultra léchées. J’aime aussi le côté figé des photos, l’instant de grâce que l’on capture par surprise, dont on ne se lasse pas de regarder; Durant une fraction de seconde, il y a de la magie dans l’air et on est là pour l’apercevoir. Mes études m’ont aussi orientées; d’abord les arts plastiques puis l’infographie; la photo est venu compléter l’ensemble.

- Ta démarche?

Je me fais plaisir avant tout! Généralement, je fonctionne de manière spontanée, mais j’aime aussi la mise en scène. Lors d’un autoportrait, je m’aide d’un miroir et d’un trépied pour positionner mon appareil photo, j’utilise les moyens du bord; lampes de bureau pour l’éclairage ou soleil quand il est présent. J’aime aussi expérimenter en utilisant des filtres “homemade”, des loupes, en retournant mes objectifs… Une fois la séance terminée, je fais ma sélection sur ordinateur et j’efface le reste. Les heureuses élues passent ensuite dans lightroom pour les retouches de lumières et couleurs. Parfois, les modifications bien plus importantes se font dans photoshop. Je ne garde pour ainsi dire jamais “l’image originale”, elles sont toujours retouchées; Pour dire vrai, c’est à ce moment que je m’amuse!

- Peux-tu nous parler de ton matériel photo?

Il y a un an, je me suis offert un kit Pentax K10D avec un objectif 18-55 mm et un 50-200 mm. Depuis j’ai acheté un vieux 50mm f1:2 manuel, un télé objectif 80-320mm et une télécommande pour les autoportraits. Jusqu’ici je suis fidèle à la marque Pentax car je trouve pas mal d’occasions à des prix intéressants et je ne m’y retrouve pas encore dans les systèmes de bagues d’adaptation. Mon
prochain achat portera sur un autre vieil objectif 50mm plus lumineux et un objectif Macro. C’est dur de s’arrêter!

- Quelles sont tes inspirations?

La littérature fantastique et SF dont je raffole, la musique, mes rêves, les photos des autres, certains visages dont je ne peux détacher mes yeux, des scènes et des ambiances vécues.

- Quels sont tes modèles dans le milieu de la Photographie?

J’adore les mises en scènes de Pierre et Gilles, les vieux portraits de Norbert Ghisoland, l’érotisme du duo Exterface, les autoportraits de Bogna Kuczerawy et les oiseaux de John & Fish.

- e.v.r.i.e.l, en 5 mots, ça donne? :]

Curieuse, rêveuse, gourmande, capricieuse, solitaire.

L’adresse “coup de coeur” d’e.v.r.i.e.l

http://www.boston.com/bigpicture/

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